Pour ceux qui l’ignorent encore, il s’agit d’un personnage issu de la saga stratosphérique des Super Robot Taisen (ndt: Super Robot Wars), apparue pour la première fois dans… En fait on s’en fiche, plutôt que de parler de jeux auxquels je n’ai pas joué, je vais plutôt parler des deux jeux Super Robot Taisen que j’ai fini à l’heure actuelle, d’autres étant en cours mais le tactical RPG, c’est comme la coke, une overdose et c’est la mort cérébrale, à savoir les deux épisodes sortis sur GBA et traduits par Atlus USA : Super Robot Taisen Original Generation et Super Robot Taisen Original Generation 2.

Le gros robot qu’elle pilote parce que je le trouve vachement sexy. Illustration par taro [-> profil Pixiv].

Pour les curieux j’avais déjà fait 3 mini billets en anglais sur mon tumblr à ce sujet (avec spoilers). [-> SRT OG1 | SRT OG2 après une map cauchemardesque - impressions finales]

P.S. : je ne suis pas un méchaphile.

Suite à cette introduction à la subtilité digne d’un faiseur de mahô shôjo, passons sans plus tarder aux choses sérieuses et parlons de ces deux jeux qui, pour être totalement honnête, ne me disaient pas grand chose avant qu’au détour d’une discussion avec l’ami Tetho je ne lui demande de m’en dire plus à propos de cette Excellen dont le nom commençait à m’être familier. La description qu’il m’en fit ne manquait pas d’arguments ce qui mena logiquement à une question fatidique sur les jeux à faire pour appronfondir ma connaissance de cette fille virtuelle qui commençait à vraiment hanter mes pensées – et mon imagination à défaut de dôjinshi. L’existence de traductions, officielles qui plus est, était un argument de premier ordre mais me rappelant que mon semestre universitaire avait déjà démarré et qu’il n’aurait pas été sage d’ajouter une autre activité vidéo-ludique qui diminuerait le nombre d’heures que je passerai à tracer des sinogrammes sur des feuilles blanches, je fis donc acte de résistance. Cependant, lorsque je discute méchaphilie avec l’ami Tetho, le FFenril n’est jamais bien loin et ce dernier se chargea d’achever le travail de corruption initié par son {maître, disciple, confrère, partenaire, complice… ?}, peut-être sur ordre de ce dernier, en m’envoyant diverses images de l’objet de mes perversions mes désirs ma curiosité du moment et rien qu’avec une poignée d’artworks officiels, je savais déjà que toute résistance allait être inutile et dus accepter la défaite puis démarrer une partie de Super Robot Taisen Original Generation qui sera désormais raccourci en OG1 pour des raisons de… par flemme. C’est donc à cause de ces deux odieux manipulateurs que j’entamai une route dont je ne suis pas sûr de pouvoir en conceptualiser la fin à l’heure actuelle…

Qui a besoin de produits dôjin quand les artworks officiels suffisent à vous rendre méchaphile ?

Cela faisait un moment que j’avais plus ou moins mis les T-RPG de côté, ayant craqué après plus de 200 heures passées sur Disgaea -sans compter les inombrables heures passées sur des eroge avec un pseudo système de T-RPG mal équilibré et encore plus frustrant- et ayant juré de ne plus jamais retoucher à ce genre d’abominations chronophages, mais malheureusement dans mon cas c’est comme les manga et doujinshi H le pot de nutella à 2h du mat’ : on croit s’en être affranchi et être devenu quelqu’un de plus respectable, mais il y en aura toujours un pour vous faire ressombrer dans vos plaisirs plus ou moins coupables. C’est donc avec un petit sentiment de culpabilité que je lançais donc ma première partie de SRT:OG1 et d’entrée, un choix se présentait devant mes yeux : à savoir qui je voulais choisir en héros mais comme je savais déjà lequel des deux me mènerait à Excellen, c’était sans hésiter que le choix fut porté sur Kyôsuke Nanbu, le bogoss de service aux pointes blondes.

Il ne faudra pas longtemps pour qu’Excellen fasse sa première apparition et son entrée en scène est pour le moins… emballante ? La jolie blonde se montrant très… entreprenante avec le sieur Kyôsuke et ne lésinant pas avec le flirt, ce qui ne laissera pas ce dernier complètement de marbre même s’il sait garder une façade monolithique. Ce duo aura beau être important dans la narration, il est loin d’être complètement central dans l’histoire et c’est toute une ribambelle de personnages qui feront leur apparition, ce qui peut rendre l’histoire un peu confuse au début car on n’arrive pas forcément à visualiser qui est qui et quels sont les enjeux entre ce qui ressemble à une guerre civile doublée d’une invasion extra-terrestre ; cela dit que les sceptiques se rassurent, au fil des différentes cartes, tout s’éclaircit niveau histoire, par contre niveau personnages pas totalement.

La route de Kyôsuke nous fait donc suivre les pérégrinations de l’ATX Team, l’autre route étant centrée sur la SRX Team, qui s’étoffe de personnages hauts en couleurs et en personnalité jusqu’à la jonction des deux équipes qui risque de perdre le joueur à cause de la trouzaine de nouveaux personnages accompagnés de leur mécha qui viennent s’ajouter à l’équipe, ce qui ne manquera pas de causer quelques maux de tête pour le déploiement sur les prochaines cartes, ne pouvant pas sortir tout le monde, il faudra faire des choix et se retrouver avec une tonne de nouveaux choix compliquant pas mal la chose – d’autant plus que la particularité de la saga OG est de proposer des persos entièrement créés par Banpresto, donc ne venant pas d’une série de mécha. Heureusement, les dialogues entre deux cartes permettent de mieux appréhender les nouveaux venus et de s’y attacher, ce qui aide pour se convaincre de dépenser son argent dans des améliorations pour leurs robots et leurs armes et aussi leur permettre d’achever les unités ennemies histoire de gagner des points d’experiénce pour garder une équipe plus ou moins homogène. Ce dernière point sera relativement important dans la mesure où il existe un système de scaling – ou de nivelage en français qui permet de ré-ajuster le niveau des ennemis par rapport à celui des persos côté joueur, une trop grande disparité risquant de compliquer pas mal les choses, surtout par rapport aux boss mais que certains se rassurent, ce système est loin d’être aussi craqué qu’il peut l’être dans d’autres jeux comme Oblivion pour ne citer que l’un des pires cas d’école.

Toujours sur le même sujet de la difficulté, un système d’objectifs facultatifs pour chaque mission a été mis en place sous le nom de Skill Points/Battle Masteries, généralement sous la forme de « Eliminez telle unité ou toutes les unités avant le tour X », en avoir un certain nombre augmentera la difficulté jusqu’à Hard ou au contraire, les rater privera le joueur des cartes bonus (et de la True End ?) après la dernière de la campagne mais le rabaissera aussi à une dificulté plus basse. Comme dirait Tetho : « Seuls les vrais hommes finissent le jeu pour le première fois sans en rater une seule » car une fois le jeu fini, il y a la possibilité de faire un New Game+ avec des bonus d’argent de d’expérience pour ses troupes, ces bonus s’accumulant au fil des parties sans que le challenge soit revu à la hausse, le challenge disparaît peu à peu donc si vous voulez prouver que vous êtes un(e) vrai(e), finissez le jeu sans zapper un seul Skill Point/Mastery. Certaines cartes peuvent avoir des conditions facultatives plus que frustrantes car il est demandé de détruire une unité ennemie mais que celle-ci s’enfuit une fois arrivée en dessous d’un certain pourcentage de vie perdue et que cela peut se jouer à une fraction de dégâts ; l’utilisation et l’abus de la quicksave sera un passage obligatoire.

Un point très frustrant dans SRT en règle générale, j’ai pu tester un peu d’autres jeux de la franchise depuis le temps, c’est qu’il s’agit quand même de jeux qui se jouent beaucoup (et le mot est faible) à la quicksave ce qui en frustera plus d’un mais malheureusement certains passages seront un cauchemar à passer avec succès, dont l’obtention de ces fameuses Skill Points/Masteries sans abus de ce système. Cela ne veut pas dire pour autant que ces jeux sont à jeter, ils souffrent de pas mal de défauts en terme de game design et de plaisir de jeu mais l’ensemble reste plus qu’appréciable pour que l’expérience ne tourne pas au cauchemar de reloading à l’infini. Cela peut sembler paradoxal au premier abord de parler de difficulté et d’abus de quicksave mais chacun jouant comme il le souhaite, l’utilisation de cette dernière peut se limiter à une utilisation ponctuelle pour éviter de perdre du temps à recommencer une carte de zéro sans tomber dans la sauvegarde automatique à chaque action du joueur et d’un reload si celui-ci se fait toucher ou descendre – comme ceux qui abusent des save states en émulateur ; à chacun de trouver son juste milieu et la sa façon de jouer qui lui convient le mieux.

En dehors des cartes stratégiques où se déroulent toutes les phases de gameplay, chaque mission est entrecoupée de séquences de dialogues relativement denses en contenu ; on assistera aussi bien à des échanges entre les héros mais aussi à des scènes se déroulant du côté de l’ennemi qui permettent d’offrir un point de vue différent, ce qui est toujours appréciable pour mieux comprendre les motivations des différents camps. En ce qui concerne l’histoire en elle-même, celle de OG1 avait son charme avec une guerre contre d’autres factions humaines qui devient une guerre contre des envahisseurs extraterrestres avec son lot de manipulations et de trahisons qui en marqueront plus d’un. Cela dit, le vrai point fort se trouve dans l’écriture des dialogues et c’est souvent un vrai plaisir d’assister aux conversations entre les membres de l’équipage que l’on dirige qui ne manquent ni d’humour ni de moments touchants, en particulier ceux entre Excellen et Kyôsuke et oui je fais mon sale fanboÎ mais je l’assume complètement, rien que pour l’amour d’Excellen.

N’ayant pas completé la route de Ryûsei/SRX Team (depuis bientôt quoi… 8 mois ? D’un autre côté cdt a pas bloggué depuis 16 mois soit le double !), mon opinion s’arrête donc à la route de Kyôsuke/ATX Team mais ne plus avoir le focus sur mon duo préféré n’aide pas vraiment à la motivation et après que FFenril m’ait signalé que SRT:OG2 était très centré sur Kyôsuke et Excellen, il ne m’aura pas fallu plus de deux semaines pour me ré-armer de patience et rempiler pour une autre aventure avec l’espoir d’avoir une expérience aussi si ce n’est plus mémorable. Et autant le dire tout de suite : les premières minutes sont assez prometteuses mais le jeu s’embourbe pas mal dans diverses branches scénaristiques loin d’être toutes passionantes mais se rattrape pas mal en milieu de parcours pour finir sur un final, pas forcément aussi épique que je l’aurais esperé mais assez pour que j’en garde finalement un bon souvenir.

Profitant d’un lifting plus qu’appréciable, ce second volet est plus dynamique que son ancêtre qui pouvait sembler parfois très rigide dans ces animations qui ont maintenant vraiment la pêche tout en restant dans les limitations techniques qu’offre une GBA. S’accompagnant de petites mises à jour au niveau du gameplay, comme la possibilité de revendre certains équipements dont on a pas forcément l’utilité, cet épisode se révèle être bien plus agréable à jouer bien que la quicksave soit toujours de rigueur et une certaine carte dans l’espace avec un bonus caché s’est révelée être un véritable cauchemar car le mec en charge du level-design de cette mission avait complètement craqué et rien de plus frustrant que de devoir recharger une trouzaine de fois par minute parce qu’une fois lancé dedans, impossible d’abandonner même si on sait qu’on en aura encore pour plusieurs heures – surtout quand un instant d’inattention de ma part a laissé un ennemi se poser sur une case où il pouvait se régénérer en toute impunité sans que je m’en aperçoive avant plusieurs tours, ce qui m’aura fait perdre bien une demie-heure pour rien… Mis à part ce cas exceptionnel, SRT:OG2 bénéficie d’un nombre de personnages plus élevés et de méchas encore plus abusés, que ce soit de nouveaux ou des anciens améliorés, rendant le jeu encore plus bourrin et les combats de boss à une grosse tournante où on se fait plaisir à balancer toute la sauce pour atomiser le gros méchant pas beau en un à deux tours maximum – assez jouissif quand on a galeré comme un nul sur les dernières cartes parce qu’on manquait encore d’expériences de jeu.

Qui dit nouveaux personnages dit aussi nouvelles musiques pour les accompagner lors de leurs séquences d’animations, qu’on décidera de laisser ou de zapper selon sa tolérance mais certaines valent quand même le coup d’être vues, et si j’avais oublié un point important jusque là c’était bien celui-ci. Particulièrement réussies pour la grande majorité, je me suis accordé plus d’une fois le plaisir de laisser le jeu tourner juste pour apprécier les musiques de certains persos parce que j’en suis complètement fan, certes qualité GBA mais ça ne retire rien à leur charme et qualité, que ce soit bien entendu le thème de Kyôsuke [-> youtube], d’Excellen [-> youtube], de la nouvelle venue Lamia [-> youtube],  du duo Latooni – Princess Shine [-> youtube: thème | vidéo de leur attaque Royal Heart Breaker spoiler inside] ou tout simplement de la piste Trombe! [-> youtube] qui fait l’objet de plusieurs blagues parmi les vétérans des SRTs.

