Hourai NEETwork » Meta http://blog.eientei.net 「100% fagtastic, 100% fagbulous - 1000% Esprit Dôjin」 Mon, 26 Dec 2011 05:16:43 +0000 en hourly 1 http://wordpress.org/?v=3.3 [Noël 2011] Pierre;Porte β version http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-pierreporte/ http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-pierreporte/#comments Sun, 25 Dec 2011 02:49:06 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=1072 Cet article s’inscrit dans la lignée des billets écrits pour un petit projet que j’avais lancé pour ce Noël 2011. Pour plus de détails, voir le billet récapitulatif du projet.

Pour me soumettre au choix de mes confrères, je dois donc écrire sur Steins;Gate, l’adaptation du visual novel de 5pb et Nitro+. Avant d’entrer dans le vif du sujet, commençons par une petite image en rapport avec Steins;Gate pour vous mettre en appétit.

Pour la petite anecdote, c’est à cause de cette canette que j’ai commencé à regarder Steins;Gate.

Je ne sais pas trop ce qui s’est passé mais j’avais écrit une première version de ce billet où je décrivais mes impressions sur Steins;Gate mais qui a mystérieusement disparu. Je prends Exelen pour témoin et confirmer qu’il existait bien une autre version de cet article.

Je ne sais pas trop si cela a un rapport avec la petite expérience que j’ai effectué ce soir avec une banane et un micro-ondes mais quelque chose me dit que ces deux évènements sont tout sauf étrangers.

Ne me demandez pas les raisons qui m’ont poussé à faire ceci.

Inspiré par l’anime Steins;Gate que j’ai vu le mois dernier entre deux révisions pour mes partiels, qui n’ont pas encore eu lieu en fait, où le héros Okabe Rintarô (qu’on appellera Okarin) parvient à envoyer des mails à un téléphone dans le passé en faisant entre autre passer des bananes au micro-ondes.

J’ai donc décidé de tenter moi-même l’expérience et de m’envoyer un message à moi-même dans le passé histoire de me prévenir que j’allais procrastiner sévèrement jusqu’au soir du 24 décembre et n’allait avoir que quelques heures pour écrire cet article. C’était donc pour m’éviter une nuit blanche à boire du Dr Pepper afin d’assurer une publication dans les temps -ce qui est en train de se dérouler actuellement d’ailleurs- que j’ai tenté l’impossible (à savoir : me convaincre de ne pas avoir la flemme).

D’ailleurs je remercie DarkSoul qui m’héberge actuellement pour avoir bien voulu me prêter son four micro-ondes et aussi d’avoir bien voulu sortir au combini à 22h le soir du 24 pour aller acheter des bananes parce qu’il les avait mal compté ce matin et qu’il n’y en avait plus dans le frigo (authentique !) sans oublier Exelen qui m’a prêté son téléphone pour que je puisse écrire le message à envoyer dans le passé.

Je devrais faire ça plus souvent, ça m’éviterait bien des nuits blanches.

Comme dit plus haut, à la base cette expérience était là pour que je ne bâcle pas l’article Steins;Gate comme je l’avais fait, et donc pouvoir offrir une lecture de qualité, avant qu’il ne disparaisse dans de mystérieuses conditions. Ce qui est perdu étant perdu à jamais, il m’est donc impossible de vous ressortir le contenu des lignes que j’avais écrite avant cet accident temporel, je me vois donc dans l’obligation d’opter pour cette solution de secours.

Bien que mon esprit scientifique soit totalement porté par cet évènement scientifiquement incroyable, je ne vous cache pas le désarroi auquel j’ai du faire face lorsque je me suis retourné vers l’écran du mac qu’on m’a prêté lors de mon séjour et que je constate avec effroi que tous les mots injectés dans le billet s’étaient envolés. D’ailleurs voici une photo prise peu après l’envoi du mail dans le passé.

Il faudra que je vous parle un jour de cette immondice qu’est le mapping AZERTY sur mac mais on verra ça une autre fois.

Après de longues réflexions, on est arrivés, avec Exelen, DarkSoul étant parti dormir entre temps parce qu’il était épuisé d’être sorti aller acheter des bananes si tard, à la conclusion que le mail avait bien été envoyé dans le passé mais que cela avait complètement modifié le présent. On reste sur la théorie que mon moi passé ayant reçu le mail a du écrire l’article en avance mais ayant fait face à la médiocrité de ce dernier (ayant l’habitude de tout faire au dernier moment je n’ai bien sûr pas le temps de me relire), l’a tout bonnement effacé et a décidé de procrastiner la ré-écriture de ce billet jusqu’au soir du 24 ce qui explique le paradoxe temporel dans lequel je me trouve actuellement.

Le temps commençant à manquer et refusant d’abandonner ce projet, comme un certain lâche cité dans l’article de début, et ce d’autant plus que je l’ai initié, j’ai donc pris la décision de sacrifier la totalité de ma nuit de sommeil et de me lancer dans la ré-écriture de ce billet sur Steins;Gate tout en espérant pouvoir résoudre le paradoxe actuel.

Je ne pense pas que j’aurais eu le courage de tout reprendre de zéro si je n’étais pas fourni en Dr Pepper par Exelen qui en a rapporté ce soir car elle fait partie de ces rares personnes comme Okarin ou Kurisu de Steins;Gate à pouvoir apprécier ce goût si particulier que seuls les génies peuvent comprendre.

Je… ne comprends plus rien.

Je ne saurais expliquer ce qui vient de se passer mais une image qui était à l’endroit vient d’apparaître sur mon serveur à l’envers. C’est comme si une force invisible poussait le destin à mettre des barreaux en travers de ma route pour que cet article ne voit jamais le jour à cause d’un mail que j’ai pu envoyer pour justement provoquer une situation inverse.

Grâce à mon visionnage de la série, je sais déjà par quelles épreuves ce cher Okarin a du affronter et que le grand huit émotionnel par lequel il est passé en aurait brisé un homme moins fort mentalement. Néanmoins, je sais aussi quelles genres de récompenses sont accordées à ceux qui acceptent de tenter l’expérience et elles sont largement assez gratifiantes pour justifier de se lancer à corps perdu dans cette aventure.

Car oui quand même, cet article était censé parler de Steins;Gate et même si les expériences que j’ai décrite plus haute font écho à certains évènements de la série, ce n’est qu’un avant-goût de ce que cette dernière a à offrir. Au delà de tout l’habillage « LOLSCIENCE » dont elle aime se parer pour attirer l’otaku moyen, elle se plaît aussi à posséder une certaine profondeur et surtout une écriture de haut niveau.

Si j’ai pris la peine de mentionner les noms de Okarin et Kurisu (les deux héros de la série), c’est bien parce qu’ils portent à eux seuls toute la série et bien que les autres membres du cast sont vraiment hauts en couleurs, ce duo fait rayonner la série grâce à une alchimie que l’on retrouve très peu ailleurs et servie par de savoureux dialogues.

De plus je tiens à parler de la performance de leur seiyû respectif, à savoir Mamoru Miyano qui aime camper des rôles de personnages totalement barrés et offre ce qu’il a de meilleur à offrir en terme de gros jambonneau bien gras tandis que Asami Imai compose un rôle tout en finesse et en subtilité vraiment touchant -à l’image de son rôle de Chihaya dans la nouvelle série The IDOLM@STER une fois arrivé au 20ème épisode-.

Certains me diront que j’ai une obsession malsaine avec les LEGO mais j’aime me surprendre à décrire l’anime de Steins;Gate comme une construction faite en LEGO où chaque épisode représente une brique et ce qu’elle apporte à l’ensemble final. Et comme lorsqu’une fois qu’on a posé la dernière brique et qu’on peut admirer sa création, la fin de Steins;Gate offre une véritable satisfaction pour son spectateur qui est récompensé d’avoir suivi la série de bout en bout.

Tout comme les LEGO, la série sait vers quoi elle se dirige et ne se perd pas en chemin dans des sous-intrigues inutiles qui alourdiraient le récit. Malheureusement, ceci s’effectue au prix d’une intrigue générale dont on en devine relativement vite les ficelles et on ne sera que rarement surpris par les révélations et autres retournements de situation.

Néanmoins, à l’image de la 6ème bouteille de Dr Pepper en une nuit, même si on perd l’agréable effet de surprise lié à la découverte, on ne boude pas son plaisir pour autant et on continue de savourer chaque épisode et ce qu’il a à offrir jusqu’à la dernière goutte. Comme tous les concentrés chimiques qui font le goût du Dr Pepper, la série brille par ses personnages car ce sont véritablement eux qui donnent toute sa saveur à la série qui est très « character-driven » comme diraient nos confrères anglophones.

Je note néanmoins qu’un petit temps d’adaptation est nécessaire pour commencer à s’attacher aux personnages ils peuvent paraître assez quelconques au premier abord. Il ne faut pas se fier aux apparences, sous leurs airs de parodies assez vulgaires se cache un vrai travail de recherche et d’écriture de la part des créateurs de la série. Okabe est plus que ce lunatique qui joue aux apprentis sorciers, Kurisu est plus qu’une tsundere issue de la moexploitation et la tsunderexploitation de ces dernières années et il en va de même pour le reste du cast à une ou deux exceptions près selon les goûts.

Enfin bref même si vous n’aimez ni les LEGO ni le Dr Pepper, je vous invite quand même à tenter l’expérience Steins;Gate si vous êtes fans de personnages totalement « over-the-top », des expériences scientifiques totalement barrées, de romances qui sait se présenter de façon naturelle ou que vous voulez juste une série qui se détache de la médiocrité de la grande moyenne générale.

A la base j’entrais dans les détails et tentait de dire pourquoi la série est bien pour ceci ou pour cela mais je suis meilleur mauvais à cet exercice, je me contenterais juste donc de la recommander pour sa réalisation simple et efficace, son écriture maitrisée, son casting sans reproches sans oublier le fanservice pour otaku qui fait office de cerise sur le gâteau.

Bon en fait c’est pas tout ça mais j’ai un article à finir et sur ce je vous offre une vidéo de la mise en route d’une nouvelle tentative de rectifier les choses en altérant le passé :

Je profite de ces quelques courtes secondes pour adresser mes remerciements à tous ceux qui ont accepté de participer au projet et qu’ils avaient vraiment que ça à faire d’écrire sur leur blog pour Noël.

Sur ce je vous retrouve dans le futur dans, espérons le, ma dimension temporelle originale et je vous invite à lire les différents billets postés par mes camarades pour le projet de blogging de Noël 2011 (voir lien en début d’article ou reposté ci-dessous pour les fainéants).