Scénaristiquement, OG2 reprend là où OG1 s’arrêtait : à savoir la victoire contre les Aerogaters, vous savez les extraterrestres du premier épisode dont j’avais pas encore mentionné le nom jusqu’à maintenant, avec le camp des joueurs toujours en combat contre les Divine Crusaders, les premiers adversaires dans OG1 dont j’avais oublié de mentionner le nom encore une fois, qui se sont reconstitués sous le nom de Neo DC, preuve d’originalité s’il en est. Pour être honnête, la partie scénaristique avec les Neo DC était par moments plus que rasoir, le sentiment que ces adversaires sortant d’un peu de nulle de part ne jouant nullement en faveur du scénario, et la partie appelée The School s’est révelée être plus qu’inintéressante avec la plupart des personnages ayant le charisme d’une huître – et un duo de jeunes nouveaux qui sentent bon le repompé de Kyôsuke et Excellent mais en beaucoup moins charismatiques et largement moins intéressants.

En parlant de mes deux chouchous, ceux-ci se retrouvent effectivement avec une place centrale dans l’intrigue avec notemment les seconds adversaires que représentent les Einsts. Il m’est difficile d’aborder les Einsts sans tomber dans le spoiler grave, je me retiendrai donc de parler de ces entités mystérieuses, dont les dialogues se limitent à un « … » pour la plupart, mais je mentionnerai quand même qu’il y’a du cassage de gueule de loli pour les amateurs – notez que je me suis retenu d’utiliser le terme « viol » pour ne pas finir poursuivi par le FBI. Dans la même catégorie des ennemis dont je ne dirai pas grand chose : les Inspectors, qui donnent leur titre à la seconde série anime, avec leurs méchas au look datant d’une autre époque  qui seront alternativement sources de rire et de frustration ; dommage pour eux qu’ils souffrent d’un manque de caractérisation mais au moins on évite les grosses lourdeurs de narration qu’on a avec Neo DC.

Gardant, ce que je considère comme, le meilleur pour la fin, j’aborde donc le cas des Shadow Mirrors qui apparaissent dans l’introduction sans aucune explication à leur sujet avant de ré-apparaître en tant qu’antagonistes à divers moments du scénario. Encore une fois, le problème du spoiler se pose et m’empêche de trop développer leur cas mais parmi les quatres groupes antagonistres, c’est celui qui s’est revelé être le plus intéressant à mes yeux, bénéficiant d’une caractérisation de meilleure facture que les autres et surtout d’une histoire et d’un background bien plus prenant mais hélas avec pas mal de zones d’ombres. Il est à noter que le personnage d’Axel a été ré-écrit dans la version PS2 des jeux OG et ne passe plus autant pour le psychopathe qu’il est dans la version GBA.

D’ici quelques lignes, je vous donne la recette pour vous attirer les bonnes grâces de certains méchaphiles.

Pour les japonisants, les deux jeux GBA ont été réunis en un seul sur PS2, portant le titre de Super Robot Taisen Original Generations ou OGs pour les intimes, ne l’ayant pas testée, je ne pourrai pas pas faire de commentaires à ce sujet si ce n’est que la présence de voix pour les personnages pourrait en attirer plus d’un, en plus de l’amélioration graphique. De plus une suite sur PS2 est disponible sous le titre de Super Robot Taisen Original Generation Gaiden / OGG.

Petit aparté pour le spin-off Super Robot Taisen OG Saga: Endless Frontier et sa séquelle Super Robot Taisen OG Saga: Endless Frontier EXCEED (dont la chanson d’intro est chantée par Nana Mizuki) sortis du Nintendo DS que j’ai à peine touché et ne peux donc pas offrir d’avis consitant dessus. Cela dit, de ce que j’ai pu en tater, il s’agit non plus du Tactial-RPG mais de jRPG des familles avec un système de combats qui ne manquera pas de rappeler un certain Valkyrie Profile dans sa forme ; de plus, les héroines ont l’air de bénéficier d’une poitrine plus que développée donc avis aux amateurs de grosses poitrines s’il y en a dans l’assistance, d’autant plus que le premier épisode a été traduit par Atlus et donc disponible en anglais.

Toujours dans le thème des autres médias en rapport avec la saga OG de SRT, il existe plusieurs adaptations en anime à commencer par la série TV :

• Super Robot Taisen Original Generation: Divine Wars qui, d’après les retours que j’ai pu lire et entendre, est loin d’être une grande réussite si on fait exception de l’opening [-> youtube] qui est assez fantastique sur le plan musical.
• Une adaptation en manga du premier jeu : Super Robot Taisen OG: Divine Wars – Record of ATX par Yatsufusa Tatsunosuke avec 4 volumes de disponibles et il faudrait que je pense à me les procurer. Demandez leur avis dessus à Tetho ou FFenril.
• 3 OVA sont aussi sorties sous le titre Super Robot Taisen Original Generation: The Animation, reprenant le début de OGG soit après les évènements de OG2, il sera nécessaire d’être passé par les jeux pour voir ces 3 épisodes qui se laissent largement regarder sans déplaisir.
• Plus récemment, OG2 s’est vu adapté en série TV avec Super Robot Taisen OG: The Inspector, s’étalant sur 26 épisodes avec un premier ending complètement fantastique avec une partie des héroines à la plage et donc en maillots de bains [-> youtube - peu recommandé si vous êtes au travail mais vous ne devriez déjà pas être ici au travail bande de flemmards !]. Pour la review de l’opening, voir chez Papa Tetho [-> 1er contact : Super Robot Taisen OG -The Inspector- - Anime-janai]

En ce qui concerne cette dernière adaptation, celle-ci s’adresse surtout et avant-tout aux vétérans du jeu mais Tetho vous le dira bien mieux que moi [-> Pourquoi SRT OG -The Inspector- ne se destine qu’aux fans de la franchise et pourquoi c’est une bonne chose - Anime-janai]. Pour faire court, la série souffre bien trop clairement d’un manque de budget assez conséquent mais s’il y a bien une chose dont l’anime ne manque pas, c’est bien de passion de la part de son équipe qui aura su nous offrir des épisodes plus que formidables et dépassant les espérances au milieu de l’ensemble, il faut le reconnaître, bien plus qu’inégal. Mon plus gros reproche ne portera ni sur le fait qu’il n’y a aucun effort d’accessibilité pour le néophyte ni sur le manque de budget qui gâche énormément le potentiel de la série, mais plutôt sur le fait qu’à aucun moment dans tous les épisodes, IL N’Y A PAS UN SEUL RAMPAGE GHOST MERDE ! (l’attaque combinée de Kyôsuke et Excellen) S’il y avait bien une chose que j’espérais voir à l’écran c’était bien ça et comble de l’ironie, le dernier épisode est une véritable orgie avec tout le monde qui balance ses plus grosses attaques, ce qui ravira sûrement les plus méchaphiles d’entre vous ; mais sans ce Rampage Ghost qui aurait pu être le point culminant de la série. Quoi qu’il en soit, j’ai quand même pris un certain plaisir à suivre de façon hebdomadaire The Inspector et je reverrai volontiers la série d’ici quelques mois.

Dans les dernières nouvelles et à l’occasion des 20 ans de la franchise générale, un nouvel épisode de la saga OG est en cours de développement pour PS3 et fera directement suite à OGG. Voir la news de famitsu [-> Dai-2-ji Super Robot Taisen OG - famitsu] pour la gallerie d’images qui promet monts et merveilles, et dont, on l’espère tous, ceux d’Excellen, en haute résolution. J’ai du pain sur la planche pour finir OGG d’ici là…

Enfin bref, avoir taté de ces jeux m’aura permis de passer de très bons moments, entrecoupés d’épisodes de frustration où j’insultais grauitement le jeu, et de m’attacher à des personnages qui sont loin de manquer de personnalité. Loin d’en avoir fini avec ces jeux, il me reste encore des embranchements scénaristiques à découvrir mais pour le moment, je range ça pour m’intéresser aux autres jeux de la franchise SRT dont le tout dernier Z2 Hakai-hen sorti sur PSP en avril dernier qui se révèle être d’une richesse rare et je le savoure avec grand plaisir au quotidien même si mon japonais encore balbutiant  rend la lecture longue et ne pas avoir vu la plupart des séries représentées dans ce jeu me fait passer à côté du plaisir de la plupart des joueurs de SRT de retrouver leurs anime favoris.- note : j’ai du recommencer le jeu du début après avoir raté une Skill Point et ré-écrit par dessus ma sauvegarde à environ 1/3 du jeu.

Je ne sais pas encore jusqu’où j’irai dans cette franchise mais avec les épisodes Alpha 3 et Alpha Gaiden, OGG plus l’opus OG PS3 en préparation, j’aurai déjà suffisamment de quoi m’occuper pendant plusieurs mois dans un avenir plus ou moins proche, sans compter ma partie de Z2 Hakai-hen en cours.

Si vous vous sentez l’âme d’un homme, un vrai, celui qui se bat pour protéger l’univers avec la flamme dans son coeur et dans son âme, n’hésitez à vous lancer vous aussi dans l’aventure, ne serait-ce que pour la poitrine l’amour d’Excellen qui vous le rendra bien.

Moi aussi je veux ma Bunny Girl personnelle !

P.S. et tl;dr : je ne suis pas un méchaphile.

Bon ok j’ai compris, je vais ressuciter le blog.

On va faire clair : ce billet est un quasi-copier/coller du précédent avec quelques ajouts, d’où la version Writer’s Cut, qui seront indiqués dans une jolie couleur verte (bon en fait rien de nouveau a été ajouté, juste 2-3 changements mineurs que personne ne remarquera et qui ne servent strictement à rien). Par ailleurs je re-insererai les commentaires qu’il y’a pu y avoir, si vous aviez envie de faire une intervention c’est toujours possible même si ce billet a maintenant une semaine de retard.

Petite note au niveau du blog : j’ai désactivé l’envoi de mail par défaut en cas de réponse à un commentaire, on va éviter le spam de mails gratuits quand même. Sinon ce sera le seul article reposté à une date plus récente, les autres seront ante-datés pour éviter un éventuel spam inutile des flux RSS.

Update : Bon j’ai essaye de faire 2-3 modifs pour essayer d’ameliorer la lecture mais ca faisait des conflits avec d’autres plugins, je verrai plus tard pour le multi-pages.

On va faire court : j’ai bien aimé ce premier épisode.

For people who can’t read French, here’s a quick summary of this post:

Show ▼

Plan du billet :

1. Introduction
2. Meta-Analyse
3. Impressions sur l’episode

Pour être honnête mes attentes vis-à-vis de K-ON! étaient loin d’être élevées et même si je suis un fan de la pire espèce de Kyoto Animation rien ne me laissait présager que K-ON! serait une tuerie, à l’instar de Lucky☆Star il y’a plusieurs années (i.e. moins de 2). Cela ne voulait pas non plus dire que K-ON! s’annonçait comme médiocre voire mauvais dans ma tête mais plutôt que je m’attendais pas à quelque chose de révolutionnaire : une série légère et divertissante aurait largement suffit. Sur ce point, le premier épisode était tout particulièrement plaisant.

Ayant lu le 4koma d’origine, je savais déjà plus ou moins à quoi m’attendre : à savoir un côté tranche de vie beaucoup plus prononcé que la comédie, je vais encore faire une comparaison avec Lucky☆Star -bien que je sois plutôt contre l’idée (plus de détails plus bas)- : le matériau d’origine est beaucoup plus porté sur la tranche de vie que sur la réelle comédie, je ne tiens pas à re-rentrer dans ce débat mais je préviens juste qu’il ne faut pas s’attendre à 11 blagues à la seconde et que ceux qui voulaient une comédie n’ont pas choisi la bonne série. Encore une fois je tiens à préciser que ce ne sera pas drôle, au contraire même, mais vouloir descendre en flèche la série car elle n’a pas provoqué l’hilarité à chaque épisode ou regarder chaque épisode pour y trouver LE moment de comédie c’est un peu passer à côté de la série. Pour résumer sommairement : tout comme Lucky☆Star et comme beaucoup de gens semblent l’oublier, K-ON! n’est pas exclusivement une comédie, l’aspect tranche de vie y est très présent et l’aspect comique est une surcouche appliquée à la série et n’est pas son aspect central. Je sais que j’ai beaucoup radoté dans ces dernières lignes (ou comment répéter plusieurs fois la même chose de façon différente) mais c’est un sujet sur lequel j’ai perdu un nombre incalculable d’heures, surtout sur des problèmes de compréhension dûs à des sous-entendus/non-dits et autres problèmes liés à la sémantique/syntaxe.

KyoAni fait des références à d’autres séries ? Mais comment osent-ils ?! Ah… c’était dans le manga d’origine ?

Je peux tout à fait comprendre tout le hype qu’a pu générer K-ON! lors de son annonce, après il s’agit d’une série produite par KyoAni donc il était parfaitement normal que beaucoup aient des attentes élevées. Cependant, autant je veux bien qu’on attende de pied ferme la prochaine production KyoAni, autant s’attendre à une révolution ou un X-ième impact me semble quelque peu déplacé (et je pèse mes mots) et c’est le fanboy de Kyoto Animation qui parle. J’accepte parfaitement le fait que KyoAni malgré son jeune âge ait un excellent niveau moyen (cela dit on a à peine une dizaine de séries pour juger) et qu’il peut y avoir du hype autour de séries qu’ils vont produire comme pour KANON et CLANNAD étant donné que ces derniers bénéficient de la popularité du studio Key, qui n’est pas négligeable, mais en ce qui concerne K-ON! il me semble vraiment hors de propos. Je m’explique : il est tout à fait normal de penser qu’une fois de plus KyoAni fera quelque chose d’agréable à regarder mais vouloir un niveau de qualité supérieur ou égal à l’épisode 12 de Haruhi ou penser que le niveau musical de la série atteindra des sommets inégalés c’est vraiment sur-estimer KyoAni. Je rappelle que je suis l’un des premiers à monter au créneau de défendre KyoAni mais loin de moi de vouloir fonder une nouvelle religion à leur gloire (de toute façon Axel l’a déjà fait et faudrait que je fasse une OPA dessus) et j’estime avoir suffisement de recul pour ne pas vendre la peau de l’ours avant de l’avoir tué en ce qui concerne leurs productions futures. En résumé je dis juste que KyoAni a beau montrer d’excellentes qualités, il faut aussi se rappeler que le studio est encore jeune et qu’il faut l’apprécier à sa juste valeur et non pas leur demander l’impossible (d’ailleurs à ce sujet, certains remarqueront peut-être qu’il y’a une nouvelle bannière dans la liste de celles qui apparaissent aléatoirement, je tiens à remercier mon ami Zratul qui m’a fait ce logo même s’il y’a encore du travail à refaire dessus) car cela dessert beaucoup plus la série aux yeux de l’anime fan moyen que ça l’aide à gagner en popularité pré-diffusion.