P.S. : tout ce qui a été décrit dans la première partie de l’article s’est réellement déroulé, au moins en ce qui concerne Exelen et DarkSoul.

]]> http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-pierreporte/feed/ 10 [Noël 2011] ARE YOU MERRY? I’M LADY! http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-un-nouveau-projet-sous-le-signe-de-lesprit-doujin/ http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-un-nouveau-projet-sous-le-signe-de-lesprit-doujin/#comments Sat, 24 Dec 2011 23:01:11 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=1065 Avant toute chose : Joyeux Noël 2011 à tout le monde. Allez savoir pourquoi mais Noël est ma période préférée pour aller spammer mes copains ani-bloggers pour leur parler de mes dernières idées stupides et les  faire participer à mes derniers projets sans rien leur offrir en retour.

Cette année je rempile encore et j’ai réussi à persuader (et faire chanter) quelques confrères pour cette année. Le pitch pour ce Noël : chacun soumet une liste de titres d’anime qu’il a vus plus ou moins récemment (i.e.: entre le jour-même et il y’a 2 ans) et sur lequels il est prêt à écrire un billet (entre 3 et 5 titres par personnes).

Ensuite sur un google doc que tout le monde pouvait éditer, chacun vote pour un des titres que les autres ont soumis pour tenter de les forcer à écrire dessus. Une fois la session de votes finie, on comptabilise les votes, en prenant soin de les fausser avant, et chacun se retrouve avec la série sur laquelle il devra écrire un billet pour ses devoirs de vacances. Le but ? Aucun. Juste générer du spam sur les agrégateurs et donner de la lecture aux masochistes qui aiment nous lire. Au delà de ça, c’était juste histoire de s’amuser un peu autour de Noël et accessoirement de dépoussiérer le blogs de certains (dont l’auteur de ce billet).

Comme d’habitude, on retrouve les mêmes pseudos mais contrairement au projet de Noël sur Gundam 0080 de l’année dernière, qui n’était ni plus ni moins qu’un projet test pour voir si je pouvais diriger d’une main de fers une poignée de collègues-, on a un peu étendu notre liste de V.I.P. et d’agrandir notre cercle privé de gens biengs.

Certains se demanderont pourquoi on a pas invité telle ou telle personne maison avait de très bonnes raisons comme « zut on a pas son mail » (alors qu’on discute avec tous les jours sur Twitter et IRC) ou « on a pas pensé à lui » voire plus simplement « on commence quand même à être beaucoup et ça ressemble plus à rien notre fil de mails ». Mais bon rassurez-vous, on pensera aux autres (sauf Gemini) la prochaine fois qu’on se refait une petite sauterie du genre.

Au passage, Exelen me fait remarquer qu’elle trouve que ça manque de présence féminine donc on essaiera de remédier à cette situation la prochaine fois.

En tout cas, je remercie tous ceux qui ont pris la peine de prendre part au projet (sauf à Ninji qui a abandonné en cours de route comme un gros lâche) et sans plus tarder la liste sans ordre (avec le nombre de votes entre parenthèses) :

Si vous faites les comptes, il se peut que vous n’ayez pas les mêmes chiffres selon les personnes car en effet certaines étant arrivées peu avant la fermeture des votes il se peut que leur voix n’ait pas été comptabilisée (mais n’aurait sûrement pas fait la différence) mais aussi qu’il y’a eu des votes blancs/nuls.

Note: Il se peut que certains liens indiquent une erreur 404 selon l’heure à laquelle vous cliquez dessus car les publications se feront tout au long de la journée du 25 décembre jusqu’à 23h59. En cas d’erreur, réessayez plus tard (ou envoyez plein de messages à l’auteur pour le forcer à publier).

Sur ce je vous souhaite à tous une bonne lecture et de bonnes fêtes de fin d’années.

]]> http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-un-nouveau-projet-sous-le-signe-de-lesprit-doujin/feed/ 12 Maaya Sakamoto: in the silence 2011 http://blog.eientei.net/2011/12/20/maaya-sakamoto-in-the-silence-2011/ http://blog.eientei.net/2011/12/20/maaya-sakamoto-in-the-silence-2011/#comments Tue, 20 Dec 2011 10:21:14 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=1021 Vers la fin du mois de juillet dernier, Nana Mizuki avait annoncé qu’elle ferait un concert au Tôkyô Dôme en décembre. Bien entendu en tant que fan de la miss, j’étais ravi pour elle et je nourrissais l’espoir de pouvoir y assister. Ce que j’ai pu faire d’ailleurs.

Quelques jours après cette première annonce, j’avais pu lire que Maaya aller faire un concert environ 2 semaines après celui de Nana. Déjà que celui de Nana était déjà une raison suffisante pour me déplacer au Japon, cette seconde annonce a cimenté ma volonté de me rendre à Tôkyô pour le mois de décembre.

A la différence du concert de Nana qui se déroulait dans la plus grande salle de concert du Japon, celui de Maaya lui était dans une petite salle pouvant acceuillir un maximum de 750 personnes. Oui c’est vraiment peu me direz-vous et c’est sûrement la raison pour laquelle elle s’est produite dans cette salle 6 jours d’afillé. Pour ma part, j’ai pu obtenir un billet pour la représentation du samedi grâce à l’ami DarkSoul [-> Twitter@DarkSoul4242] qui m’a accompagné et que je ne pourrais décidément jamais assez remercier.

Même avant d’arriver sur les lieux, j’étais déjà fan du nom de l’endroit.

Le concert avait lieu dans le Galaxy Theatre / 銀河劇場 (Ginga Gekijô) et non ça ne s’invente pas comme nom, situé pas loin de la station Tennôzu Isle située sur la ligne Rinkai. Pour ceux friands de petites anecdotes, il va y avoir dans quelques jours la comédie musicale de Saint Seiya qui va se produire exactement au même endroit, pour les détails vous pourrez demander à Exelen.

Une fois passé le contrôle des billets, on nous offre un petit sac de goodies contenant une carte postale ainsi qu’une chaussette et un papier avec la liste des goodies en vente [-> liste des goodies en vente]. Contrairement au LIVE CASTLE de Nana, cette fois-ci la vente de goodies était exclusivement réservée à ceux qui assistaient au concert, cela ne changera pas le fait qu’à 45 minutes du début du concert l’écharpe en vente était  épuisée.

Une fois mes goodies acheté, je déambule un peu dans le lounge du bâtiment avant de me rendre au second étage pour trouver ma place qui était au second rang et me faisait bénéficier d’une vue plongeante assez nette sur la scène.

La vue que j’avais de mon siège.

A travers le rideau, on pouvait voir les ombres des différents techniciens qui achevaient les derniers préparatifs et à 17h tout pile la salle s’assombrit puis on voit quelques mots annonçant le début du concert projeté sur le rideau. Des mots qui laisseront place à l’ombre blanche d’un oiseau en cage avec le texte « easy listening » qui apparait progressivement avec des sons de machine à écrire pour accompagner.

Enfin le rideau se lève et on peut apercevoir Maaya dans une robe bleue turquoise simple mais élégante au centre d’un spot de lumière, et avec une fleur bleue en guise d’accessoire dans ses cheveux, et derrière elle 8 musiciens et 2 choristes. Quelques secondes de silence puis vinrent les syllabes « i-no-ri » avant que les musiciens se mettent à jouer et ainsi débute donc la première chanson. Loin des fastueux effets spéciaux du concert de Nana, c’est un jeu de lumière tres sobre qui accompagnait inori et donnait une ambiance très éthérée à cette chanson.

Ensuite vint afternoon repose accompagnée de la douceur de sa mélodie et de celle de la voix de Maaya qui chantait dans un anglais très impressionnant et compréhensible, pour une personne Japonaise il s’entend. Maaya est arrivée à créer une atmosphère à la fois très intime mais aussi très chaleureuse avec cette chansons à la fois délicate et reposante avant de prendre la parole pour la première phase de MC.

C’est une Maaya très humble et très modeste qui nous annonce que cette série de concerts sera sûrement la seule de ce type, ce qui ne manquera pas de provoquer de vives réactions d’étonnement. Mon voisin de droite lâchera même un « maji~suka ? » pas très discret mais aussi très spontané. J’avoue qu’à ce moment là j’avais encore un peu de mal à comprendre totalement les enjeux de ce qu’elle venait de dire mais j’allais avoir les réponses que je cherchais par la suite.

La musique reprit avec pratiquement le reste de l’album Easy Listening. A la fin de la dernière musique de cette série, Maaya quitta la scène pour aller en coulisses et le rideau s’abaissa pour laisser place à un interlude vidéo. L’ombre blanche de l’oiseau ré-apparut devant nos yeux pour prendre son envol hors de sa cage pour laisser place à la forme d’un avion qui s’apprête à décoller et avec un compteur de chronomètre qui s’affiche et démarre au même moment où le rideau se lève.

C’est ensuite l’intégralité de l’album 30minutes night flight qui sera chanté sans aucune interruption, et avec une nouvelle robe dont je ne saurais décrire les motifs mais qui restait assez sobre malgré tout, et donc aucune phase de MC pour finir avec le compteur affichant environ 29 minutes puis on voit Maaya repartir en coulisse avec les échos de la fin de la chanson 30minutes night flight ~sound of a new day en fond.

J’ai savouré autant que possible cette petite demie-heure de musique ininterrompue qui s’est vraiment révélée divine. Le plaisir d’entendre non seulement la voix de Maaya en live dans des conditions acoustiques vraiment idéales mais aussi les différentes ré-instrumentalisations des chansons qui leur donnaient une nouvelle dimension et m’a permis de redécouvrir certaines.

Une mention toute particulière à 僕たちが恋をする理由 (Boku-tachi ga koi wo suru riyû) où on entendait seulement la voix de Maaya accompagnée du piano pendant les 3/4 de la chanson avant que les violons rentrent en scène. Aucune différence notable avec la version qu’on peut écouter sur CD si ce n’est que le rendu live du piano combiné à la voix de Maaya faisait vraiment des merveilles. Tout en simplicité mais tellement élégant et émouvant que je ne saurais décrire la surcharge d’émotions que j’ai eu avec de simples mots.

Après ces 30 minutes de pur bonheur, le rideau tombe à nouveau et se dessine dessus la piste d’atterrissage sur lequel notre avion se pose avant de se transformer en voiture pour la dernière partie du voyage. C’est donc au tour de l’album Driving in the silence qui débute par la chanson du même type après un certain moment de silence où on entendait juste le son du projecteur  qui diffusait une vidéo d’un paysage de route de campagne qui défilait pendant bien plusieurs minutes.

Après ce petit tour en voiture, le rideau se lève et c’est une Maaya portant une longue jupe blanche agrémentée d’un ruban de la même couleur et portant une petite capeline rouge qui se présente devant nous. Un 3ème costume très approprié à la saison -après tout on était à une semaine de Noël- et se rattachant à l’esthétique adoptée pour les goodies de ce concert.

Une fois Driving in the silence terminée, Maaya reprit le micro en plaisantant sur le fait que cela faisait longtemps qu’elle n’avait pas fait de MC ce qui ne manquera pas de faire rire toute la salle. Elle nous explique qu’à cause du titre de l’album 30minutes night flight et que tout chanter lui prenait presque cette demie-heure, elle a volontairement pas fait de MC et avait hésité à faire de même pour Driving in the silence, encore une fois à cause du titre mais que finalement cela aurait fait trop long sans s’adresser à son public.

Le concert reprend sur les premières notes de Sayonara Santa, une chanson pour laquelle j’ai énormément d’affection et je ne saurais pas trop dire pourquoi ; peut-être est-ce la mélodie très entrainante ou peut-être est-ce la très grande mélancolie qui se dégage des paroles voire même le contraste entre ces deux éléments, allez savoir. Quoi qu’il en soit, je reprenais avec plaisir ce voyage dans lequel Maaya nous invitait via le reste de l’album, un pur moment de rêve ponctué par quelques phases de MC.

Maaya nous expliquait qu’elle avait choisi « l’hiver » comme thème pour ce concert et que la raison pour laquelle elle se produisait dans une salle aussi petite c’était, non seulement pour l’acoustique, parce qu’elle avait imaginé un concept pour ce concert.

Imaginez que vous vous retrouvez en compagnie d’amis qui vous sont chers dans le comfort d’une maison bien chauffée par un froid jour d’hiver. Soudainement l’un d’entre vous prend une guitare et commence à en jouer en fredonnant puis tout le monde se prend au jeu et accompagne au chant, le tout dans la bonne humeur. Voilà le genre d’atmosphère que je voulais recréer avec ces petits concerts.

C’est sur un ton très empreint d’humilité et de délicatesse qu’elle nous partage ses intentions (que j’ai traduit un peu maladroitement mais le coeur de l’idée est là) et espère qu’elle est parvenue à nous les transmettre.

Le concert finit sur deux chansons qui ne sont sur aucun des 3 albums cités : à savoir Buddy, utilisée comme opening pour la nouvelle série Last Exile -Fam, The Silver Wing- suivie de おかえりなさい (okaerinasai), opening de Tamayura ~ hitotose ~.

J’ai beau avoir énormément d’affection pour School Food Punishment, je trouve justement que Buddy ressemble beaucoup trop à un patchwork de leurs différentes chansons et qu’avec la présence d’effets instrumentaux qu’on retrouve dans certaines de leurs chansons. Sans la voix de Maaya on pourrait vraiment croire qu’il s’agisse d’une chanson de School Food Punishment ; ce qui reste assez logique me direz-vous étant donné qu’ils ont composé la chanson mais je persiste à penser qu’ils sont restés beaucoup trop proches de leur zone de comfort musicale. J’apprécie bien sûr la chanson il va sans dire mais je ne peux m’empêcher de penser que cette chanson aurait pu avoir une personnalité bien à elle beaucoup plus marquée et qui correspondrait mieux au style de Maaya.

Je signalerai aussi qu’elle avait profité d’une pause entre deux chansons pour retirer sa capeline rouge pour découvrir un petit haut tout noir qui laissait ses épaules totalement découverte. Je me passerai de faire des commentaires salaces et mal venus mais je dois quand même avouer que cette vision de Maaya qui se penche pour saluer et remercier son public et qui laissait entrevoir ses épaules totalement nues était assez enchanteresse.

C’est donc sur おかえりなさい que s’achève ce concert avec Maaya qui remercie tous ceux qui ont pu faire l’effort de venir car elle sait à quel point cela a pu être difficile et surtout couteux d’obtenir un billet pour venir à cause du système de vente générale qui a été pris d’assaut par des individus peu scrupuleux dont le seul but était de faire un joli bénéfice (jusqu’à plus de 5 fois le prix d’origine). Cela l’a beaucoup touché de voir tout ce monde qui s’est déplacé et repart en direction des coulisses.

Maaya reviendra une dernière fois sur scène, dans une robe noire toute en simplicité et en élégance, pour nous présenter un à un les différents musiciens et choristes qui l’accompagnaient ce soir, à savoir : 2 choristes, 2 femmes au violon, une à l’alto, une aux percussions, un guitariste (qui alternait entre une guitare acoustique et une électrique selon les chansons), un à la contrebasse (qui alternait aussi avec une guitare électrique), un batteur et finalement un pianiste qui disposait aussi d’un clavier en plus de son piano. Lors de ce MC final elle nous explique que la dernière chanson de l’encore est différente pour chaque jour car elle voulait vraiment rendre chacun de ces 6 concerts véritablement unique.

De plus, j’avais mentionné avoir reçu à l’entrée un petit sac contenant une chaussette (bien une, pas une paire et de toute vu la taille je pourrais pas la porter) ainsi qu’une carte postale. Il se trouve que l’image présente sur cette dernière varie en fonction du jour et que parmi toutes les cartes postales qui ont été distribuées, environ une centaine ont été dédicacées par Maaya, qui nous a d’ailleurs demandé avec beaucoup de malice de ne pas revendre les cartes signées sur internet. Malheureusement, je n’ai pas eu la chance (ni DarkSoul) d’en avoir une signée mais je suis déjà bien content de pouvoir posséder ces souvenirs uniques.

Vous ne pouvez pas savoir à quel point j’étais jaloux de la fille qui était située à ma droite qui avait eu la chance d’avoir une signature dorée sur sa carte postale.

Vous aurez probablement remarqué que j’abuse énormément des ellipses dans ce billet car j’avoue, encore plus que pour Nana, vouloir garder jalousement pour moi certains fragments de souvenirs associés à ce concert qui était vraiment plus qu’exceptionnel.

Si je devais faire une comparaison avec le LIVE CASTLE, je dirais que ce dernier pourrait être représenté par un shônen manga rempli d’action et surtout débordant de nekketsu dans sa forme la plus pure mais qui n’oublie pas d’offrir de vrais moments d’émotions tandis que ce in the silence lui serait plutôt comparé avec de la tranche de vie à la fois reposante mais aussi très chaleureuse et intimiste, le tout baigné dans une atmosphère très empreinte d’iyashikei.

Pour la petite comparaison un peu plus otaku, je comparerais sans aucun doute ce concert avec le 11ème épisode de ARIA THE ANIMATION, celui où Alicia, Akira et Athena racontent à leurs apprenties comment elles sont devenues amies lorsqu’elles étaient plus jeunes et partagent avec mélancolie et nostalgie. Ceux qui ont vu l’anime sauront à quoi je fais allusion et pour les autres, je ne peux que les inviter à découvrir cette série.

On pourrait croire que j’aurais tendance à préférer un concert plus que l’autre mais il n’en est rien, il s’agit de deux expériences radicalement différentes et surtout complémentaires que j’ai apprécié au même niveau mais d’une façon bien distincte. J’ai le même capital sympathie pour ces deux artistes qui sont mes préférées depuis plusieurs années. Si on me demande qui je préfère, je m’abstiendrais de répondre plutôt que de donner une réponse qui ne sera qu’a moitié vraie.

A mon humble avis, Maaya a réussi avec brio à concrétiser le concept qu’elle voulait insuffler dans son concert. Tout au long de ces 2h30 de live, je me sentais vraiment dans un autre monde où je pouvais laisser mon esprit se reposer et oublier le reste du monde comme si d’un coup il n’y avait plus que Maaya et nous public. Je reste encore très touché par cette volonté de Maaya de vouloir nous faire partager ce genre de petits plaisirs, c’est dans ce genre de moments que je me dis que je peux être fier d’être fan de ce genre d’artistes.

Je pense que j’ai pu bénéficier d’une chance incroyable de pouvoir assister à l’une de ces représentations surtout lorsque je repense à ce premier MC où Maaya nous disait qu’elle ne refera probablement pas de concert de ce type (au moins avant très longtemps). Pouvoir être aussi proche de Maaya, qui était vraiment adorable comme un coeur ce soir là, pour la première en quasiment 15 ans était vraiment une expérience telle que je ne saurais trouver les mots pour retranscrire fidèlement tout ce que j’ai pu ressentir.

Il est vrai que je suis avant tout fan de Maaya pour ses contributions aux chansons d’anime et que j’ai toujours la même tendresse pour 約束はいらない (yakusoku ha iranai) qui me ramène en adolescence lorsque je regardais Escaflowne sur Canal+ ou プラチナ (Platina) qui me rappelle Card Captor Sakura sans oublier sa collaboration avec Yôko Kannô qui reste à l’heure actuelle ma chanson préférée de toute sa discographie, à savoir 奇跡の海 (kiseki no umi).

Je ne cache pas être un peu déçu de ne pas avoir pu entendre ces chansons pour lesquelles j’ai autant d’affection en live mais je préfère me dire que ce n’est probablement pas son seul concert auquel je pourrais assister et mets de côté ce genre de considérations pour ne garder en mémoire que l’essence de ce live in the silence dont certaines des chansons chantées ce soir là ont leur paroles écrites par Maaya elle-même.

Si j’avais encore quelques regrets de ne pas avoir pu assister au LIVE -Gift- qui fêtait ses 15 ans de carrière au Budôkan, avoir eu la chance de faire partie des heureux élus présents pour ce in the silence les ont complètement balayé.

Comme je l’avais posté sur twitter, si le LIVE CASTLE de Nana avait rempli ma tête d’étoiles pendant près de 8h, Maaya a su me faire rêver pendant environ 2h30 et ces quelques heures valent vraiment tout l’or du monde.

Encore une fois, je tiens à remercier l’ami DarkSoul sans qui tout ceci n’aurait pas été possible et j’espère pouvoir lui renvoyer l’ascenseur un jour.

]]> http://blog.eientei.net/2011/12/20/maaya-sakamoto-in-the-silence-2011/feed/ 2 Nana Mizuki : LIVE CASTLE 2011 http://blog.eientei.net/2011/12/20/nana-mizuki-live-castle-2011/ http://blog.eientei.net/2011/12/20/nana-mizuki-live-castle-2011/#comments Tue, 20 Dec 2011 10:07:05 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=1011 Il y a des évènements auxquels j’ai toujours voulu participer en live tels qu’un concert acoustique de Maaya Sakamoto/Suzumura, l’Animelo ou un live de Nana Mizuki. Par un heureux concours de circonstances j’ai pu être sur Tôkyô au moment du concert (et j’y suis toujours à l’heure où j’écris ces lignes, et ce pour encore quelques semaines) et bien sûr obtenir des places pour le concert.