A l’opposé de la horde de fanatiques de KyoAni, on retrouve bien sur toute le comité de bonnes moeurs anti-lolipedomoe© et surtout anti-KyoAni avant tout (parce que moi aussi je peux faire mon fanboy con et borné je peux affirmer que la plupart font partie du lobby de méchaphiles qui n’ont pas évolué depuis la fin des années 90). Je suis l’un des premiers à trouver que la popularité de Kyoto Animation est plus qu’excessive mais ce n’est pas pour autant que je me sens le besoin de montrer ma supériorité intellectuelle en descendant KyoAni et ses fans à la moindre occasion. Je veux dire par là que je comprends ceux que la popularité excessive de KyoAni agace mais que c’est totalement stupide de se lancer dans une croisade contre le studio ainsi que le lolipedomoe© car contrairement à ce que certains voudraient croire, il est loin d’être le cancer qui tue la japanime, au contraire elle se porte toujours aussi bien qu’avant (je dérive un peu mais les années 2000 n’ont rien à envier aux 90s qui n’ont rien à envier aux 80s sauf peut-être le nombre de séries de méchas mais ça c’est un autre problème). Le ridicule est atteint lorsque certains -à lire des mecha-fans anti-moe- se mettent à regarder la série que pour ne pouvoir la descendre, autant certains peuvent faire preuve d’ouverture d’esprit (ce qui est assez rare en soit) ou que la curiosité vienne en piquer d’autres, je conçois parfaitement que certains veulent quand même essayer par curiosité et j’accepte totalement qu’on puisse ne pas aimer parce que ça ne correspond pas à ses goûts et que c’est tout à leur honneur de vouloir sortir un peu des sentiers battus. Par contre, je trouve que ceux qui s’infligent (c’est leur terme) le fait de regarder quelque chose qu’ils détestent juste pour pouvoir venir troller dessus font preuve d’une attitude affligeante d’idiotie et pour ré-utiliser leurs termes “de retard mental et intellectuel” tant qu’à faire de l’intellectualisme primaire, une activité qui semble leur plaire. J’ai fait de la globalisation abusive et j’en suis parfaitement conscient mais ici je n’attaque non pas la majorité des mecha-fans, qui ne sont ni meilleurs ni pires qu’un fan moyen de KyoAni, mais plutôt la partie la plus radicale du fandom car ces extrêmes représentent tout ce qu’il y’a de pire dans chacun des fandoms : le fandumb et quand on pensait qu’on avait atteint le fond, bin y’en a qui continuent de creuser. Bien sûr en étendant un peu le sujet on pourrait en dire de même pour ceux qui détestent avec une grande PASSION d’autres studios tels que GONZO même s’ils sortent une bonne série de temps à autre mais ça … c’est un autre débat et je dérive déjà beaucoup dans ce billet.

Quite à continuer à taper sur tout le monde, certains fans de KyoAni font preuve d’une certaine intransigeance et surtout d’intolérance quand quelqun vient poser un avis neutro-négatif sur la série, autant je peux comprendre que ça puisse énerver lorsque quelqun critique une série qu’on apprécie beaucoup mais si la personne expose son point de vue de façon raisonnable et surtout argumente de façon valable, il faut savoir accepter ça et par argument valable je considère que “ce n’est pas ma tasse de thé” en est un excellent. Je ne tiens pas à revenir sur les débats sur les goûts et les couleurs car il est complètement stérile mais l’attitude de certains (des 2 cotés) tend à me faire croire que l’ouverture d’esprit et la répartie se font de plus en plus rare dans les diverses communautés, je ne me prétends pas meilleur que la moyenne mais j’ai la décence de ne pas utiliser des mots tels que cancer ou déclins dans mes argumentations autre que pour dire qu’ils n’ont pas leur place dans un débat argumentaire. Encore une fois l’attitude de certains fans dessert la série et surtout le fandom KyoAni car même si les extrêmes ne représentent qu’une petite partie d’un fandom, ils sont souvent ceux qu’on entend le plus et par conséquent sont ceux qui font en partie la réputation d’une communauté de fans d’où l’image négative que peuvent avoir certaines séries. Je ne veux pas faire la morale à certains mais K-ON! est loin d’être une série parfaite, pareil pour Haruhi et autres KyoAni, et ne plaira pas à beaucoup c’est un fait incontestable alors pas la peine de partir au quart de tour quand quelqun vient dire que ce n’est pas sa tasse de thé car c’est totalement justifié ; en revanche ceux qui viennent dire que c’est totalement vide, que ça pue le moe, que les personnages n’ont pas le même développement que dans X et j’en passe des meilleures… oui clairement ceux-là peuvent retourner à l’âge de pierre de la Japanime (ou le légendaire âge d’or tout dépend du point de vue) mais vraiment, évitez de faire des bavures et taper sur des gens qui ne font que donner un avis, je crois que je ne le répéterais jamais assez.

Un dernier point qui m’a particulièrement dérangé ces derniers jours c’est la tendance qu’ont pas mal à vouloir comparer K-ON! avec d’autres animes tranche de vie avec Lucky☆Star en tête de gondole, je sais que j’ai fait des comparaisons avec plus haut dans ce billet mais l’objet de comparaison était différent, je ne comparais non pas les 2 séries mais plutôt le buzz qu’il y’a pu y avoir autour et les différentes réactions dans l’otakusphère internationale. Je vois parfaitement pourquoi certains beaucoup ont cherché à comparer le quator de jeunes filles avec entre autre celui de Lucky☆Star, Hyakko, Manabi Straight, Ichigo Mashimaro (Les petites fraises) et j’en passe des meilleures… Ils iront jusqu’à même Hidamari Sketch. TheBigN résume plus ou moins l’impression que j’ai eu suite à mes multiples lectures de blogs dans ce tweet. Je sais que beaucoup ont tendance à vouloir tout catégoriser, rien qu’à voir comment beaucoup de persos se font classer direct en tant que *-dere (avec les tsundere en tête de liste) rapidement, mais cela dit c’est un peu vendre la peau de l’ours avant de l’avoir tuer et surtout priver K-ON! de ses chances de devenir une série qui se démarque du lot -i.e : qu’on ne la réduise pas elle ou ses héroines à de simples clones de Lucky☆Star par exemple-, de plus ses héroines sont mignonnes et attachantes tout en ayant leur signes distinctifs (même s’il faut le reconnaître puisent dans les clichés du moe mais soit) donc je suis pour donner sa chance à K-ON! de se construire sa propre identité avec le temps plutôt que de classer trop vite -et peut-être à tort- la série et ses personnages. Il y’a certes des ressemblances entre ces diverses héroines mais encore une fois cela n’aide pas la série (et ses a-d-o-r-a-b-l-e-s héroines, qui a dit que j’étais fan ?) de se faire comparer et surtout cataloguer aussi vite. Cela dit dans le tas j’accepte plus ou moins les comparaisons avec Manabi Straight vu qu’elle est bien plus judicieuse que ne l’est une avec Lucky☆Star.

Moi aussi je peux faire mes propres comparaisons.

Bon assez de meta-blogging (surtout pour énoncer des faits évidents mais que beaucoup oublient régulièrement) et revenons-en un peu à nos moutons et parlons un peu de K-ON! en lui-même. Comme je le disais plus haut : loin d’être une révolution du genre et encore moins une déception, ce premier épisode a été divertissant, or c’était exactement ce que j’en attendais ni plus, ni moins.

Comparaison rapide avec le 4koma original : je dirais que KyoAni a su respecter son matériau d’origine et a rajouté quelques touches d’humour supplémentaire ; je ne voudrais pas vendre la peau de l’ours avant de l’avoir tué mais je dirais que KyoAni ne devrait pas trop avoir de mal à contenter les lecteurs du manga. Sinon précision sur le 4koma : il est beaucoup plus orienté tranche de vie qu’humour, le scénario avance lentement mais je n’ai pas souffert d’ennui pour autant donc pour les curieux vous pouvez y jeter un oeil si vous avez un peu de temps et que le coeur vous en dit, c’est très leger à lire et c’est mignon comme tout.

Non rejoindre un club n’est pas une requête impossible.

A vrai dire je n’ai pas vraiment beaucoup de reproches à faire à KyoAni si ce n’est que j’aurais préféré qu’ils gardent le chara design original du 4koma qui était vraiment très sympathique à mes yeux. Cela dit force est de reconnaîre que KyoAni a quand même su offrir un chara-design alternatif qui fait quand même son petit effet et comme a son habitude une réalisation plus que décentes, d’aucuns diront que cette réalisation rappelle beaucoup plus celle du studio A-1 (et plus précisément leur travail sur Kannagi) tandis que d’autres sont rebutés par l’aspect graphique.

15 ans et déjà mariée à tout un pan de l’otakusphère.

A ce propos, j’en ai vu certains se plaindre de l’animation ; je ne voudrais pas rentrer dans ce genre de débat mais certains se plaignent de l’animation qu’ils ont trouvé approximative, autant je veux bien qu’il y’a eu des ratés, graphiquement parlant, à certains points de l’épisode autant l’animation est un point qu’il est difficile de critiquer, n’oubliez pas qu’il y’a une différence entre qualité grahpique et qualité de l’animation mais cdt vous en parlera mieux que moi.

L’animation dans K-ON! est suffisement fluide et donne une impression de vie à l’ensemble, dire qu’elle est mauvaise serait faire erreur, je suis d’accord pour dire qu’il y’a des mouvements qui peuvent paraître bizarre (les mouvements de jambes de Yui mais cela doit être relié à son personnage) mais la qualité d’ensemble est plus qu’honorable et même si les graphismes sont en dessous de ce que nous avait habitué KyoAni, je ne suis pas quelqun de super exigeant (et je ne m’appelle pas Artefact) et si vous voulez mon avis : il n’y a franchement rien à redire sur l’animation et artistiquement parlant, même avec les ratés K-ON! respire (ou transpire selon les points de vue) le moe et offre des graphismes colorés et terriblement adorables donc sur ce point c’est un succès pour ma part mais je conçois parfaitement que ça ne plaira pas à certains (et la plupart auront l’intelligence de s’en tenir éloignés si ça les dégoute tant que ça, tandis que d’autres… meh). Bonus : Comme d’habitude, KyoAni fait preuve d’un certain souci du détail, les amateurs de musique (surtout d’instruments) devraient apprécier cette qualité et peuvent s’amuser à reconnaître les différents modèles d’instruments présents.

Je répétais (une action que je répète aussi plusieurs fois dans ce billet, mon dieu je me fais vieux) plus haut que je trouvais les héroïnes de K-ON! vraiment adorables. Comme je ne suis pas dénué de sensibilité face au moé, le charme de la série fait donc son petit effet avec parmi mes préférées Tsumugi (c’est difficile de ne pas écrire Tsugumi à la place ~), d’habitude les filles de type ojou-sama ne sont pas forcément ma tasse de thé mais pour le coup Tsumugi a son petit je-ne-sais-quoi qui fait effet (bon je triche j’ai lu quelques chapitres du 4koma et j’ai donc un peu d’avance).

Tout en restant dans le sujet, j’ai constaté à divers endroits de l’otakusphère mondiale une très forte popularité du personnage de Mio, dont je suis aussi fan il va sans dire. De mémoire, j’avais rarement vu un tel enthousiasme pour un seul perso, rien qu’à voir les threads sur animesuki où les avatars de Mio sont légions tout comme chez les utilisateurs de gravatar qui en changent aussi pour l’occasion (et même Danny s’y met !), mais bon force est de reconnaître qu’elle possède beaucoup d’atouts en sa faveur (déjà ses cheveux, j’ai un faible pour ce genre de filles aux longs cheveux sombres <3) et l’ending la met tout particulièrement en valeur -et à ce propos comme vous avez pu le constater je me suis créé mon propre motivator pour m’aider à blogger plus souvent, je pense avoir fait le premier pas vers la guérison de ma flemmïte aigue-.

Je ne voudrais pas spoiler ceux qui n’ont pas lu le manga mais de tout le casting, je pense que c’est la prof (Sawako Yamanaka sensei) celle qui m’aura fait le plus rire jusque là, j’espère que KyoAni saura retranscrire ses hilarants passages dans le manga, surtout qu’ils ont bien intégré la référence à DMC du premier chapitre, qui passe beaucoup mieux dans l’anime que le 4koma si vous voulez mon avis.

Enfin, je dois avouer que Yui est de loin la plus adorable de tout le groupe bien que son archétype (les filles maladroites a.k.a. dojikko) me rebute souvent mais dans le cas présent, tout le moé qu’elle dégage la rend terriblement attachante à mes yeux et comme l’ami Axel, j’ai passé une partie de l’épisode à fixer ses jambes (et apparement on était pas les seuls) car elle possède un gros atout : ses collants noirs. Quant à Ritsu, elle ne m’a pas encore fait tant d’effet que ça jusqu’à maintenant mais cela ne veut pas dire pour autant que je ne l’aime pas, juste qu’elle est un peu en retrait par rapport au reste.