Avant de parler du concert lui-même, je tiens quand même à parler de la façon dont j’ai pu obtenir ces places, qui étaient distribuées par le fanclub officiel [-> Index du fanclub] de Nana Mizuki qui plus est. Tout ceci a été possible grâce à une initiative d’une très grosse fan de Nana, qu’on appellera Danie [-> Twitter@jouttex / Blog: danie's shopping log], qui a décidé de faire profiter de son adhésion au fanclub pour offrir la possibilité aux fans étrangers d’obtenir des billets via ce biais.

Donc voilà, un grand merci à Danie qui nous a permis à moi, DarkSoul et Exelen, ainsi qu’une 30aine d’autres non Japonais, d’assister à ces deux jours de concert.

Voilà déjà un peu plus de 11 ans depuis la sortie de son premier single 想い (omoi) [-> live lors de feu l'émission アニぱら (Youtube)] en décembre 2000 et il aura fallu attendre 2004 pour la voir percer avec Innocent Starter et par extension avec la franchise Nanoha.

Pour ma part, on peut dire que je suis un fan relativement récent : ayant vu la première série Nanoha qu’en 2007~2008 et surtout n’étant devenu véritablement fan de la chanteuse -et par extension de ses chansons- qu’un peu plus tard, après avoir entendu SUPER GENERATION chez un ami qui suivait sa carrière depuis déjà plusieurs années.

Entre temps, je dépense régulièrement mon argent dans les Blu-ray de ses concerts (donc depuis décembre 2008 avec le LIVE FIGHTER) et nourrissait le rêve de pouvoir assister un jour à un de ces concerts. Jusqu’à aujourd’hui j’ai préféré rester réaliste, n’étant pas membre de son fanclub (pas faute d’avoir essayé mais n’ayant pas d’adresse au Japon et ne tenant pas non plus à déranger des amis avec ce genre de considérations) et au vu du prix de la revente des billets par certaines personnes qui cherchent à se faire du profit…

Je ne reviendrai pas sur comment j’ai eu ces billets, pour ça vous pourrez jeter un oeil aux liens en annexe en fin d’article.

Etant habitué à voir les Blu-ray de ses concerts, je savais qu’il y aurait une certaine redondance dans la tracklist des 2 jours de concert mais comme ce n’est pas tous les jours que j’ai la chance de pouvoir assister à un concert live donc j’ai demandé des billets pour les 2 jours, respectivement nommés QUEEN’S NIGHT et KING’S NIGHT.

Les quelques jours qui ont précédé le concert, ainsi que les jours-même du concert, se déroulait la vente des goodies exclusives du LIVE CASTLE [-> lineup des goodies]. Je ne détaillerai pas mon aventure avec l’achat des goodies mais pour résumer j’ai pris le premier train depuis la station proche de laquelle je réside à 4h25 pour arriver aux alentours de 5h au Tôkyô Dôme, lieu où se déroulait la vente de goodies pour le premier jour. Cette-dernière ne débutant pas avant 9h, j’ai affronté le froid de la nuit ainsi que la pluie jusqu’à midi, heure à laquelle je suis arrivé aux caisses, et malgré tout certains goodies étaient déjà en rupture de stock.

Pour chaque goodie acheté, on recevait un petit sachet avec à l’interieur une NANACA, des photos exclusives au format carte à jouer, et pour le LIVE CASTLE, il y a 9 NANACA différentes à collectionner donc échanger avec d’autres fans qui en ont en double.

Quelques heures avant l’ouverture des portes du Tôkyô Dôme, plusieurs fans distribuaient des pamphlets, qu’ils ont conçu et imprimé eux-même (contrairement à Yukari Tamura où là ils sont produits et distribués par le staff pro de la chanteuse), expliquant les calls pour les différentes chansons de Nana. Si vous avez déjà vu des vidéos de concerts live où vous voyez les spectateurs agiter des lumières de différentes couleurs, c’est à ça que ça fait référence.

En effet lors de ces concerts, on peut ou non participer au phénomène de masse qui consiste à agiter un glowstick ou un penlight d’une certaine couleur en rythme et en décrivant différents mouvements selon le passage. Je ne préfère pas rentrer dans les détails, étant moi-même néophyte de cet exercice mais je dois reconnaître qu’en faisant partie du public, on se prend très vite à ce petit jeu et mine de rien c’est amusant même si cela fatigue très vite le bras.

Rassurez-vous on s’y habitue vite… ou alors on ne sent plus la douleur très vite.

Pour la petite anecdote, à deux jours du concert il était déjà devenu très difficile de se fournir en glowsticks dans les différentes boutiques genre Animate car ceux utilisés, les ルミカ大閃光 (Lumica Daisenkô), ont une durée de vie que de quelques minutes, assez pour durer une chanson, mais ont l’avantage d’émettre une lumière assez forte et bien visible comparée à d’autres qui peuvent durer entre 4 et 6 heures.

Etant arrivé au Japon un peu tardivement, je n’ai pas eu le temps de faire des stocks de glowsticks de différentes couleurs et je suis resté sur la couleur officielle : le bleu qui peut être utilisé sur toutes les chansons. Pour les curieux, le orange est la couleur la plus utilisée car associée à pas mal de chansons qui passent souvent en concert. Vous aurez aussi deviné que les Ultra Orange (ou UO), sont ceux dont les stocks s’épuisent le plus vite dans les boutiques qui en vendent.

Le Tôkyô Dôme pouvant acceuillir près de 50 000 personnes et ma place n’étant pas dans l’Arena, nom qui désigne la zone directement à côté de la scène et donc au coeur même du Dôme, j’étais quand même relativement loin mais malgré tout la présence d’écrans géants permettait de profiter de gros plans sur le visage de Nana qui semblait s’en donner à coeur joie.

Pour les curieux, j’étais situé dans les gradins situés en hauteur lors du premier jour donc en périphérie du dôme même si j’étais dans les rangs les plus avancés sur ces gradins. Même avec la vue plongeante, il était quand même assez difficile de voir Nana à cette distane et j’ai quand même pas mal regardé les gros écrans mais cela n’a en rien gâché mon plaisir, c’était prévisible qu’avec une salle de cette taille, je ne m’attendais pas à obtenir des places exceptionnelles (i.e.: l’Arena). Je signalerai quand même que Nana a fait plusieurs tours de salle dans une montgolfière et donc s’est retrouvée à ma hauteur plus d’une fois et j’avoue que c’était plus que plaisant de pouvoir la voir d’aussi près.

En ce qui concerne le second jour, j’étais un peu à l’opposé de là où j’étais la veille, toujours dans les gradins mais pas ceux sur les balcons en hauteur et du côté gauche par rapport à la scène. Rien de bien particulier à signaler si ce n’est que j’étais plus proche de la scène mais qu’encore une fois, les écrans géants n’étaient pas forcément du luxe.

Malgré sa taille, il ne faut pas oublier qu’il ne s’agit pas d’une salle de concert à la base mais d’un stade de sports et que donc malheureusement, l’acoustique était tout sauf optimale. Cela est bien sûr assez ironique lorsqu’on se dit qu’on assiste à un concert live mais l’atmosphère dans le Dôme était telle que finalement on accepte ce genre d’imperfections et on replonge très vite dans le concert.

Je tiens quand même à mentioner l’existence d’un écho qui n’est pas forcément dérangeant lors des chansons mais lorsque viennent les phases de MC (séquences où Nana prend la parole), il se faisait bien ressentir et bien qu’il ne gâchait pas grand chose, ça restait quand même assez perturbant.

En général lorsque je regarde des enregistrements de concerts, j’ai l’habitude de zapper les phases de MC car ma compréhension orale du japonais en était encore à ses balbutiements et que je suis plus interessé par entendre les performances live des artistes.

Comme cette fois-ci j’étais dans le public, il aurait été très disrespectueux de ne pas écouter ce que Nana avait à nous dire, d’autant plus que depuis mon japonais s’est un peu amélioré (n’empêche que je devrais consacrer plus de temps à mes études). Je dois avouer que se retrouver dans le public et se dire qu’on fait partie des heureux élus à recevoir directement ses messages offrent une toute autre façon d’appréhender ces MCs.

Je n’entrerai pas dans les détails de ces MCs mais je partage quand même le fait qu’elle avait encore du mal à croire qu’elle était vraiment au Tôkyô Dôme et que tout ceci ressemblait à un rêve pour elle -le tout suivi d’un appel général du public pour lui crier que tout ceci était bien réel- ou que tant qu’il y aurait des fans pour crier son nom, elle continuera de chanter.

Parce que je suis gentil, je partage quand même son premier MC du KING’S NIGHT lorsqu’elle commentait sur le fait qu’elle était censée être habillée en « cool king » mais qu’avec sa stature elle faisait plus prince que roi. Dans le même registre, elle a aussi annoncé qu’elle s’occupera de l’opening du drama Switch Girl et mentionne le fait que l’héroïne a 18 ans en ajoutant que « ce n’est pas très éloigné de mon âge » toujours avec son grand sourire (pour rappel, elle est née le 21 janvier 1980).

Ce n’est pas la première fois que je vois Nana verser des larmes lorsqu’elle s’adresse à son public mais c’est bien la première fois que je fais partie de ce dernier et l’émotion en est d’autant plus forte lorsqu’elle déploie toute la puissance de sa voix pour nous remercier sans micro qui arrivait même à atteindre les fans les plus éloignées de la scène.

Cela dit si je devais retenir un seul passage de ces séquences, c’est après que Nana soit apparue avec son costume rose avec une paire d’oreilles de lapins et une petite queue touffue toute blanche. Non seulement elle était délicieusement adorable dans ce costume mais en plus on pouvait entendre le public scander des « mawatte » et le pire c’est qu’elle s’est pliée à ces demandes et s’est mise à sauter sur place en tournant en imitant quelques mimiques de lapins. Je dois avouer que c’était tout simplement trop adorable et qu’en plus j’ai pu assister à ce petit spectacle les deux jours dont j’ai savouré chaque seconde. Par contre dommage pour ceux qui iront à ses prochains concerts, elle nous a aussi dit qu’elle ne remettrait pas ce costume avant 12 ans car oui, c’était fait pour correspondre au zodiaque chinois.

J’ai beau avoir une certaine tendance à préférer Nana en tant que chanteuse mais j’apprécie aussi énormément ses rôles en tant que seiyû que ce soit plus récemment en tant que Tsubomi/Cure Blossom dans Heartcatch Precure ou d’autres rôles plus graves ou plus effacés comme l’emblématique Fate T. Harlaown de la franchise Nanoha.

Comme à l’habitude, en plus des quelques MCs de Nana, on a aussi eu droit à des mini performances de certains membres de son staff, à savoir les Cherry Boys et la Team YO-DA.

Pour ceux qui se demandent de quoi il s’agit, les Cherry Boys sont les musiciens qui suivent Nana depuis son premier concert en 2000 (entre temps, leur nombre a un peu augmenté mais on retrouve toujours les mêmes membres clés depuis leurs débuts). Sur le même modèle, la Team YO-DA désigne le groupe de danseuses qui suivent aussi Nana depuis son premier concert ; le nom vient du surnom de la chorégraphe Yamashiro Yôko [-> blog / site officiel] dite Yoda, responsable de toutes les chorégraphies pour les concerts de Nana depuis 2002.

Encore une fois, je ne rentre pas dans les détails car vous pourrez voir tout ça sur le DVD et Blu-ray du LIVE CASTLE quand ces derniers seront disponibles mais pour les amateurs de petites anecdotes, sur une des vidéos entre deux chansons, on pouvait apprécier une performance de trois de Cherry Boys et à la fin les voir croiser leur guitare et lire « Les trois mousquetaires » sur l’écran.

Toujours pour les fans de kitsch, un des interludes se présentait sous la forme d’une vidéo projetée  sur le plafond du dôme avec une voix qui racontait une légende à propos des constellations du lion et de la vierge, le tout en anglais dont voici le script :

Once, when heroes ruled the world, nothing separated the sky and the ground. Imperceptibly, a lion settled in the brilliant stars’ sky. The lion began to disturb orbits with his brute nails. The calamities hit the ground and people felt the end of the world. A king who looked up the sky anxiously, decided his mind and took the legend sword. Seven heroes were fighting against the lion in the sky. But heroes didn’t have any chance to beat the Gods’ blood lion. The king with the legend sword showed up there and held it toward the sky. Seven stars got together on the legend sword and sparkled. Light from the sword that the king swung down hit a gem on the lion’s brow. When the king gently touched the lion’s brow, the lion brightened and spread out seven wings. Then, the king and the white lion were praised as Gods and became a shining constellation.

En ce qui concerne la vidéo qui accompagnait cette narration, vous pouvez imaginer un lion en 3DCG qui ressemble à Scar dans Le Roi Lion de Disney et Nana dans une robe censée représenter son rôle de roi et recevant une épée, le tout dans un habillage assez kitsch. La suite et fin de la vidéo est exactement comme décrits plus haut, on voit Nana porter un coup d’épée au lion puis vient l’apaiser et enfin ce dernier se pare totalement de blanc et déploie ses ailes. Le concert reprend ensuite du plus bel effet avec Nana qui apparait soudainement en hauteur, chevauchant une reconstruction de ce lion ailé avant d’entonner Synchrogazer (dont le single est sorti plusieurs jours après le concert).

Lors du KING’S NIGHT, la chanson qui suivait Synchrogazer était ETERNAL BLAZE et ce n’était pas la première fois que la salle virait au orange mais c’était sûrement l’un des moments les plus impressionnants de ces deux jours de concert. Comme des images valent mieux que des mots, voici une petite illustration-caricature :

Il faut vraiment le voir pour le croire !

Vous me direz que ceci n’a rien de particulièrement impressionnant quand on est habitués à voir des vidéos de live mais pourtant, une fois qu’on passe de simple spectateur vidéo à membre du public, tout change et je ne peux qu’encourager les fans de certains artistes populaires à assister à leurs lives s’ils en ont l’occasion (et surtout la chance).

Je profite du fait que j’évoque deux des titres présents sur la tracklist des deux jours pour non pas faire un listing mais plus parler de mes impressions dessus.

Je ne vais pas parler de déception parce que ce serait assez loin de la vérité mais cela n’empêche que j’ai noté un très grand nombre de chansons vraiment récente et je regrette un petit peu de ne pas pu entendre des chansons plus anciennes, dont surtout Promise on Christmas d’autant plus qu’on est en décembre.

Toujours dans la série des chansons dont la présence m’auraient fait plaisir, je peux citer les chansons d’albums qui commencent un peu à dater mais au rythme plus posé qui n’étaient peut-être pas assez adaptés pour le thème du LIVE CASTLE. Quoi qu’il en soit, j’ai toujours une place dans mon coeur pour des chansons telle que Brilliant Star, refrain, The place of happiness et bien d’autres encore sans oublier 想い et je ne désespère pas de pouvoir les redécouvrir à nouveau à l’occasion de d’autres lives.

Ma plus grosse surprise reste quand même l’absence à ce concert de Justice to Believe qui fait quand même des classiques qu’on s’attend à retrouver systématiquement (à l’image de POWER GATE et ETERNAL BLAZE) ; non pas que je regrette particulièrement son absence plus que par rapport à une autre mais je ne peux juste pas cacher mon étonnement à ce sujet. Cela dit, on a déjà été gratifié d’une version tout bonnement épique lors de son précédent concert, le LIVE GRACE qui bénéficiait d’un véritable orchestre pour l’occasion, et je me dis que c’est limite pas plus mal comme ça : cela me permet de garder en mémoire cette dernière performance vraiment exceptionnelle.

J’ai aussi été surpris que 深愛 (Shin’Ai) ait été chantée lors du KING’S NIGHT, étant donné le profil de la chanson (qui est pour rappel, en dépit de ses airs de chanson d’amour romantique, un hommage à son père décédé) aurait peut-être eu plus sa place lors de la QUEEN’S NIGHT mais ceci reste bien sûr dans le domaine du nitpicking comme diraient nos amis anglophones.

Les fans de Nanoha pouvaient être comblés, on a eu droit à BRAVE PHOENIX -sûrement mon coup de coeur parmi les chansons de la franchise- en ouverture pour la QUEEN’S NIGHT suivie de ROMANCERS’ NEO, utilisée dans le jeu PSP de Nanoha A’s. On a aussi eu droit aux classiques MASSIVE WONDERS, SECRET AMBITION, PHANTOM MINDS sans oublier le flamboyant (littéralement pendant le concert avec des jets de flammes dont la chaleur atteignait même les spectateurs les plus excentrés) ETERNAL BLAZE et l’éternel innocent starter chantée en dernier lors du KING’S NIGHT juste avant l’encore. J’aurais bien aimé pouvoir entendre Pray pour compléter la série mais il faut croire que cette chanson n’a jamais -malheureusement- réellement connu de succès populaire.

Si j’ai toujours trouvé qu’il manquait un petit quelque chose pour vraiment apprécier POWER GATE lorsqu’elle passe dans mes oreilles en temps normal, je lui reconnais un charme certain lors des live que j’ai pu voir, c’est un peu comme si je redécouvrais la chanson sous un nouveau jour. J’ai toujours été bluffé par l’énergie que dégageait Nana lorsqu’elle chante cette chanson dans des concerts mais aussi celle venant du public qui semble à chaque fois se donner à fond lors de la call sur cette chanson.

Pour la première fois j’ai pu faire l’expérience de POWER GATE en live et si jusque là j’avais été impressionné par ce que je voyais sur mon petit écran, une fois sur place c’est une expérience encore plus époustouflante. Non pas que Nana ne se donne pas toujours à fond sur les autres chansons il y’a ce je-ne-sais-quoi qui fait toute la différence sur POWER GATE ; on pouvait soudainement ressentir une nouvelle vague d’enthousiasme plus forte que jamais déferler dans tout le Tôkyô Dôme et rendre encore plus survolté un public qui était déjà déchaîné. Enfin bref je ne saurais dire ce que cette chanson a de spéciale en live, si la façon de la chanter de Nana en live a quelque chose de magique ou non, mais cela fait facilement partie de mes souvenirs les plus marquants sur ces deux jours (d’autant plus qu’elle était présente sur les deux tracklists).

Ceux qui me fréquentent un peu doivent être au courant pour l’amour sans borne que je porte à DISCOTHEQUE, utilisée en opening pour Rosario+Vampire Capu2 [-> clip de l'op (Youtube)], et pour son PV totalement délirant -et disponible sur le DVD/Blu-ray de NANA CLIPS 5, une compilation de ses PVs- et adorablement kitsch. Au delà de ces quelques considérations graphiques j’avoue aussi adorer la chanson en elle-même et c’était vraiment un plaisir d’entendre son CHU-LU CHU-LU CHU-LU PA-YA-PA si caractéristique pour débuter l’encore de la QUEEN’S NIGHT et voir une partie des lumières bleues du public virer au rose.

Si on me demandait LA chanson de Nana que je n’aurais voulu rater en live c’est bien SUPER GENERATION car non seulement c’est la chanson qui m’a fait devenir fan mais elle a une valeur affective qui va au delà de ce genre de considérations. Même à l’époque lorsque mon japonais était encore plus qu’insuffisant, j’étais déjà porté par le sens des paroles qui restent certes très simples mais qui arrivent néanmoins à me toucher. Cette chanson a pris d’autant plus d’importance au fur et à mesure que j’en apprenais sur Nana qui n’est pas seulement une seiyû et une chanteuse mais aussi parolière sur une partie de ces chansons (à commencer par les innocent starter, ETERNAL BLAZE et autres MASSIVE WONDERS) mais aussi compositrice et justement SUPER GENERATION est la toute première chanson qu’elle a composé elle-même en plus d’avoir écrit les paroles.

Je ne cache pas que j’avais quelques appréhensions à la fin de l’encore du KING’S NIGHT et que SUPER GENERATION n’était pas encore passée même lors de la QUEEN’S NIGHT mais comme on avait pu avoir un second encore lors de cette dernière avec une magnifique interprétation de あの日夢見たお願い (ano hi yume mita onegai) du coup je gardais encore espoir pour le second encore de la KING’S NIGHT et j’avais bien raison d’espérer.

A la fin d’ASTROGATION, Nana reprend le micro pour encore une fois remercier tous ceux qui étaient venus et que pour le second encore elle avait une invitée spéciale à nous présenter : il s’agissait ni plus ni moins que de Mika Kondô, sa petite soeur aussi chanteuse qui suit sa carrière en solo avec Daisy x Daisy [-> site officiel] de Agematsu Mika [-> site officiel en anglais] (merci a Mic pour la correction, ça ne me réussit pas les nuits blanches à écrire… Faut croire que je mélange encore les évènements avec son passage en Belgique en novembre dernier…) et qui nous a fait l’honneur d’accompagner Nana sur SUPER GENERATION en ―MUSEUM STYLE― (version spéciale présente sur la seconde compilation THE MUSEUM II) à la harpe.