(屮゜Д゜)屮

Quant aux seiyuu, la plupart sont encore des débutantes qui doivent encore faire leurs preuves dans ce métier difficile mais pour ce premier épisode, je dois dire qu’elles s’en sortent plutôt bien. Chacune donne une certaine consistance à son personnage et le résultat n’en est que plus plaisant. Pour rappel, ce n’est pas la première que Kyoto Animation emploie des seiyuu dont la popularité n’est pas encore très haute, je pense bien sûr à Minori Chihara et Aya Hirano pour qui leur rôle respectif dans Haruhi a permis un gain énorme de popularité en peu de temps.

L’opening ainsi que l’ending semblent déjà jouir d’une certaine popularité, pour ma part j’aime bien sans vraiment plus. Musicalement parlant c’est loin d’être la panacée même si ça reste largement écoutable. Ma préférence va à l’OP car même si j’aime bien certaines parties de l’ED (cf le motivator), il y’a beaucoup de points qui me dérangent : le premier vient du style graphique de ce dernier, pour ma part je ne suis pas vraiment fan de cette mode et je trouve que ça casse un peu l’image mignonne des héroines, sans compter que ça rappelle dans un certain sens Aya Hirano qui fait sa crise d’adolescence mais bon, passons… Il y’a des chances cependant que je me mette à vraiment les apprécier avec le temps mais pour l’instant ça reste sympa sans plus.

Au final j’ai passé un très agréable moment, dommage que la suite ne l’était pas autant, il y’a une époque où je considérais que plus de la moitié de mon plaisir en tant qu’anime fan venait des discussions que je pouvais avoir mais plus le temps passe plus le ratio plaisir:frustration baisse mais bon je ne boude pas mon plaisir et il y’a encore suffisement de personnes avec qui je peux continuer à partager ce genre de plaisirs dans l’otakusphère pour que cela ne me dégoute pas des communautés de fans.

En résumé (tl;dr) : K-ON! est une série qui a son lot de promesses et loin de vouloir révolutionner l’industrie de l’animation Japonaise, elle devrait apporter une petite bouffée d’air frais pour cette saison de printemps 2009 qui ne fait que commencer.

C’est le printemps alors autant le commencer dans la joie et la bonne humeur.

Donc voilà si vous aimez bien le style n’hésitez pas à foncer dessus, quant aux autres j’ai déjà dit ce que j’avais à dire. KyoAni continuera de générer beaucoup de hype autour de ses séries pour le meilleur et pour le pire et chacun y trouvera son mot à dire mais bon c’est juste dommage qu’une simple série sans prétentions devienne la nouvelle cible des différentes guerres de religion qui secouent l’otakusphère mondiale depuis trop longtemps.

En attendant je continuerai d’apprécier K-ON! tant que KyoAni continuera d’y insufler le même niveau de consistance et de divertissement et tant pis si cela fait de moi un amateur de lolipedomoe, le si redoutable et vil cancer qui détruit la Japanime.

Omake : Une des multiples versions de Tsubasa wo Kudasai (la musique que jouent Ritsu, Mio et Tsugumi) :
Veil ∞ Lia & Aoi – 翼をください

De plus nos amis de chez Duster + Ensei, j’aime vraiment beaucoup leur style de dessin respectif, nous offrent un joli petit dessin.

Awwwww

P.S. : Bon faut pas non plus abuser, je retourne sur Sengoku Rance, c’est pas qu’il me reste encore plein de trucs à débloquer mais si. Dommage que ma semaine de répit touche à sa fin, j’aurais bien pris plus de temps pour blogger mais d’autres priorités pointent le bout de leur nez.

Avant-propos : ce billet fait partie des 5 récupérables post-problème d’hébergeur, malheureusement les précédents ne fournissaient qu’un extrait, il m’étaient donc impossible à récuperer.

Salutations, je suis Smankh, fidèle lecteur depuis quelques années maintenant de la blogosphère française etinternationale, je saute enfin la marche et rejoins mes idoles de toujours. Otaku dans l’âme, j’aime l’iyashikei, la romance et le nekketsu ce qui inclut forcément Hidamari Sketch, ARIA, Love Hina et Genshiken.

La vitesse de libération terrestre ou deuxième vitesse cosmique est de l’ordre de 11.2km/s

En ce jour de répit pour le petit préparationnel que je suis, plusieurs éléments de ma vie reviennent au premier plan. L’article de zratul puis celui de nyo m’ont rappelé à quel point la dernière œuvre de Shinkai avait une place importante dans mon système de représentations. En effet Byousoku 5 cm, ce triptyque émouvant qui représente avec une extrême justesse et une profonde poésie le sentiment de la distance a été un des déclics qui ont changé l’image que j’avais créée de ma propre personne.

En tant qu’otaku, j’ai toujours ressenti un amour profond, éternel, même obsédant pour les objets de ma passion. Mais ce sentiment de constance, de stabilité, je ne le retrouvais que très rarement dans la vie. Les amis qui s’éloignent, les amours qui se perdent, je me suis retrouvé volontairement seul, désirant m’éloigner de ces sources de tristesse que sont les relations humaines. Takaki, enfermé dans son amour pour son amie d’enfance, si proche de lui par essence, ne trouve que le désespoir quand il confronte la réalité de leur distance à son sentiment le plus profond. De même, j’ai construit la plupart de mes relations comme des piliers de ma vie, constantes immuables, mais le réel rattrapant mes idéaux, j’ai souffert.

Cette souffrance, Makoto Shinkai la retranscrit parfaitement. Comme à son habitude les personnages, volontairement simples dans leur stylisation, se détachent des paysages, eux, peints dans un mélange subtil d’objectivité photographique et de poésie visuelle. Et cette opposition est au centre des trois parties du film. La pureté du design des protagonistes résonne avec celle de leur amour, idéal, impossible tandis que la subtilité et la complexité de l’atmosphère que dégage leur environnement réaliste incarnent un monde privatif mais si vaste.

Dans Cosmonaut, on pourrait croire que Takaki a enfin trouvé le fil conducteur de son existence, cette fois-ci, sans faire l’erreur de choisir son but dans un idéal inaccessible ; mais c’est l’espace, thème récurrent chez Shinkai, qui sera la passion du héros. Encore une fois, ce n’est que la représentation de son amour pour Akari (ai-je mentionné mon amour pour ce prénom ? Et bien, je le fais). La distance écrasante qui sépare la Terre des autres astres est la même que celle qui torture le jeune homme. L’espace est donc cette distance que peint Shinkai, car le temps n’a que peu d’importance dans les sentiments, thèse que le réalisateur avait démontrée dans Hoshi no Koe.

Toutefois, dans cette chain of short stories about their distance, un personnage cependant semble sortir de l’équation. Si Akari réussit à transformer cette relation en un souvenir puissant qui lui permet de continuer à vivre, Kanae, en effet, est l’étrangère. Elle est subjuguée par la puissance du sentiment du jeune lycéen, chose qu’elle ne comprendra qu’après être réellement tombée amoureuse. Cette jeune fille très banale, sans but dans la vie, est le personnage qui m’a le plus marqué. En effet, elle représente mon univers quotidien, étranger à mes pensées, la plupart du temps intrigué ou repoussé par mon obsession mais aussi, de façon exceptionnelle, émerveillé par cette dévotion, cet amour, cette foi même qui est devenue l’essence de ma vie.

Que comprend celui qui me voit pleurer en écoutant la bande-son de ce film ? Qu’entend-il quand j’essaye de lui faire ressentir ce que Tenmon a provoqué en moi en composant Sora to Umi no Shi (空と海の詩) ? C’est ce qu’apporte Kanae, personnage central de la deuxième partie de l’histoire, qui explicite la pensée des personnes en dehors de ce sentiment puissant qu’est l’amour, que dis-je, la passion. La différence se trouve à ce niveau-là, ceux qui vivent autour d’une passion mais qui vivent par elle, et ceux, plus libres, qui peuvent vivre sans. Mais ces personnes comprennent-elles alors la signification de ce mot que nous scandons volontiers pour nous rassembler ? Je pense nyo, que d’avoir ressenti les mêmes sentiments que Takaki n’est pas nécessaire pour apprécier Byousoku 5 cm, mais il faut avoir ressenti cette passion qui fait de nous ce que nous sommes. Toutefois, l’inclusion du personnage de Kanae rend possible non seulement la compréhension de notre différence essentielle mais aussi l’identification à ce personnage, si humain, mais si différent de notre monde.

Makoto Shinkai, transmet non seulement la mélancolie et le désespoir que connaît celui qui préfère l’idéal rêvé à la réalité mais insiste de plus sur la différence profonde qui existe entre les humains. La passion amoureuse de Takaki est éternelle, comme pour tous les héros masculins du réalisateur, mais cette force ne pourra développer son véritable potentiel, en l’absence de son objet. Akari réussit, elle, à se défaire de ce sentiment destructeur pour le transformer en un élément fondateur de sa vie, c’est en somme, ce que le héros et nous-mêmes n’arriveront jamais à faire.

J’espère que la lecture de ce premier billet vous a été agréable, j’essaierai pour les éventuels billets futurs de m’améliorer au niveau du style et du plan, et peut être d’ajouter quelque inside jokes ?

NB : cet article est volontairement incomplet et ne traite que des parties que j’ai jugé pertinentes d’être ajoutées à la discussion, la dernière partie du film, au nom éponyme, n’est donc pas traitée, même si elle est à mon sens l’élément le plus important du message de Shinkai.

PS : bon SAD à tous, même si ce post est publié le 15 février. La mise en page est pas terrible, parce que je découvre WordPress, vous m’excuserez bien sur ce point là ?

PS 2 : Un grand merci à nyo, qui a rendu tout cela possible. L’appel à la PASSION avait résonné au plus profond de mon être mais il fallait la présence d’un deuxième adepte du “slow blogging” pour me motiver. Merci encore.

Preview : “Gendai Shikaku Bunka Kenkyuukai”

Avant-propos : ce billet fait partie des 5 récupérables post-problème d’hébergeur, malheureusement les précédents ne fournissaient qu’un extrait, il m’étaient donc impossible à récuperer.

Normalement je devrais être en train de dormir mais cette journée précédant la Saint Valentin (retirez 9h de votre horloge pour avoir mon heure locale) m’a laissé dans un état misérable émotionnellement parlant : visionnage de Clannad After Story 18 qui contient ma scène favorite du visual novel et un revisionnage de Byousoku 5 cm suite au billet de mon ami la spatule.

Comme je préfère me réserver pour plus tard en ce qui concerne Clannad, ce billet se concentrera surtout sur l’oeuvre de Makoto Shinkai avec quelques paralèlles avec Hoshi no Koe et Kumo no Mukou (dont le dvd devrait paraître en France sous le titre “La tour par de-là les nuages” prochainement) donc si vous n’avez pas vu 5cm/s évitez de lire ce qui va suivre. Ah et oui il y’aura pas mal d’ego-blogging injecté dans ce billet, vous êtes prévenus, non pas que je tienne à parler de ma vie privée mais disons que mes diverses (in)expériences personnelles m’ont permis d’apprécier les différentes oeuvres d’une façon différente. Je n’apporterai surement rien de nouveau sur tout ça mais je tenais quand même à partager mon point de vue, surtout que mon blog est fait pour ça.

A vrai dire je ne sais pas trop par où commencer, Byousoku 5 cm est un anime tellement fort émotionnellement (même si Kumo no mukou reste mon préféré de Shinkai) que j’ai du mal à maintenir un niveau d’écriture décent ainsi que j’en perds mes capacités de raisonnement logique mais comme je ne suis pas là pour écrire objectivement, ce ne sera, heureusement, pas trop un problème. Histoire de faire une introduction correcte, passons d’abord en revue les trois parties qui composent cette oeuvre réalisée de la main du maitre Shinkai.

La première partie, Oukashou, est de loin celle qui m’a le plus touché emotionnellement car c’est sûrement celle qui me parle le plus ayant eu l’occasion de “subir” les aléas d’une relation à distance. La distance physique joue pas mal dans une relation, devoir passer beaucoup de temps dans les transports n’est pas ce qu’il y’a de plus plaisant.

Même si la distance entre Akari et Takaki n’était pas si grande que ça, cela représentait quand même pas mal d’heures de perdues sans compter l’argent qu’il faut dépenser à chaque fois. Pour les curieux, à l’heure actuelle, il faut environ deux heures pour aller de Goutokuji/豪徳寺 (la station où habite Takaki dans Oukashou et d’ailleurs je passais par cette station tous les jours durant mon séjour au Japon) jusqu’à Iwafune/岩舟 (la plus proche pour rejoindre Akari) et débourser dans les 4000~4500 yens (environ 35 euros avec le taux de change morose d’aujourd’hui) juste pour un aller, comme vous le constatez ce n’est pas vraiment trivial comme “voyage” surtout pour des adolescents encore au collège.

L’une des choses que pas mal ont tendance à oublier c’est que cette première partie se déroule dans le milieu des années 90 (1995 peut-être si je ne me trompe pas), ce qui explique pas mal l’absence de téléphone portable et le fait qu’ils entretiennent une correspondance épistolaire. A un moment donné on voit Takaki tracer et noter le parcours qu’il va devoir effectuer, j’ai trouvé ce petit détail particulièrement touchant, me rappelant moi-même il y’a presque une dizaine d’années quand internet n’était pas encore ancré dans ma vie et qu’il ne suffisait pas de 3 clics pour avoir son itinéraire tout fait pour ne pas me perdre dans les transports (oui bon j’étais pas très débrouillard non plus à 11 ans mais passons ~).