Je ne vous cache pas que j’ai été littéralement transporté dans un rêve pendant ces 5 minutes dont je savourais chaque instant avec une intensité qui m’était inconnue jusque là. Je ne saurais trouver les mots pour dire à quel point je souhaitais que cette chanson ne finisse jamais mais malheureusement toutes les bonnes choses ont une fin et c’est avec une larme à l’oeil que ce concert s’est achevé avec la phase finale de MC où Nana nous prouvait encore une fois qu’elle a su garder son côté humain et sait faire preuve d’humilité envers son public et ses fans même avec le succès phénoménal qu’elle connait en ce moment.

D’ailleurs pour la petite anecdote un des fans non-Japonais présent était un Américain qui avait déjà bien dépassé la cinquantaine et avait fait le déplacement spécialement de New York pour l’occasion -et s’est même payé le luxe de s’embrouiller avec sa femme à ce sujet-, j’avoue avoir énormément de respect pour ce frère d’armes. Dans le même style, j’avais aussi pu remarquer une Japonaise d’un âge plus qu’honorable (sûrement âgée que le gentleman que je viens de citer) qui, au premier abord, avait l’air de juste accompagner ses enfants et semblait plus ou moins comater avant le début du concert ; par contre une fois Nana en scène et les chansons débutées, j’ai été surpris par la vigueur avec laquelle elle participait aux calls et j’ai un peu honte de le dire mais elle se débrouillait mieux que moi et semblait avoir une certaine expérience qui forçait le respect.

A l’heure actuelle je n’ai pas encore fini de lire 深愛 (Shin’Ai), son autobiographie qui porte le même titre qu’une de ses chansons, mais j’ai suffisamment avancé pour avoir redécouvert Nana sous un autre angle et en suis venu à l’apprécier encore plus, non plus pour ses divers talents, mais en tant qu’être humain qui a une histoire véritablement touchante à raconter. Il me reste encore plus d’une bonne centaine de pages à lire mais ce que j’ai pu lire me confirme que les larmes de bonheur que j’ai pu voir et tous les remerciements que j’ai pu entendre étaient tous bien sincères.

D’ailleurs après ce MC final, on pouvait entendre à nouveau SUPER GENERATION -la version normale cette fois-ci- passer dans les enceintes du Dôme tandis que Nana annonçait une petite distribution de cadeaux sous forme d’une petite peluche de lion. Pour cela, des membres du staff avaient préparé plusieurs fusils pneumatiques chargés avec les petites peluches que Nana tirait un peu au hasard dans le public, une petite dizaine (chaque jour, elle en avait fait de même pour la QUEEN’S NIGHT) en tout furent tirés. Il va sans dire que j’avais peu d’espoir d’en récupérer un mais la vision de Nana en t-shirt et en short avec ce gros fusil pneumatique avait un côté résolument sexy.

Le concert avait beau durer plus de 4 heures pour chaque journée, j’ai encore l’impression que tout est passé en un éclair et pourtant plus de 2 semaines après, j’ai encore toutes ces images et sensations encore bien vivantes dans ma tête. Je pense que le fait qu’il s’agisse de mon premier concert de cette ampleur joue beaucoup sur mes impressions mais avec le recul, même avec toutes les imperfections qu’il y a pu y avoir et les quelques réserves que je peux émettre, je peux dire qu’il s’agit vraiment d’une des meilleures expériences qui m’ait été offert et que je suis plus qu’heureux d’avoir pu participer à cet évènement.

Au delà de toutes ces considérations personnelles, il faut garder en tête que ce concert est aussi un point majeur dans la carrière de Nana car arriver en tête des charts Oricon est une performance plus que remarquable mais se produire au Tôkyô Dôme est un honneur tout particulier. Non seulement il s’agit de la plus grande salle de concert de tout le Japon mais en plus elle est la 8ème artiste féminine solo à pouvoir se produire dans cette salle depuis son ouverture en 1988. De plus, il faut garder en tête que se produire au Dôme était son rêve depuis toujours et j’affiche une certaine fierté à pouvoir dire que j’étais présent pour cette occasion si spéciale.

De mon point de vue, s’il y avait bien un seul concert auquel je voulais assister c’était bien celui-là car je considère en tant que fan qu’il a vraiment une portée symbolique plus importante que tous les autres. Même si j’espère quand même pouvoir aller à d’autres de ses concerts à l’avenir, je suis vraiment plus qu’heureux d’avoir pu au moins assister à celui-là et encore une fois je tiens à remercier tous ceux qui m’ont aidé pour m’avoir permis d’être présent ces deux soirs là et je sais pertinemment que sans leur aide tout ceci aurait été impossible.

J’ai encore bien des choses à partager sur ces deux jours de concerts mais je pense avoir dit l’essentiel et j’avoue quand même vouloir garder jalousement quelques fragments de souvenirs plus précieux que les autres. Néanmoins, je encore une fois remercier tous ceux que j’ai pu rencontrer au cours de cette aventure et qui ont contribué à la rendre si unique, et oui je me permets d’utiliser ce terme car ça reste encore un moment exceptionnel à mes yeux.

Pour rester égal à moi-même, je vous offre une photo d’un des instants finaux du concert juste pour le plaisir :

Authentique !

Liens annexes :

Aussi un grand merci à zratul [-> Blog: Carnet d'une spatule /Twitter@zratul] qui a accepté de réaliser les deux 4-koma qui m’ont permis d’égayer un peu le billet.

]]> http://blog.eientei.net/2011/12/20/nana-mizuki-live-castle-2011/feed/ 7 Le mariage de Maaya Sakamoto http://blog.eientei.net/2011/08/13/le-mariage-de-maaya-sakamoto/ http://blog.eientei.net/2011/08/13/le-mariage-de-maaya-sakamoto/#comments Sat, 13 Aug 2011 16:36:59 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=888

C’était il y a près de 15 ans…

Les années 90 sont loin derrière nous et de l’eau a coulé depuis Escaflowne, série qui aura lancé la carrière de Maaya Sakamoto dans les cieux. Elle est loin la jeune Maaya qui nous gratifiait de fantastiques collaborations avec Yôko Kanno, Kiseki no umi résonne encore dans le coeur de la plupart d’entre nous comme le plus bel exemple de ces collaborations ; elle en aura fait du chemin depuis ces 15 dernières années de carrière et vu la situation actuelle, on peut espérer  qu’elle n’est pas prête de s’arrêter de sitôt.

Malgré toutes ces années qui se sont écoulées et ses rôles bien loin de la naïveté d’une Hitomi Kanzaki, que ce soit Mari Illustrious Makinami ou Ryôgi Shiki pour ne citer que des exemples récents, j’avais toujours gardé en tête cette image d’une Maaya qui entrait dans le début de sa vingtaine à la fin des 90 jusqu’aux débuts des années 2000 – la même Maaya qu’on peut retrouver en photo sur les pochettes de ses CDs ou dans le magazine [-> photo de la couverture] vendu à l’occasion de son concert GIFT au Budôkan qui fêtait ses 15 ans de carrière en 2010.

Même en feuilletant ce magazine ou en visionnant le blu-ray de son concert GIFT [-> photo du ruban bonus qui venait avec les premiers tirages (une couleur au hasard parmi bleu, rose et or)], la Maaya trentenaire que je voyais était encore à mes yeux et dans mon esprit la Maaya de 20 ans qui m’accompagne depuis le collège et c’est pour ça qu’on peut dire que cette annonce de mariage avec le seiyû Ken’ichi Suzumura m’a fait prendre une douzaine d’années dans la figure d’un coup.

Au delà des blagues que l’on peut faire à propos de Lunamaria et Shinn Asuka, Zack et Aerith, Sayaka et Shyamalan ou Shiki Ryôgi et Cocteau, cette annonce était aussi l’occasion pour moi de me rendre réellement compte qu’elle avait dépassé la trentaine et donc pouvait être considérée comme « vieille » selon les standards des Japonais. Pour citer (approximativement) mon professeur de Japon contemporain : « une femme japonaise c’est comme un gâteau de Noël, après 25 c’est plus bon donc faut jeter à la poubelle… Mais comme les Japonais sont des gens merveilleux, ils se sont rendus compte que ça faisait peut-être un peu trop jeune du coup ils ont repoussé ça au nouvel an donc au 31″.

Sans vouloir me lancer dans un discours sur la société japonaise et de comment sont perçues les femmes célibataires de plus de 30 ans, principalement parce que je n’estime pas maîtriser la question et que de toute ce n’est pas le sujet, je me contenterai juste de lui souhaiter tout le bonheur du monde

Mis à part si vous êtes du genre à vouloir vous retrouver dans les titres d’otabloïds (pour ne pas citer le complexe du triangle, vous savez de qui je parle) en détruisant votre collection dédiée en apprenant que l’objet de votre affection a déjà eu un petit ami ou de ceux qui aiment scander des « MAI WAIFU » à divers endroits de l’internet voire encore pire ceux qui annoncent leur suicide sur divers réseaux sociaux (sisi), cette annonce ne devrait pas avoir d’impact majeur sur votre vie.

Cela dit, c’était aussi l’occasion pour certains de se poser autour d’une table (virtuelle) et de partager leurs vieux souvenirs liés à Maaya et/ou de se repasser ses albums/chansons qui ont du sortir de la playlist pour faire de la place à d’autres chansons (je ne sais pas si vous êtes comme moi mais j’aime bien renouveller ce que j’écoute de temps en temps ou faire des playlists sur le moment pour correspondre à mon humeur et mes envies) histoire de passer un agréable moment d’évasion avant de retourner à d’autres activités.

Pour finir petit bonus, l’annonce de son mariage, traduite avec soin par l’ami DarkSoul :

Message de Maaya Sakamoto à tous

J’ai une nouvelle que je souhaite annoncer à vous tous qui me soutenez à chaque instant.
Le 8 août, moi, Maaya Sakamoto, ai épousé le seiyuu Ken’ichi Suzumura.