Empruntant régulièrement les transports en commun, dont surtout le train et j’ai droit à des problèmes beaucoup trop souvent, je partage la frustration de Takaki lorsqu’il se retrouve bloqué dans le train sans pouvoir rien faire, les minutes qui précédaient le bloquage du train servaient d’annonce à la réunion de nos deux jeunes “héros” et étaient suffisement intenses pour faire de cette annonce l’effet d’une bombe lachée le pauvre Takaki dont le monologue retranscrit parfaitement toute la souffrance qu’il peut ressentir à ce moment précis. Rien de plus énervant que de se sentir impuissant et ne pouvoir qu’attendre que les minutes s’écoulent lentement alors que quelqun nous attend sans pouvoir contacter cette personne est particulièrement l’une des choses les plus frustrantes que j’ai eu l’occasion d’affronter mais cette interminable épreuve de patience ne sera pas sans récompense : la scène de retrouvailles dégage une magie sans précédent.

Simple et efficace, cette scène de retrouvailles après cette longue année de séparation se révèlera être l’une des plus touchantes qu’il m’ait été donné de voir dans un anime ces dernières années. Tout comme Takaki qui arrive fatigué et affamé, le spectateur trouvera un réconfort auprès d’Akari et même si le voyage qu’il a effectué peut sembler trivial, il a été pour lui une véritable épreuve psychologique : entre le chemin à parcourir avec les divers changements à faire, le retard et surtout le fait d’avoir perdu la lettre qui contenait tous les sentiments qu’il avait accumulé en un an de séparation, ce n’est pas rien pour un jeune adolescent et tout ça n’avait pour but que de retrouver une personne pour qu’il affectionne par dessus tout.

Tout est loin d’être rose et même si ces retrouvailles forment un moment de réconfort, même si la distance qui les séparait vient d’être balayée, même si ce baiser a fait disparaître l’espace d’un instant toute leur souffrance; tout cela semble bien superficiel comparé à ce qui les attend et c’est justement quelque chose dont ils sont parfaitement conscients. Malheureusement pour eux, le bonheur de ce moment reste éphémère et la réalité se fait d’autant plus pesante si on y ajoute le monologue de Takaki : après tout ce temps passé loin l’un de lautre, après ce morne voyage en train, après ces retrouvailles émouvantes, après ce baiser fugitif, après cette nuit partagée dans une intimité absolue, les revoilà sur le quai à se dire au revoir tout en sachant qu’ils ne pourront pas rester ensembles. On se trouve donc face à deux adolescents, à un âge où tout semble possible et où on cherche à tout controler, qui doivent accepter le fait que leurs sentiments ne se concrétiseront jamais et peu importe leur intensité.

C’est donc sur une séparation que se finit cette première partie tout comme elle avait commencé et en dépit de toute cette amerturme, on se surprend à contempler la beauté simple de cette histoire de deux êtres qui se retrouvent séparés par la force des choses. La vraie force de ce premier segment est la simplicité avec laquelle il arrive à retransmettre les sentiments des personnages et ce de façon sobre sans artifices, on ressent de la pitié pour Takaki lorsque son train est bloqué dans la neige puis une certaine empathie pour nos deux protagonistes lorsqu’ils partagent cette fragile intimité dans leur étreinte pour finir sur une touche mélancolique. Oukashou place la barre très haut dès le départ et donne le ton d’entrée de jeu, si la magie n’a pas pris elle ne prendra pas après car les deux “épisodes” qui suivent s’inscrivent dans la même ligne directrice.

Cosmonaut nous raconte l’histoire, cette fois-ci, du point de vue d’un nouveau personnage qui se révèle être une des camarades de classe de Takaki après son déménagement : Kanae. Se déroulant 4 ans après Oukashou, on retrouve ici des technologies plus proches de nous avec notamment le téléphone portable de Takaki avec lequel il semble être resté en contact avec Akari. La distance n’est non plus physique mais psychologique, Kanae est proche de Takaki dans le seul où ils sont dans la même classe et discutent de temps en temps entre eux mais malheureusement pour elle, Takaki a encore l’esprit occupé par son amour de jeunesse (et premier qui plus est) et la distance qui les sépare semble être astronomique.

A force de volonté, Kanae arrivera peu à peu à se rapprocher de Takaki mais même si elle arrive à réduire la distance qui les sépare de façon étonnante, il restera toujours une crevasse qu’elle n’arrivera jamais à traverser peu importe tous les efforts qu’elle y mettra. Cette infranchissable distance est en fait la présence impérissable d’Akari dans l’esprit de Takaki, 4 ans se sont écoulés depuis leur séparation et pourtant il est encore impossible à Takaki de renoncer à son premier amour ce qui a pour effet de le rendre imperméable aux sentiments de Kanae pourrait exprimer à son égard. C’est d’autant plus déplorable pour cette dernière qu’on apprend que Takaki écrivait dans le vide, ayant rompu tout contact avec Akari, il s’est enfermé dans une spirale d’illusions où le souvenir qu’il a d’Akari se trouve être idéalisé et c’est cela même qui empêchera Kanae de pouvoir percer à travers le coeur de Takaki.

L’amertume se retrouve encore une fois dans l’impossibilité pour une personne d’accéder à son désir le plus intense mais cette fois-ci on n’a pas affaire à non pas deux êtres dont les sentiments sont réciproques mais bien à une romance à sens unique, on éprouve une certaine pitié pour Kanae qui se retrouve face à la dure réalité : l’homme qu’elle avait idéalisé se révèle être totalement hors d’atteinte car son regard est porté ailleurs et c’est par une douloureuse ironie qu’elle comprend que la raison pourquoi elle s’intéressait à lui c’était bien parce qu’il désirait qu’elle chose qu’elle ne pourra jamais lui donner, elle était attirée par lui car elle ne pourrait jamais l’avoir pour elle.

Tis better to have loved and lost
Than never to have loved at all

Nous voilà transportés en 2008 soit 9 ans après Cosmonaut pour entrer dans la phase finale qui porte le titre de ce film découpé en trois parties : Byousoku 5 cm. On retrouve ici Takaki de retour à Tokyo en tant que développeur en informatique, vivant dans un appartement et apparement seul sans aucune trace d’Akari. Cette dernière semble être allée de l’avant et a (re?)fait sa vie avec quelqun d’autre; néanmoins, elle n’a toujours pas oublié Takaki et nous le rappelle lorsqu’elle retrouve sur la lettre qu’elle voulait lui donner 13 ans auparavant mais depuis les choses ont évolué et les gens ont changé. Takaki quant à lui semble toujours être accroché à ce passé et même s’il semble avoir eu des relations avec d’autres filles, on sent qu’Akari occupe encore une place centrale dans son esprit et c’est malheureusement ce qui le bloquera et l’empêchera d’aller de l’avant.

L’une des grandes qualités de Byousoku 5 cm est la façon dont il présente les relations humaines, d’un côté on a Takaki le “héros” qui s’accroche désespérement à son premier amour tandis que celle-ci a su laisser son passé derrière elle pour s’occuper de son futur, un futur dans lequel elle semble avoir trouvé son bonheur. Là où Oukashou illustrait de façon touchante ce qui se passe lorsque deux personnes attachées l’une à l’autre se retrouvent (avec l’idée de distance physique qu’on retrouve dans Hoshi no Koe) et Cosmonaut quant à lui nous balançait à la figure la brutalité silencieuse d’une romance à sens unique (une distance psychologique et symbolique retrouvable dans Kumo no Mukou, Yakusoku no Basho); Byousoku 5 cm offre une amère introspection Takaki qui se livre à un vrai travail d’évolution et qui finit sur un semblant de détachement par rapport à ses rêves et ses désirs : la distance qui le sépare d’Akari est désormais impossible à rattraper et il en est parfaitement conscient et pourtant même s’il semble vouloir aller de l’avant, on ne peut que s’interroger sur sa capacité à se défaire de cet amour PASSIONné pour Akari. Il y’a une certaine “pureté” dans l’affection que porte Takaki à Akari, être séparé d’elle lui a fait idéalisé le souvenir qu’il en avait et même s’il est en partie responsable de cet éloignement on ne peut s’empêcher de ressentir de l’empathie pour son personnage tout comme pour Kanae qui a décidé de son propre chef de se distancer de Takaki, la résignation est surement le plus douloureux des choix qu’ils aient pu faire et pourtant ils ont quand même eu le courage de faire ce pas déterminant.

Même si la fin semble dure elle n’en est pas totalement négative pour autant, le rythme des 3 segments montre comment une relation que partagent deux êtres proches semble s’évanouir dans le néant avec la distance mais offre aussi des perspectives de futures qui ne sont pas toutes sombres pour peu qu’on sache accepter d’avancer dans la vie car elle est riche de rencontres et d’expériences qui peuvent être plus ou moins dures. Bien qu’Akari ait fait sa vie avec quelqun d’autre, on voit encore que les souvenirs de cette nuit d’hiver reste pour elle impérissable et font partie intégrante de sa personnalité. La vraie beauté de Byousoku 5 cm ne vient non pas d’une romance artificielle faite pour plaire à ceux en mal de romans à l’eau de rose mais bien d’une peinture réaliste de personnages qui sont profondément humains avec leurs qualités et leurs défauts et induit chez le spectateur une douce mélancolie.

Généralement je considère que la moitié de mon plaisir d’anime fan vient des discussions avec d’autres fans, partager ses impressions est une des expériences les plus riches de ce côté là; par contre j’essaye de prendre un peu de recul par rapport aux personnages, ne pas essayer de trop me projeter à travers eux pour ne pas altérer la vision que j’aurais d’eux en y ajoutant mon jugement personnel mais je dois avouer que pour Byousoku 5 cm je n’ai pas pu m’empêcher de me remémorer certaines parties de mon passé et de me sentir proche de Takaki. Du côté du plaisir, cette dernière oeuvre de Makoto Shinkai fait plus que combler mes attentes et j’y trouve un plaisir incessant à en discuter régulièrement tout en applaudissant la maturité et le réalisme du scénario pourtant simple comme bonjour ainsi qu’une réalisation magnifique avec des décors qui arrivent à dépasser la beauté de la réalité, rarement un anime aura su offrir des images aussi époustouflantes : là où certaines séries éblouissaient le spectateur par un photo-réalisme particulièrement réussi, Makoto Shinkai passe au stade supérieur et transcende la réalité avec une touche graphique qui embellit cette dernière comme jamais.

La musique n’est bien sûr pas en reste et brille par sa magnificence notamment pour la chanson One More Time, One More Chance qui à elle seule arrive à retransmettre toute l’émotion qui se dégage de Byousoku 5 cm et surtout du personnage de Takaki pour la version chantée par Masayoshi Yamazaki qui possède une voix parfaitement adaptée à la chanson et qui ne laissera personne indifférent à travers sa performance pleine d’émotions, on y ressent tous les sentiments de solitude et de mélancolie qui transparaissent à travers tout le subtil travail de mise en scène de Makoto Shinkai. One more time, one more chance (et ses variations comme le très magnifique Yuki no Eki) est un morceau d’une beauté telle qu’il en éclipserait presque le reste des musiques mais ce serait ignorer les autres très réussies pistes qui composent l’ost qui n’ont juste pas eu la chance d’avoir un tel niveau de qualité.

Comme je l’ai mentionné plus haut, il s’agit là d’un des rares anime où j’arrive à me projeter dans le personnage même et je me demande dans quelle mesure il faut avoir vécu certaines expériences dans sa vie pour pouvoir apprécier Byousoku 5 cm (pour plus de détails sur ce point, voir ma réponse à certains commentaires qui inclue un point que j’avais “oublié” d’écrire ici). L’une des séries que je trouve les plus proches est sans conteste Honey & Clover qui possède selon moi la même problématique, est-ce que quelqun qui n’a pas été exposé à ce genre d’expérience marquante qu’est une relation à distance peut comprendre tout le travail de Makoto Shinkai pour dépeindre de façon réaliste ce genre d’évènements, à tel point que certains soupçonnent même le maître d’orchestre d’y avoir injecté sa propre expérience personnelle car Byousoku 5 cm n’est pas le premier travail à aborder ce thème de la distance : Hoshi no Koe et Kumou no Mukou en faisaient déjà leur thème central.

L’un des problèmes avec ce genre d’implications de l’auteur c’est que Byousoku 5 cm perd de sa portée globale et même s’il touche beaucoup plus profondément des gens qui peuvent y trouver des éléments de comparaison avec leur propre vie, cela ferme automatiquement et de façon discriminative l’anime à une tranche de la population. L’un des “problèmes” de l’anime vient de sa structure narrative, qui soyons d’accord est très réussie mais peut parfois perdre son spectateur lambda qui n’est pas forcément habitué à regarder ce genre de production qui demande au spectateur une certaine attention. Comme je le sous-entendais plus haut, si une personne n’a pas eu de relation à distance elle aura du mal à s’identifier aux personnages d’Akari et de Takaki, or ce dernier est le moteur de Byousoku 5 cm : l’empathie est de mise pour pouvoir apprécier le chef d’oeuvre au maximum; bien plus que la sympathie car si on peut s’attacher aux personnages, on ne peut réellement ressentir toute l’émotion qui s’en dégage sans pouvoir au moins une fois se projeter à travers eux mais je me demande parfois si mon expérience personnelle ne fait pas trop pencher la balance dans un sens et brouille un peu ma capacité à raisonner de ce côté là.

Quoiqu’il en soit, même si je considère que Byousoku 5 cm se savoure mieux en ayant vécu certaines expériences cela reste suffisement accessible pour n’importe qui. Je pensais avoir atteint les limites des discussions possibles l’année dernière sur ce sujet et pourtant je me surprends régulièrement à en reparler avec diverses personnes et souvent sur des sujets totalement nouveaux. Bien que ce soit encore tout récent, je considère vraiment cette production comme un véritable chef d’oeuvre comme il n’en apparait que trop rarement, sa richesse permet d’alimenter maintes discussions pour mon plus grand plaisir et je reste toujours surpris par la force par laquelle Makoto Shinkai arrive à raconter une histoire de la façon la plus simple et la plus belle possible.

5cm/s, la vitesse à laquelle chacun poursuit sa vie et se distancie des autres.

En définitive Byousoku 5 cm fait partie de ces animes qui rejoignent mon panthéon d’oeuvres majeures et même si je préfère toujours Kumo no Mukou, Yakusoku no basho, j’éprouve toujours un plaisir absolu à le revoir.

Le malheur des femmes c’est qu’elles voudraient que les hommes changent or ceux ci ne changent jamais.

Le malheur des hommes c’est qu’ils souhaiteraient ne jamais voir changer les femmes or celle ci changent tout le temps

Note de la rédaction : j’ai vu le jour se lever lors de la rédaction de ce billet… OTL.

Comment je suis en retard sur mes billets…

Malheureusement je n’ai pas pu me procurer le DVD de Maikaze lors du 2ème jour de Comiket mais cela ne m’a nullement empêché de regarder cette petite production amateur. Beaucoup étaient, à juste titre, sceptiques vis-à-vis de cet anime qui fait encore maintenant l’objet de pas mal de controverses souvent justifiées. C’était donc avec un peu de recul que j’ai amorcé le visionnage de l’anime, bilan ?

Scénario :

Synopsis rapide : La boite de donations (éternellement vide) de Reimu a été volée et on apprend par la suite que beaucoup d’autres objets importants à certains personnages ont été aussi dérobés.

Que dire si ce n’est qu’il est dans la pure tradition des jeux Touhou, c’est-à-dire un départ totalement anecdotique, ce qui ne dépaysera pas le fan car il s’agit avant tout d’un anime fait par des fans pour des fans. Peu de développement à ce niveau là, ce premier épisode sert surtout d’introduction et il ne se passera pas grand chose durant les 20 minutes qui composent cet anime. L’univers de Gensokyo semble suivre ce qui a été défini comme étant canon pour le moment, l’univers est fidèlement transposé, pour les personnages j’y reviendrai plus tard.

Essayer d’écrire longuement sur ce sujet serait totalement vain, essayer de deviner pourquoi quelqun volerait une boite de donations éternellement vide n’est pas ce qu’il y’a de plus intéressant, donc passons rapidement à la suite.

Réalisation :

Honnête sans être exceptionnelle, il est toujours bon de rappeler qu’il s’agit là d’un doujin anime donc d’une production amateur ce qui implique forcément des moyens très modestes ce qui se ressent pas mal. Niveau décors/background il n’y a rien à redire, ils sont tout simplement très beaux, un soin vraiment particulier a été apporté à ce niveau là. C’est au niveau des personnages que le bât blesse, le chara-design des personnages est loin de ce qui se fait de mieux en la matière vu qu’ils sont plus proches de celui de ZUN que de celui de la plupart des cercles de doujins, dommage que ça ne se base pas plutôt sur les artworks de Tasofro -IaMP et SWR- qui sont beaucoup plus agréables à l’oeil; cependant il est loin d’être horrible, ça reste regardable même si certains plans de certains personnages restent quand même très sommaires pour ne pas dire laids sur certaines frames. L’animation quant à elle est beaucoup plus consistante, on garde une certaine fluidité tout au long des 20 minutes ce qui est assez agréable de ce côté là, on sent qu’un vrai travail a été effectué de ce côté et peut-être au dépends du chara-design qui reste quand même correct. Très peu de scènes d’actions, la seule qui existe est très courte, qui permettraient de juger réellement l’animation mais elles sont bien réalisées et n’oublions pas l’un des trailers qui laissent quand même optimiste pour la suite.

La réalisation est très loin d’être mauvaise en soi, certes il y’a pas mal d’inconsistances sur certains plans mais le niveau global reste très satisfaisant pour un travail d’amateur, ça aurait certes pu être beaucoup mieux mais il ne s’agit là que du premier épisode et il est quand même fort à parier qu’on aura au moins le même niveau de qualité pour les prochaines sorties. Rappelons que les premiers trailers datent d’il y’a un an et demi et qu’on peut s’attendre à voir d’autres releases dans le courant de l’année : le Reitaisai 6 (8 mars) et les deux Comikets (14 au 16 août pour le C76) sont les candidats les plus probables pour ça.

Musiques :

A vrai dire, elles ne m’ont pas spécialement marqué (bon en même temps il n’y en a pas beaucoup, on a souvent affaire à un vide musical), certes elles sont plaisantes mais loin d’être aussi marquantes que celles produites par ZUN mais dans la mesure où il n’y a pas vraiment d’action dans cet épisode l’absence de musiques ne gêne pas tant que ça, de plus des sons d’ambiance viennent agrémenter les différentes scènes qui renforcent le côté tranche de vie de cet anime.

Je parle de tranche de vie pour cet anime car c’est l’impression qui s’en dégage et c’est peut-être l’un des, si ce n’est le, meilleur choix de genre pour adapter Touhou en anime surtout dans le cas d’un studio amateur. Beaucoup de fans -dont j’en fais parti- auraient aimé avoir plus de scènes de combats, surtout après avoir vu les premiers trailers mais force est de reconnaître que représenter ce que pourrait être une vraie séquence de danmaku n’est pas une chose aisée sans compter le fait qu’il faudrait expliquer tout le concept et les règles qui régissent les batailles de danmaku dans Gensokyo ainsi que définir en quoi consistent les spellcards pour ceux qui ne sont pas réellement versé dans le Touhouverse.

Venons en au point qui m’intéressait particulièrement dans cet anime : les seiyuus. J’avais émis quelques réserves vis-à-vis de certains choix qui ont été fait et je dois dire que j’ai été assez agréablement surpris par moment des performances de certaines (pas besoin de rappeler que l’univers de Touhou est presque sexclusivement féminin). Passons donc en revue chacun des personnages :

• Marisa : Le ton de la voix est assez masculin ce qui colle pas trop mal avec le personnage, malgré le fait qu’elle semble un peu manquer d’entrain par rapport à la représentation habituelle de Marisa. Point bonus pour le ze~ très représentatif du personnage qui a été gardé. Je n’avais pas spécialement d’attentes vis-à-vis de Marisa et de sa seiyuu (Miyuki Sawashiro) mais le résultat me convient parfaitement
• Patchouli : Ne connaissant pas la seiyuu, je n’avais pas d’attente particulière pour Patchouli, le résultat est loin d’être mauvais mais il manquait un petit je-ne-sais-quoi pour rendre la performance vraiment mémorable. Cela dit le petit mukyu était très bien placé et il en aura fait craquer plus d’un tellement c’était mignon.
• Remilia : L’idée que j’avais de Remilia se retrouve pas mal dans la performance de Tsuji Ayumi avec ce petit côté ojou-sama très bien rendu qui donne à Remilia ce côté sale enfant gâtée qui correspond bien au personnage. Le résultat est très bon même si j’aurais préféré une Remilia un peu moins “jeune” dans sa voix mais bon là c’est juste moi qui fait mon difficile.
• Aya : Quelque chose me chiffone un peu avec Aya, le côté reporter qui fourre son nez partout est bien rendu mais elle fait définitivement trop jeune à mes yeux/oreilles par rapport à l’image que je me faisais d’elle. Certes le style genki girl convient très bien à Aya mais je trouve que l’intonation choisie crée un décalage avec son personnage : un soupçon de maturité supplémentaire n’aurait pas été de refus dans le style jeune fille en fin de lycée/début de la vingtaine; or dans le cas présent, j’ai l’impression d’entendre une fangirl qui entre seulement dans sa phase lycéenne (là je suis vraiment un gros chieur). Quoiqu’il en soit, j’aime bien la façon dont a été représenté le personnage même si l’idée que je me faisais de la fille adoptive de ZUN diffère un peu.
• Suika : S’il y’a un personnage que je trouve particulièrement réussi c’est bien Suika, la petite Oni assez… décalée. Sa façon d’être dans IaMP et SWR (qui se traduit par son style de combat assez … particulier) font vraiment penser à une jeune fille en perpétuel état d’ébrieté majeur or on retrouve cette idée de grosse alcoolique dans la performance de miss Toyosaki Aki. Même si son temps d’écran reste limité, j’ai beaucoup apprécié ces petits passages où elle apparait au début qui apportent un peu de bonne humeur pour se mettre dans le bain et m’a laissé optimiste quand au reste de la production.
• Maria Sakuya : La ressemblance avec Maria de Hayate no Gotoku est vraiment frappante, surement un choix de la part de l’équipe ou de Tanaka Rie mais je n’arrive pas à me défaire de cette image de Maria à chaque fois que j’entends Sakuya parler. Encore une fois je trouve cette version de Sakuya un peu trop timorée par rapport à l’image que j’ai d’elle venant des jeux et aussi un peu influencée par le fandom il faut bien l’avouer mais bon on n’en est encore qu’au tout début et qu’on pourrait éventuellement voir Sakuya passer en mode SERIOUS BUSINESS et entendre un timbre de voix résolument différent. Jugement en suspens donc (mais sérieusement j’ai l’image de Maria qui arrête pas de revenir quand je l’entends parler)…
• Reimu : Celle qui s’en sort le mieux du lot à mon goût, je suis un grand fan de Mai Nakahara et je ne le cache pas mais j’avoue quand même m’être montré assez sceptique quant à la possibilité de Mai Nahakara à donner ses lettres de noblesse à Reimu qui est l’un des personnages pour lequel il est extrêmement difficile de trouver une voix convenable; entre son naturel très marqué par son oisiveté et son côté sérieux qui ressort durant les combats, il est difficile de donner une voix à Reimu qui soit vraiment convaincante et pourtant sa voix dans l’anime a dépassé toutes mes espérances. On retrouve là tous les aspects de sa personnalité avec en prime un sentiment d’exaspération qui se dégage du personnage et qui convient tout à fait. En clair : réussite sur toute la  ligne.

On notera dans les derniers instants de l’anime une petite blague en guise d’annonce pour la suite : “Yukari a 17 ans” ce qui laisse présager sa présence par la suite et donne quelques indices sur les seiyuus éventuelles, à savoir Kikuko Inoue, Yukari Tamura, Sakura Nogawa, Rina Satou et Hocchan même si Kikuko Inoue semble être le choix le plus vraisemblable étant donné qu’elle s’occupe déjà de la narration.

Il va sans dire que j’attends assez impatiemment la suite tout en espérant qu’elle saura me satisfaire tout autant que ce premier épisode histoire que mon coeur de fanboy soit comblé. Reconnaissons-le, il s’agit là d’un travail amateur qui a été fait par des gros fans et surtout pour d’autres gros fans et pas mal d’in-jokes propre au Touhouverse peuvent passer sous le nez du spectateur lambda qui ne connait pas trop le sujet et encore moins le fanon.

Mes attentes vis-à-vis de cet anime n’étaient pas, il faut bien l’avouer, très hautes et ce fût une agréable surprise sur certains points même si ça reste objectivement assez moyen… mais vous savez ce que je pense de l’objectivité en tant que bloggueur.

J’en retire un avis positif car cela montre à quel point un fandom peut se révéler actif et surtout passionné, avoir des productions de cette qualité ne peut que rendre optimiste vis-à-vis de l’avenir de Touhou car tant qu’il y’aura des gens pour s’impliquer dans ce genre de projets qui demande à la fois beaucoup de temps et aussi de l’argent, chose que des amateurs n’ont pas forcément à disposition de façon suffisante pour faire perdurer ce genre d’initiatives. Au final on se dit que le mouvement Touhou n’est pas encore prêt de s’effacer et que tout ce micro-univers a encore de beaux jours devant lui pour mon plus grand bonheur.

Quelques points noirs viennent quand même obscurcir le tableau même si on peut faire facilement impasse dessus pour mieux apprécier la série mais dans tous les cas il y’a certaines choses que je ne peux pas laisser passer :

Lors de la scène de combat dans la bibliothèque où Reimu exécute un mouvement qui correspond à un jB dans IaMP (ou un j.6A dans SWR), le problème c’est que ce mouvement n’a aucune frame qui permet à Raymoo de graze et par conséquent de passer ce mur défini comme magique… Comment ça je sors ?

Un billet de retrospective s’imposait pour accompagner ce premier podcast (du moins premier officiel, et pour les commentaires concernant le podcast c’est là-bas) qui est presque bien. Je pensais le poster beaucoup plus tôt mais il a pas mal été retardé car je voulais attendre qu’un certain fumiste poste le sien dans un premier temps, ce qu’il a enfin fait, vive le harcèlement via irc; par contre là où j’ai foiré mon coup c’est que j’ai raté le coche du nouvel an chinois qui m’aurait permis de mieux justifier mon jeu de mot précédent (année du boeuf… non je n’ai pas honte de mes jeux de mots) et que je n’ai aucune excuse valable si ce n’est une certaine flemme à passer le billet en post-production -browser le net pour trouver des images à insérer histoire d’égayer un peu le texte et y apporter quelques retouches, mine de rien c’est la partie qui prend le plus de temps niveau publication de billets : 98% de temps passé dessus pour 2% de texte-.