Dans ma vie jusqu’à présent, mettre la priorité sur ce que j’aime faire, ce qui me rendait heureuse, qui me mettait en confiance a toujours servi à me guider vers l’avenir.
Il en va de même pour mon mariage, car c’est parce que le moment où j’ai éprouvé du fond de mon coeur l’envie de me marier, est venu naturellement, que j’ai suivi mon coeur.
Suzumura est quelqu’un avec qui je me sens au calme, quelqu’un de très doux.
Pour pouvoir rester moi-même, tant en tant que chanteuse qu’actrice, avoir un tel partenaire auprès de moi, auprès de qui je puisse me reposer, me remplit d’espoir pour l’avenir.
C’est pourquoi je serais heureuse d’avoir votre bénédiction pour cet évènement.

Je continuerai mes travaux avec plus d’ardeur que jamais, aussi je m’en remets à votre bienveillance.

Maaya Sakamoto

Texte original en japonais [-> Source] : Show ▼

Je crois que tout est dit ; comment résister lorsque c’est demandé avec tant de grâce ?

P.S. : NON ceci n’est pas une raison suffisante pour que je deploie Lunamaria et Shinn dans Super Robot Taisen Z2. En espérant reprendre une activité sur ce blog plus consistante rapidement.

ne pas cliquer: Show ▼

]]> http://blog.eientei.net/2011/08/13/le-mariage-de-maaya-sakamoto/feed/ 1 3 ans plus tard… http://blog.eientei.net/2011/06/03/3-ans-plus-tard/ http://blog.eientei.net/2011/06/03/3-ans-plus-tard/#comments Fri, 03 Jun 2011 06:36:14 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=760 Quand je dis que je suis vraiment mauvais pour me souvenir des dates d’anniversaire, je pense pouvoir prendre pour exemple concret le fait que j’ai oublié le second et troisième anniversaire de ce blog, la première fois à cause d’affaires personnelles qui me tenaient suffisamment éloigné et la seconde par simple oubli de ma part.

Voilà donc un peu plus de 3 ans que ce blog existe et il est temps de dresser un petit bilan.

Illustration par iwaki [-> profil pixiv]

La première chose à noter est bien sûr le grand hiatus dans lequel ce blog est tombé pendant presqu’un an, il y a certes eu de l’activité depuis avril 2010 comme avec le billet sur Gundam 0080 [-> Noël 2010: War, war never changes...] ainsi qu’une demi-douzaine d’autres articles mais seul celui sur Sengoku Rance [-> 膣内射精された狂喜] m’avait réellement satisfait et il faudra attendre celui sur AnoHana [-> Ce trèfle dont on ne connait pas encore le nom] pour en avoir un autre qui, bien qu’écrit de façon très brute et juste après mon visionnage des épisodes sortis sans aucun travail préalable de réflexion, s’harmonise avec mes propres standards. Pour la petite anecdote, ce dernier billet a été écrit et publié le jour anniversaire du blog, ce qui ajoute une douce note d’ironie à la chose mais passons…

Les problèmes techniques successifs, dont le gros crash de mon ancien hébergeur qui m’avait fait perdre la base de données contenant tous les articles, ont beaucoup contribué à abattre ma motivation pour écrire ce qui me passait par la tête et même si cela ne m’a pas empêché de produire un gros pavé où j’y déversais un peu tout au fur et à mesure [-> Été – Le moé, le cancer et ta mère] dont j’étais relativement content (autant pour l’exercice que pour le côté défouloir de la chose), il faut avouer qu’au final, niveau productivité c’était vraiment loin d’être ça.

On remarquera quand même une activité plus importante au cours de ces derniers jours, j’avoue que pouvoir me lâcher sur AnoHana a été plus que rafraîchissant et bien motivant même si je sens que j’ai beaucoup plus de mal à écrire librement comme j’avais pu le faire à mes débuts. Je dois quand même reconnaître que je lis et (fatalement) j’écris beaucoup moins qu’il y a quelques années, qu’il s’agisse de blogs, de livres ou d’autres formats, et malheureusement cela se reflète dans mes écrits qui sont chargés d’un français beaucoup plus lourd et lire, avec des tournures parfois sorties de l’espace et un niveau global moins brillant. Non pas que je considère que j’étais une fine plume par le passé mais je dresse juste le constat d’une baisse de qualité dans mon style d’écriture et j’espère pouvoir y remédier mais c’est comme mon apprentissage actuel du japonais : seule une pratique régulière me permettra de m’améliorer. L’autre possibilité étant bien sûr d’assumer mes erreurs de jeunesse et me retirer complètement mais comme je tiens quand même à retenter l’expérience en espérant que cette fois-ci ce sera la bonne.

Il est tentant de parler de nouveau départ mais plutôt que de faire table rase du passé pour repartir de zéro, je préfère plutôt remettre certaines choses dont les motivations principales qui me poussent à écrire. Comme beaucoup d’idéalistes à leurs débuts, je voulais juste un espace personnel où partager mes réflexions, mes coups de coeur, ma frustration et bien d’autres choses mais avec le temps, les idéaux de départ s’estompent et laissent place à la flemme et la procrastination, les grands maux universels. Je ne cacherai pas que comme beaucoup, j’apprécie quand j’ai des commentaires non pas pour flatter mon égo (bon ok un peu quand même, ne soyons pas hypocrites) mais surtout lorsque cela provoque des débats intéressants mais force est de reconnaître que l’envie d’avoir des commentaires peut biaiser et affecter en mal certains billets et cela m’a fait abandonner plusieurs brouillons pourtant bien avancés.

Avec le temps et l’expérience, j’arrive à mieux contrôler mes écrits et mieux les focaliser sur mes intentions de départ et non pas pour tenter de provoquer gratuitement un débat. Autant j’aime discuter autour de ce que je peux lire et regarde avec des personnes d’horizons divers, autant je considère qu’écrire uniquement pour aller à la pêche aux commentaires est un indicateur que je me suis perdu en chemin et qu’il est temps de revenir à des valeurs plus simples et d’appliquer mon concept favori de KISS (Keep It Simple, Stupid). Cela peut sembler un tantinet naïf et hypocrite mais j’ai la conviction que c’est en mettant de côté son envie d’attirer l’attention et d’avoir le maximum de commentaires qu’on obtient le style le plus épuré et le plus agréable à lire ; le plaisir d’écriture que tire l’auteur de ses publications marchant aussi en synergie avec la qualité de ses billets. Si j’écris ces lignes, c’est aussi pour me laisser une piqûre de rappel éventuelle si jamais je me reperds en chemin dans mon aventure du blogging.

Une autre solution pour améliorer sensiblement la qualité de mes publications serait de prendre un relecteur mais j’avoue que cela trahirait l’esprit dôjin que j’aime tant donc c’est non. Ou alors peut-être parce que transiger avec la qualité ça va bien un moment donc je verrai bien selon mes humeurs et comment évoluent mes écrits.

Pour la petite parenthèse éditoriale, j’essaye de moins inclure sauvagement des images récoltées à divers coins du net, dont entre autre et surtout pixiv, non pas par acquit de conscience mais juste qu’il est parfois difficile de retracer l’origine des images que je trouve et qu’il me semble nécessaire de pouvoir fournir le lien vers la source quand il s’agit d’illustrations amateurs, rien que par respect. Bien sûr ça n’en reste pas moins de la ré-utilisation d’images sans autorisation préalable et c’est pourquoi je tente de limiter autant que possible cette pratique quite à perdre en mise en page ; estimant que même si les images rendent la lecture plus agréable, leur absence n’est jamais une fin en soi et je préfère donc encore avoir un texte plus condensé avec moins d’images parasites, aussi divertissantes soient-elles.

Dans le même style, vous aurez pu remarquer que je tente de soigner la mise en page des hyperliens et que je cherche encore l’équilibre idéal, c’est certes me donner du mal pour pas grand chose mais ça fait partie des petites fantaisies qui me passent par la tête de temps à autre.

Comme j’aime bien les petites anecdotes, j’ouvre une seconde parenthèse pour parler rapidement du tumblr que j’avais ouvert [-> 絶対領域の扉 - Zettai Ryouiki no Tobira pour les non-japonisants] qui m’avait permis, l’espace de quelques semaines, de m’essayer au blogging en anglais et même si cela n’a pas perduré, j’avoue avoir trouvé plus de facilités à exprimer mes idées dans la langue de Shakespeare que dans celle que j’utilise au quotidien. On pourrait expliquer ce petit paradoxe par le fait que la majorité des mes lectures un minimum structurées sont en anglais et que j’ai cultivé un français beaucoup plus « oral ». L’anglais me permet souvent de condenser mes idées dans des phrases simples tandis que lorsque je tente d’exprimer les mêmes idées en français, le résultat est beaucoup plus long et plus chargé, ayant un style d’écriture en français très verbeux/verbose en opposition avec un anglais parfois très expéditif. J’imagine qu’encore une fois, j’ai besoin de vraiment augmenter mon volume d’écriture mais aussi de lecture…

 

Pour changer de sujet, il s’est quand même passé beaucoup d’évènements dans ma vie réelle depuis le dernier bilan anniversaire, entre la suite de mon séjour aux USA qui m’a permis de participer à quelques conventions anime locales : à savoir la Fanime et l’Anime Expo de 2009, les débuts de mon apprentissage de la langue japonaise de façon sérieuse et surtout pas mal de rencontres avec divers membres de l’otakusphère francophone et aussi internationale qui ont pu déboucher sur des amitiés et qui perdurent encore à l’heure actuelle. Au delà des simples échanges d’avis sur ce qu’on lit et ce qu’on regarde, j’ai quand même eu l’occasion d’aller plus loin que le stade de « simple connaissance du net » avec certaines personnes que je vois de façon plus ou moins régulière maintenant, pour les français du moins, et d’autres à l’étranger à qui je dois au moins une visite de courtoisie, ce qui me donne des excuses pour assister à diverses conventions dans le monde – il me manque juste les fonds et le temps pour ça, mais je compte bien découvrir le visage des conventions à l’étranger.

Comme beaucoup de monde, assister à l’Epitanime et à la Japan Expo est quasiment devenu une sorte de rituel annuel et cette année ne fera pas exception même si le programme n’est pas forcément des plus intéressant comme ce fût le cas de l’Epitanime de cette année. Comme pour une partie des gens que je fréquente, les grosses conventions de ce genre sont de très bonnes occasions pour rencontrer diverses personnes du net qu’on a pas l’occasion de voir tous les jours, entre autre à cause de la distance mais aussi de nos occupations personnelles le reste de l’année, et rien que ce point justifie largement le déplacement chaque année – même si j’avais été réquisitionné en tant que photographe l’année dernière pour assister des amis côté presse, du moins pour le week-end vu que j’étais en stage en semaine.