Beaucoup de gens avec qui j’ai pu discuter ont trouvé que 2008 était assez pauvre comparée aux deux années précédentes, notamment par l’absence de gros phenomemes comme Haruhi en 2006 ou Gurren Lagann en 2007 (et encore j’ai préféré Baccano! cette année là). De plus j’ai pu assister et participer dans une moindre mesure à divers débats portant sur “les animes modernes sont nazes comparés à ceux d’antan” mais je reviendrai plus tard sur ce sujet, du moins dans la seconde partie de ce billet découpé pour épargner au spectateur un trop gros pavé et aussi mieux séparer les éventuelles discussions qui pourraient être engendrées. Certains pourront remarquer quelques ajouts plus ou moins funky dans mes plugins wordpress qui permettent de répondre directement à un commentaire plutôt que d’avoir un un fil de commentaires linéaires, faut croire que je devrais passer plus de temps à écrire sur ce blog plutôt que d’y rajouter des fonctionnalités…

Pour commencer, je vous présente une nouvelle catégorie : les Nyowards qui récompenseront (terme tout relatif) certaines séries pour une (bonne) raison ou une autre (mauvaise). Alors sans plus attendre…

Notez que ce qui suit ne contient que ce que j’ai pu visionner cette année et seront donc absents celles que j’ai abandonné très vite. A savoir également qu’il ne s’agit pas forcément de désigner “le/la meilleur(e)…” mais plutôt d’un petit exercice pour mon propre plaisir de blogger et veuillez excusez d’avance toutes les tentatives d’humour qui aggrémenteront les quelques lignes pour justifier un peu chaque catégorie (j’évite de justesse les one-lignes/monolignes).

Ah oui j’oubliais c’est spoiler-safe.

Prix Freddie Mercury : Krauser Johannes II de Detroit Moetal City

(autres INnominéS : … Lelouch Lamperouge, KoGARashi alias Maid Guy, Golgo13 et John Travolta)

Detroit Metal City ou DMC pour les intimes a été une des séries les plus marquantes de cette année en ce qui me concerne. Utilisant un univers très peu représenté dans le monde de la japanime, à savoir le métal, la série nous offre une excellente comédie servie avec un humour à la fois trash mais qui ne tombe jamais dans l’excès ainsi qu’une délicieuse parodie de l’univers du métal. Ne se prenant jamais au sérieux, DMC accumule et enchaine les blagues à un rythme effréné (10/sec !), l’humour fait mouche et les differents personnages sont tous bien pensés avec bien sur le combo mortel Negishi/Krauser II qui eclipserait presque le reste du casting tellement il est excellent et donne des situations totalement hilarantes. Detroit Metal City est une valeur sûre de cette année en terme de comédies et bien que l’anime ne jouisse pas d’une réalisation de haut niveau, ça reste très agréable à regarde surtout que chaque épisode ne fait qu’une douzaine de minutes à l’image de l’excellent Cromartie High School qui est à l’origine de cette récompense.

En bref : un must à voir absolument si ce n’est pas déjà fait.

Toute l’équipe des Nyoawards tient à remercier les parents du Krauser sans qui il n’en serait pas là aujourd’hui. Go to the DMC !

Prix Duke Nukem Forever : La Disparition de Haruhi Suzumiya

(autres nom nominé : Full Metal Panic)

Je sais c’est facile de frapper des gens à terre, surtout que j’en fait partie, mais c’était beaucoup trop tentant. A vrai dire j’ai arreté de l’attendre et je me dis qu’elle sortira quand elle sortira et que ça ne servait plus à rien de s’exciter à la moindre annonce. Même si je ne l’attends plus vraiment je me jetterai immediatement dessus quand elle sera diffusée donc affaire à suivre éventuellement…

Prix Zeon Nemesis Evangelion : Kaiba

(les autres qui auraient pu prétendre à ce titre : Code Geass R2)

Soyons clair dès le début : j’ai beaucoup aimé Kaiba qui est à mon sens un très bon anime qui pose certaines questions parfois existentielles pas totalement inintéressantes. Cependant malgré toutes ces qualités une partie de ceux qui l’ont regardé l’ont élevé au rang d’oeuvre culte, ce qui n’est pas un mal en soi mais malheureusement, il est aussi devenu le fer de lance de tout un pan du fandom international qui se veut intellectuellement élitiste et bien sûr supérieur. D’un côte c’est assez justifié étant donné qu’il possède un degré de profondeur que beaucoup d’anime n’ont pas (et n’en n’ont pas besoin non plus) mais il ne faut pas non plus tomber dans l’excès et faire de Kaiba de l’anime intellectuel de ces dernières années. Je ne dis pas de ne pas regarder Kaiba, au contraire même je conseille vivement à ceux qui cherchent une série qui se démarque résolument des autres et pour qui le côte existentialiste présent par moment ne dérange pas mais par contre n’allez pas croire que vous pourrez devenir des maîtres de la philosophie an regardant cette série à l’image des fans d’Evangelion qui se prennent maintenant pour des spécialistes ès théologie.

En somme Kaiba est un anime de très bonne qualité qui aurait peut-être mérité plus d’attention mais qui d’un autre côté a été desservi par une partie de la communauté qui se veut résolument -et à tort- élitiste (du moins de la mauvaise façon). Le vrai point fort de la série pour moi aura été le côté science-fiction bien utilisé qui aura su combler mon petit coeur d’apprenti geek, j’y ai trouvé que l’univers et le scénario de Kaiba ont  été intelligement pensés dans leur ensemble et que le travail de Madhouse a été remarquable.

D’ailleurs on retrouvera un peu l’essence de Kaiba dans le très bon Casshern Sins qui a été réalisé par le même très bon studio, j’ai nommé Madhouse.

Prix iDolm@ster : Macross Frontier

(les autres iDominés : Spice & Wolf, Aria the Origination, Shion no Ou, Kara no Kyoukai, Mahou Tsukai ni Taisetsu na Koto ~Natsu no Sora~, Natsume Yuujinchou)

Sans trop de surprises ce sera l’ost de Macross Frontier qui retiendra mon attention cette année même s’il y’a eu de très bonnes OST de séries et particulièrement celles citées entre parenthèses. Une fois n’est pas coutume Yoko Kanno nous montre ses talents dans un genre auquel elle ne nous avait pas encore habitué jusque là : à savoir la jpop. Ses précédents travaux sur Macross étaient déjà de très haut niveau, qui se souvient de l’excellent Information High ou le divin Voices ainsi que l’ensemble de l’ost de Macross Zero ? La première chanson connue fût le très rythmé don’t be late interpreté par May’n lors du premier épisode diffusé fin décembre 2007 où on pouvait aussi entendre en guise de générique la chanson du film Macross : Te souviens-tu de l’amour, interpreté cette fois-ci par Megumi Nakajima une seyuu débutante qui fera le personnage de Ranka. Même si le premier opening Triangler, par Maaya Sakamoto que j’adore, ne m’avait pas totalement convaincu, la suite quant à elle saura dissiper tous mes doutes à ce sujet, l’ending Northern Cross permet à May’n de nous offrir une très belle performance qui permet à Sheryl de sortir un peu de son registre et de montrer un coté beaucoup plus porté sur l’émotion. Pour Ranka, Megumi Nakajima se révèle être une très bonne chanteuse et nous offre de surprenantes performances que ce soit le très marquant Seikan Hikou qui donnera naissance au fameux même kira kira ainsi que l’incontournable Aimo, la chanson phare de la série. De plus certains duos de nos deux chanteuses sont tout simplement délicieux.

Musicalement parlant, Macross Frontier tient toutes ses promesses et nous offre des cds de musiques parmi les plus plaisants de cette année 2008 ainsi qu’une des revelations de l’année en terme de seiyuu/idol avec l’adorable Megumi Nakajima qui a retenu sa voix de Ranka pour une de ses dernières chansons : Be Myself.

Pour ceux que ça intéresse, elle a mis ses fans au défi de reproduire la chorégraphie de ce clip.

Dommage que le reste de l’anime ne soit pas du même niveau, pourtant la série démarrait très fort avec son premier épisode à la réalisation digne d’un OAV. Néanmoins, malgré tous ses défauts Macross F(anservice) reste une valeur sûre de cette année et fait énormements de clins d’oeil aux précédentes séries de la franchise pour le plus grand bonheur des fans et l’exemple le plus frappant reste le dernier épisode qui est une catastrophe scénaristiquement parlant mais est un plaisir absolu pour n’importe quel fan de Macross (fanservice musical et Macross Porn quand tu nous tiens, par contre ça reste encore loin de Plus) et de grosses batailles spatiales.

Prix Les 3 Boing-yaumes : Koihime Musou

(autres boing-hime : Nogizaka Haruka, Ikkitousen Great Guardians, Sekirei)

J’assume sans aucun complexe le fait de regarder ce genre de séries sans aucune prétention intellectuelle et juste pour leur valeur rajoutée (à lire yuri). Ce trouzmillième massacre de l’histoire des 3 royaumes ne fait pas office d’exception, cela se regarde comme un plaisir parfaitement coupable, on connaît déjà la chanson et pourtant ça continue de faire recette. Pas grand chose à dire si ce n’est qu’il s’agit d’une série qui se laisse regarder pour peu qu’on aime le yuri et que l’on sache mettre son cerveau sur off.

Ah oui et gros bonus pour la séquence animée de l’ending tout simplement a-d-o-r-a-b-l-e.

Prix XXX-holic : Kanokon

(autre nympho-minées : To-Love RU, Kiss X Sis)

Dans la continuation des séries qui se regardent avec le cerveau éteint (du moins celui situé plus haut pour nous les hommes) on retrouve les habituelles séries à caractère très coquin. Kanokon est une adaptation en anime d’un light novel (terme japonais parfois raccourci en ranobe), je suis assez impatient de les lire -sortie US prévue dans le courant de l’année- pour voir le niveau d’indécence de l’oeuvre originale car il faut bien l’avouer : Kanokon va parfois très loin dans le fanservice sexuel avec des scènes plus qu’osée. Comme il fallait s’y attendre, ça ne vole pas bien haut et pour ceux que ces débordements sexuels n’intéressent pas, il ne reste pas grand chose à sauver de la série si ce n’est peut-être la récompense suivante…

Prix Ayako Kawasumi a une voix douce, noble et distinguée : Chizuru de Kanokon

Je vais me faire détester pour ça…

Quel choc ça a du être pour tous ses fans qui gardaient d’elle l’image d’une seiyuu “pure”, Kanokon aura fait voler cette image en éclat. Cependant sachez que vous n’êtes pas seuls dans ce cas, les fans de Mamiko Noto ont aussi été violemment traumatisés par la série à cause du choix -douteux- de mettre la voix si douce et délicate de Mami-chan au service d’un shota qui passe son temps à se faire harceler sexuellement. Oui Kanokon aura fait du bruit et n’a certainement pas eu le genre de publicité très prestigieux mais bon on ce n’est que juste rétribution par rapport à la direction qu’a pris la série.

Et non je n’ai pas vu et je n’ai pas l’envie de (re)voir la série en DVD avec la censure qui saute, une fois était déjà trop…

Prix Blood+ : Allison to Lillia

(autres avis négatifs : Vampire Knight, Toshokan Senso, S.A ~Special A~, Minami-ke Okawari, Kannagi)

Blood+ était une série qui m’avait beaucoup marqué lors de sa diffusion avec ses premiers épisodes très accrocheurs et une héroine qui m’a fait craquer (Sayaaaaaa<3, je suis un gros fanboy) mais malheureusement la série s’étale sur un grand nombre d’épisodes et le rythme s’est écroulé en milieu de chemin et a rendu le visionnage des derniers épisodes particulièrement atroce dans l’ennui qu’ils généraient, à vrai dire la série aurait largement gagné à être condensée en 26 épisodes car les grosses phases émotives de l’héroine Saya bien 5 minutes mais à force c’est franchement barbant… Dommage pour un anime dont le potentiel a été salement gâché, surtout que les trois premiers openings étaient vraiment réussis et notamment l’excellent Colors of the Heart qui a tourné un nombre incalculable de fois dans ma playlist, comme quoi Uverworld est capable de sortir de très bonnes pistes qui sortent un peu des sentiers battus.

Allison to Lillia pour en revenir à 2008, était une série qui m’intéressaient déjà rien que par son trailer; j’avoue avoir une attirance toute particulière pour ce qui touche à l’aviation militaire du début du XXème siècle et l’univers “d’entre deux” dans lequel se déroule la série m’a véritablement conquis dès le début et c’était avec une impatience non dissimulée que j’ai attendu les premiers épisodes le temps qu’une team se décide de se rappeler qu’il avait déjà plein de monde sur Geass et Kanokon et que certaines séries étaient injustement oubliées…

Les dits premiers épisodes m’avaient laissé plus qu’optimiste quant à l’avenir de la série, qui avait à mes yeux tout pour réussir : le studio Madhouse en qui je fais largement confiance pour produire des séries de qualité, un décor pre-seconde guerre mondiale, des avions (vous ai-je déjà dit à quel point j’adore les avions de chasse et ce peu importe l’époque ?), une inspiration tirée de light novels écrits par le même auteur que ceux de Kino no Tabi, un opening magnifique, Nana Mizuki, une réalisation agréable saupoudrée d’un scénario qui invite à l’Aventure avec un grand A façon Ghibli/Miyazaki ainsi qu’une impression de pseudo-nostalgie simulée de façon réussie; en bref pas mal d’éléments pour obtenir une série agréable mais malheureusement tous les évènements se précipitent à grande vitesse et le rythme est assez mal pensé sans oublier quelques points de scénarios qui m’auront quand même fait tiquer à plusieurs reprises qui vient directement du scénario de base des ranobe (light novel) d’origine. Paradoxalement c’était cette naïveté du scénario qui m’a à la fois charmé mais aussi rebuté à plusieurs reprises, même si je dois reconnaître que mes attentes vis-à-vis de la série étaient terriblement élevés alors que je ne savais pas trop à quoi m’attendre il faut quand même dire que le scénario est loin d’être consistant et souffre de pas mal de défauts d’écritures et à ce propos certains essayent de rapprocher Allison to Lillia d’un conte de fées de chez Disney et j’avoue approuver cette idée à moitié.

Au final on pourrait croire que je déteste cette série mais ce ne serait qu’à moitié vrai, pour tout dire mon avis est assez ambigu par rapport à Allison to Lillia : d’un côté les failles du scénario ont beaucoup de mal à passer et rendent l’expérience assez frustrante mais de l’autre le charme qui se dégage de l’anime ne me laisse pas non plus indifférent et font quand même mieux passer la pilulle. Est-ce que je conseillerais la série ? Dans l’absolu ma réponse serait “oui mais …” en donnant quelques avertissements quand même : Allison to Lillia est une série agréable mais il faut accepter la naïveté de la série, un peu comme toutes ces productions d’antan (à lire : de mon enfance/i.e : il y’a une bonne douzaine d’années) car il se dégage de cette série un petit côté “faux-ldies” qui lui donne tout son charme.

Prix spécial de l’Homoérotisme Freudien : Tea-Tanya

(à creuser : Junjou Romantica, Antique Bakery & Yotsuba selon mt-i)

Oui cela se prononce thaï-ta-nya mais combien d’entre vous le prononce ti-tanya ? Bon mauvais jeu de mot mis à part, Tytania est le gagnant naturel de ce prix, fils spirituel de la série Les Héros de la Galaxie dont les romans d’origine ont été écrits par la même personne, la série s’inscrit dans la lignée du space opera et offre une scène très… freudienne dans sa représentation de la sortie de l’hyperespace d’un vaisseau de guerre suivi d’une légendaire scène où servir le thé devient presque un art à part entière.

Blagues mises à part, la série en elle-même reste assez plaisante à visionner pour les amateurs du genre malgré un chara-design assez laid et pas très inspiré il faut l’avouer. Beaucoup chercheront à la comparer à son prédécesseur mais il est clairement visible que ces deux séries n’ont clairement pas la même envergure ni la même ambition, Tytania reste plus modeste que son aîné avec un coté politique plus prononcé et par conséquent moins de batailles spatiales (PEW PEW). Comme je suis encore en milieu de série mon avis est susceptible de changer mais pour l’instant je trouve qu’elle reste assez décevante en dépit de pas mal de qualités mais le fait que je n’ai fini le visionnage des héros de la galaxie que très recemment doit pas mal jouer.

Y’a pas à dire, je tends vraiment le bâton pour me faire battre…

Prix de la Praline d’or : Natsume Yuujinchou

(autre délicieuse gourmandise : Itazura na Kiss)

Natsume Yuujinchou était une série qui est passée mystérieusement à travers mon radar sans que j’y prête attention, heureusement qu’une certaine personne m’en a suffisement parlé pour que je daigne m’y intéresser un tant soit peu (je lui fais relativement confiance en matière d’animes, nos goûts se recoupant pas mal) et je dois dire qu’au final je n’ai pas du tout été déçu. Natsume Yuujinchou fait partie de ce genre d’anime qui met en scène un héros qui peut voir différents esprits et autres créatures surnaturelles, à priori rien de nouveau à l’est d’Eden et pourtant la série se révèle être extrêmement agréable à suivre grâce à son scénario prenant par son aspect tranche de vie épicée par de l’action à un ryhtme qui ne nuit en rien à l’histoire ni au plaisir de la découverte de ce petit monde très singulier à travers les différentes “aventures” de Natsume et le tout servie par des musiques qui contribuent à apporter à l’atmosphère de la série ce côté apaisant et enchanteur.

Beaucoup l’ont comparé à Mushishi, ce qui en soi est un signe de qualité, ce qui n’est pas totalement déplacé étant donné qu’on y retrouve ce découpage du scénario effectué de façon très épisodique ainsi que cette thématique commune au deux séries. Si vous avez aimé Mushishi n’hésitez pas à donner sa chance à Natsume Yuujinchou qui est tout aussi réussi en manga et trouvable en France sous le titre “Le pacte des youkai” chez Akata/Delcourt.

Prix du meilleur pari stupide : moi-même et Junjou Romantica (merci FFenril)

Parce que je suis facile à provoquer avec des paris stupides j’ai Junjou Romantica à voir (et les deux saisons en plus), pour l’instant j’en suis au 3/4 de la première saison et à chaque fois il me faut une certaine dose de motivation pour pouvoir survivre à un épisode entier…

Mais comme la série est loin d’être mauvaise et qu’il y’a matière à écrire dessus (autre que pour le “BALLS ARE TOUCHING”), il faudra que j’y consacre quelques lignes un de ces jours… quand j’aurai déjà fini le visionnage et ce n’est pas pour demain…

Prix John Travolta : Discotheque par Nana Mizuki, opening de Rosario+Vampire Capu2

(autres nominés : Satsugai -DMC OP-, Shut up and Explode -Xam’d OP-, Kin no Nami Sen no Nami -Aria the Origination ED-, Tabi no Tochuu -Spice & Wolf OP-, Tameiki no Hashi -Allison to Lillia OP-, Hatena de Wasshoi -Hidamari Sketch x365 OP-, motto ☆ hade ni ne -Kannagi OP-, Toki wo Kizamu Uta -Clannad ~After Story~ OP-, Paradise Lost -Ga-rei Zero OP-, Glass Highway -Golgo 13 OP-, Ano Sora wo Yuke -Tytania OP-, Ame ga Furu -Kurogane no Linebarrels OP-, etc etc etc… il y’en a TROP)

Je l’avoue je suis un gros fanboy de Nana Mizuki et Discotheque est sûrement l’un de mes openings préférés des séries de cet automne. Le style résolument disco m’aura séduit, après il faut reconnaitre que la chanson reste assez kitsch et surtout le clip PV. Le choix a été décidé juste par fanboyism envers Nana Mizuki dont j’ai acheté le blu-ray de son concert LIVE FIGHTER (qui est divinement bon) et cela s’est joué à pas grand chose avec le Ame ga Furu de Maaya Sakamoto pour qui je voue aussi un culte fanboy-esque mais désolé Maaya, les dernières releases de Nana ont fait penché la balance en sa faveur.

Quant à la série en elle même, elle reste d’une qualité aussi douteuse que la première saison qui ne volait déjà pas très haut. Même moi qui suis amateur de ce genre de séries totalement nazes j’ai trouvé que CAPU2 était une horreur sans nom qui rejoint le panthéon des pires abominations made in GONZO à coté d’horreurs comme Dragonauts (qui avait quand même un casting de seiyuus relativement sympa) ou Blassreiter. A oublier donc sauf pour l’opening et l’ending Trinity Cross qui est très bon à mes yeux/oreilles.

Prix Gonzo.O : Kurogane no Linebarrels

Habituellement, les séries de chez Gonzo commencent avec des premiers épisodes assez agréable à regarder jusqu’à ce qu’on atteigne l’épisode 4-5 qui signale qu’il n’y a plus de budget pour le reste et que la série va immanquablement se casser la figure. Kurogane no Linebarrels commençait déjà de façon assez ratée il faut bien l’avouer : un chara-design très laid, de la 3D bien moche propre au studio, un opening par Ali Project qui tue les oreilles et un début de scénario assez douteux (sérieusement la fille qui retrouve la mémoire après que le héros cogne dans un mur ?…).

En dépit de tout ça, je me suis surpris dernièrement à trouver la série relativement sympathique et qu’elle se bonnifie avec le temps, surtout une fois dépassé l’épisode 10 où j’y ai trouvé une parodie totalement hilarante de Simon de Gurren Lagann de la part du héros et surtout de son seiyuu (bon ça n’engage que moi ça, mais j’ai rarement autant ri en une fois). Mentionnons quand même le fait qu’il s’agit à la base d’un de mes petits plaisirs totalement coupables que je m’offre des fois, le fait qu’on m’ait spoilé une infime partie de l’episode 5 a eu raison de moi (indice : Kana Ueda) et sans ce mini-spoil j’aurais sans doute lâché la série après les trois premiers épisodes.

Est-ce que je conseille de regarder cette série ? Pas vraiment, la question est un peu difficile en fait, comme je l’ai dit j’ai regardé la suite alors que je pensais lâcher la série juste par pur fanboyism envers Kana Ueda (même si je n’ai pas acheté Halo 3) et il en résulte que j’ai fini par trouver les derniers épisodes divertissants en dépit d’un nombre incalculables de défauts (le premier étant qu’il s’agit d’une série de méchas). Même si je considère les derniers épisodes diffusés comme étant relativement bons, la première dizaine est quand même dure à tenir et c’est pourquoi que je ne conseille pas la série sauf à quelques courageux en les mettant bien en garde qu’ils risquent de vouloir arrêter le visionnage très rapidement.

Prix SNCF : Code Geass Ligne 2

(autre déraillage : mon métro qui a été annoncé comme ayant deux minutes de retard à Omotesando, totalement inconcevable et scandaleux !)

Je pourrais parler longuement sur Code Geass mais… en fait non.

On en parlera une autre fois…

Prix Madhouse : Kurozuka

(autres grandes folies : Kaiba, Casshern Sins)

Si Casshern Sins m’avait marqué au début de l’automne, ce sera Kurozuka qui en sortira favori après une douzaine d’épisodes qui m’ont laissé sans voix. Encore une fois Madhouse montre tout son savoir faire et nous livre une excellente série d’une beauté à couper le souffle. Certes la série souffre de nombreux défauts mais les comble sans trop de soucis avec un visuel ravageur surtout à travers les combats divinement chorégraphiés qui ne laisseront pas le spectateur indifférent.

“Beau, violent et intense”, voilà comment je résumerais en trois mots cette série qui m’a beaucoup surpris et même si objectivement (au diable l’objectivité, je suis un jeune con aigri mais pas encore assez prétentieux pour ça) elle reste inférieure à pas mal d’autres productions de cette année et du même studio, ce sera celle qui aura eu mon coup de coeur cette année.

Prix Pale Cocoon : Eve no Jikan

Vous pouvez écouter mon semi-échec pour tenter de promouvoir la série dans notre Skouetch podcast mais sinon il s’agit clairement d’un de mes gros coups de coeur de cette année.

Prix Iyashikey : Clannad  ~After Story~

Je triche un peu vu que l’After Story est toujours en diffusion mais c’est une récompense globale qui s’applique aux deux saisons mais qui est surtout destinée au visual novel d’origine qui m’a complètement marqué et il faudrait que je bouge un peu mes fesses pour finir ce billet sur Clannad qui traine déjà depuis bien trop longtemps…

Prix Tranche d’iyashikomedi : Hidamari Sketch x365

(autre plaisir durable : Chi’s Sweet Home)

Dans la non-continuité de la première saison, Hidamari Sketch x365 continue de servir quelques petits moments de bonheur pendant une vingtaine de minutes. Bénéficiant d’un travail remarquable de SHAFT avec l’indétrônable Shinbo aux commandes, HidaSketch365 est une excellente adaptation du 4-koma d’Ume-sensei qui aura su offrir une très bienvenue brise de frâicheur l’été dernier qui était particulièrement chaud, notamment dû aux flame wars engendrées par Code Geass et ses partisans/détracteurs qui refroidissaient leurs ardeures à coup de bidons d’essence.

A ce propos, ça fait plaisir de voir des compatriotes écrire sur cette série qui aurait mérité bien plus d’attention dans nos contrées, je vous laisse découvrir si ce n’est pas déjà fait une petite esquisse sur la série joliement écrite, et en plus ça m’épargne le travail d’écrire dessus (du moins dans ce billet… j’ai vraiment trop de retard…).

Anime de l’année 2008 : Aria the Origination

(autres grands favoris : Eve no Jikan, Hidamari Sketch x365)

Sans surprise mon choix a déjà été effectué en début d’année avec la conclusion d’une de mes séries préférées de tous les temps, c’est à dire : Aria. Je ne m’étalerai pas trop car je l’ai déjà fait et que j’ai encore des trucs à écrire dessus mais dans un tout autre contexte.

Bon bin je crois que j’ai fait le tour…

Voilà comme diraient certains : That’s all folks!, je clos ce billet et en espérant reposter des billets assez vite parce que c’est pas comme si celui-ci faisait référence à d’autres encore en cours d’écriture/d’édition et qu’il y’a aussi une autre moitié à publier assez vite parce que 2009 a déjà commencé et que le nouvel an chinois ça remonte déjà à la semaine dernière…

Même si j’ai couvert une bonne partie des séries de 2008 que j’ai regardé, il reste encore une bonne partie que je n’ai pas vraiment abordé, non pas parce qu’elles n’ont pas d’interêt mais plutôt parce que je n’ai rien de particulier à dire dessus ou que je n’ai pas trouvé de prix stupide à leur décerner (pas la peine de s’inquiéter de l’absence de Kara no Kyoukai ou Xam’d par exemple, j’ai pu voir et j’ai pu vraiment les apprécier). N’oubliez pas qu’il ne s’agit là que d’un petit exercice personnel et que le vrai contenu du bilan de 2008 est dans un autre billet.

A suivre…

Omake : Juste pour me décrédibiliser encore un peu plus voilà une photo prise entre deux cours un mercredi (ou un jeudi je ne sais plus) aux alentours de 13h30.

P.S : en me relisant j’ai vraiment honte de mes jeux de mots… orz