Sans trop rentrer dans les détails, mon expérience des conventions US, avec les éditions 2009 de la FanimeCon et de l’Anime Expo, présente un assez fort contraste avec celle des conventions françaises :

  • Tout d’abord les lieux de la convention, pas de règle générale mais on remarquera quand même que les conventions américaines se déroulent au coeur des villes, que ce soit dans de grands hôtels à plusieurs étoiles ou dans des centres d’expositions au milieu de quartiers habités et où l’on peut trouver pas mal de commerces et de restaurants pas très loins.
  • Certains se plaignent du prix d’entrée de la Japan Expo qu’ils considèrent comme élevés mais le passe pour une journée dans une convention US oscille généralement entre 30 à 50 dollars bien qu’acheter une entrée qui couvre l’intégralité de la convention amortit énormément le prix. De plus, tous ceux qui assistent à la convention se voient remettre un badge à l’entrée, ce dernier, nominatif, permet d’entrer et sortir à volonté pour notamment se restaurer à l’extérieur.
  • Les fameux panels ou conférences qui ne se limitent pas seulement aux professionels mais sont aussi ouverts à des intervenants « amateurs », on y retrouve donc des sujets pouvant être extrêmement variés mais dont la qualité est très soumise à la préparation et aux talents d’orateur des conférenciers. On assistera donc avec plaisir à des discussions portant parfois sur des sujets sortant des sentiers battus concernant par exemple de la scène dôjin, de l’expansion de Hatsune Miku et de Vocaloid en règle générale via NicoNico ou de l’univers des Visual Novels où il faudra quand même montrer une preuve qu’on est majeur pour pouvoir y assister. Comme avec les Japonais, il est de bon usage d’apporter ses cartes de visite lorsque l’on souhaite récupérer celle des conférencier, certains les donnant librement mais la plupart préfèrent pratiquer l’échange, considéré comme plus sérieux.
  • En ce qui concerne les panels des professionels de l’industrie, ils reflètent assez bien les tendances de consommation des Américains : l’enthousiasme ressenti lors des conférences est largement plus forte dans les conférences des sociétés portée sur les anime et reste donc cohérent avec la tendance américaine tournée vers la consommation d’anime plus que de manga, un peu le contraire de la France. Pour la petite anecdote, j’ai pu échanger quelques mots avec certains chasseurs d’autographes qui cherchent non seulement les signatures des invités japonais mais aussi des Américains travaillant dans l’industrie comme le président de FUNimation ou divers employés importants et hauts placés de Bandai Entertainment par exemple.
  • Petit bonus : Il s’est déroulé un panel sur l’animation, animation au sens propre, japonaise lors de l’Anime Central de cette année. Pour les amateurs de sakuga, voir la news [->That Scene was Awesome: Japan's Iron Animators (Sakuga Anime)] chez Catsuka. Merci à Tetho pour la suggestion.
  • Là où on se moque et critique volontiers les acteurs francophones spécialisés dans le doublage, les Voice Actors américains jouissent pour certains d’une véritable popularité et certains arrivent à attirer assez de gens pour faire salle comble dans les panels auxquels ils participent. A ce propos, j’ai eu le plaisir de discuter pendant quelques minutes avec Jonathan C. Osborne, surnommé « L’homme aux 1000 morts » à cause de ses rôles dans Hokuto no Ken et bien d’autres séries où les personnages à qui il prêtait sa voix avaient sans aucune exception un destin plus que funeste. J’ai pu apprendre par cette occasion qu’il était lui aussi un très gros consommateur d’anime, surtout ceux des années 90s, et a proposé, avec son collègue de conférence, à notre petit groupe resté après la fin de la conférence de faire un tour ensemble dans la Dealer Room histoire de nous offrir des recommendations à propos des revendeurs et de la qualité de ce qu’ils vendaient. Conséquence de cette petite balade improvisée : je suis ressorti de la salle avec le box de Princess Tutu et de Giant Robo, achetés pour 20$ chacun, merci donc à eux de m’avoir aidé à trouver les meilleurs prix.
  • On notera aussi une nette séparation entre la zone d’activité et celle où les vendeurs professionels se trouvent, généralement tous réunis dans une zone à l’écart très justement nommée Dealer Room, au moins on s’y retrouve plus facilement dans la convention.
  • Côté fanzines, certains auront noté qu’à la dernière Epitanime les fanzines étaient retranchés tout au fond du sous-sol/forum et faisaient peine à voir tellement ils avaient l’air de parias tous parqués là où peu de monde s’aventurera. Aux US of A, les fanzines ont droit aussi à un espace dédié, délicatement appelé Artists Alley et même s’ils se situent parfois dans des salles périphériques de la convention, ils bénéficient quand même d’un large espace.
  • Toujours dans cette fameuse Artists Alley, il est parfois même possible de croiser les invités japonais qui savent dessiner et les plus chanceux (et audacieux) peuvent obtenir une dédicace – sur commission payante, pratique très ancrée du côté des conventions anglo-saxonnes et les prix pouvant varier de 20 à plus de 60 dollars selon l’artistet mais aussi selon la demande, certains acceptant des commissions couleurs.

Cette liste succincte est loin d’être exhaustive et j’y ai surtout mis ce qui m’avait marqué par rapport à ce que j’ai pu vivre lors de mes nombreuses Epitanime et Japan Expo. J’avais aussi eu la chance d’assister au 75ème Comiket en décembre 2008 mais comme la différence de nature justifierait un billet complet et que différents dossiers complets sur le Comiket sont trouvables, je ne me lancerai pas dans une comparaison et vous invite plutôt à lire le dossier de Mata-Web qui y est consacré [-> Comiket : 30 ans de passion - Mata-Web].

Comme dit plus haut, je ne compte pas limiter mon expérience des conventions étrangères à ces deux là et m’être lié d’amitié avec d’autres fans et anibloggers à l’étranger me permet déjà de dresser une liste de conventions auxquelles assister lorsque mes finances et mon calendrier me permettront. La première sur cette liste est l’Anime Festival Asia qui se déroule à Singapour, la motivation principale étant de pouvoir enfin rencontrer certains bloggers habitant en Asie du Sud-Est mais aussi de profiter de la convention, leurs invités étant loin d’être inintéressants. La seconde sur la liste serait l’Anime North de Toronto car encore une fois j’ai certaines personnes à y rencontrer. Je ne sais pas encore quand je pourrai avoir l’occasion de me permettre ce genre de petits voyages et j’étudie régulièrement mes possibilités pour pouvoir quand même accomplir ça le plus tôt possible.

En parallèle, j’essaye aussi autant que possible d’inviter ces mêmes confrères étrangers à venir en France, et pourquoi pas à l’occasion de la Japan Expo par exemple, mais la barrière de la langue française étant assez importante, les probabilités restent malheureusement minces.

Dernier point en ce qui concerne mes échanges avec l’étranger : j’ai pu avoir la chance de participer à une contribution pour le dôjinshi japonais Animerca vendu au Comiket ; avec d’autres figures de l’otakusphère francophone, nous avons discuté autour du thème suivant : « La situation actuelle du fandom anime et manga en France ». Le contenu de ces discussions a été compilé et traduit en japonais et sera intégré dans le prochain numéro de l’Animerca.

Enfin bref, je n’ai pas trop eu l’occasion de m’ennuyer ces dernières années et même si le blog a connu une longue période d’inactivité et de semi-activité doublée d’une baisse de qualité, je n’ai pas encore dit mon dernier mot et j’espère ne pas manquer le prochain anniversaire de ce blog en 2012. Sur ce je retourne étudier mon japonais pour éviter de commettre des faux pas qui seraient considérés comme impolis.

P.S. : Petit cadeau pour les fans de AnoHana, un petit générateurs de fonds d’écran a été mis en place sur le site officiel. Il vous sera demandé de télécharger et d’installer une police [-> lien de téléchargement de la police] pour pouvoir écrire un message dans le cadre prévu à cet effet. Vous pourrez ensuite télécharger le fond d’écran nouvellement créé (en 1920 x 1080 pixels) mais aussi le publier sur votre compte twitpic pour ceux qui sont sur Twitter. Par souci de cohérence avec la série, seuls les hiragana et katakana sont utilisables, donc désolé pas de « Je t’aime nyo » possible. [-> きょうのめんま]

Si cette initiative n’est pas l’idée la plus adorable qui existe pour vous, vous êtes vraiment un monstre.

omake :  [-> image créée par mt-i | parodie de Friday de Rebecca Black]

]]> http://blog.eientei.net/2011/06/03/3-ans-plus-tard/feed/ 3 I love K-ON! http://blog.eientei.net/2011/05/31/i-love-k-on/ http://blog.eientei.net/2011/05/31/i-love-k-on/#comments Tue, 31 May 2011 18:51:28 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=642 Cet article est garanti 100% cancérigène

J’ai toujours été dérangé par le terme « light music » que j’ai du mal à utiliser en français, « musique populaire » sonnant mieux à mes oreilles que « musique légère ».

Avant-propos : Cet article va aborder des sujets et des thèmes considérés comme à caractère pornographiques et parfois extrême. Sa lecture est donc plus que déconseillée aux âmes sensibles et à ceux au travail. En gros : NSFW même si aucune image de nature pornographique ne sera postée.

Il y a bien longtemps, ma curiosité fut piquée au vif par un doujinshi K-ON! qui portait comme titre « Requiem 5 a Dream » par le cercle Takotsuboya [-> site officiel de Takotsuboya - NSFW] et environ 60 pages plus tard, je ne savais plus trop quoi penser ; entre les penchants masochistes de Ui et Mio, il y avait une aura malsaine qui flottait au dessus de ce doujinshi et qui ne manquait pas de provoquer un certain malaise mais au delà de ces abus sexuels totalement gratuits, il y avait aussi une vraie trame de fond en dessous de cette couche de crasse.

Plusieurs mois se sont écoulés depuis cet évènement et j’avais presque oublié l’existence de ce dôjinshi jusqu’à ce que cdt (oui encore lui) ne me mentionne sur IRC l’existence d’une suite et bien que j’avais encore un vague souvenir de dégoût, la curiosité l’emporta et je plongeais donc une fois de plus dans l’enfer dépeint dans ces pages. Pour être tout à fait franc, la lecture du second doujinshi – Manbiki JK Sei K-ON!-bu (万引きJK生けいおん部) fut une expérience plus que désagréable et je dus me faire violence pour me lancer dans le troisième volume – Yui Hirasawa’s THAT’S IT qui finira d’ancrer à jamais cette trilogie dans ma mémoire.

Alors pour ceux qui se demandent ce qui peut bien se cacher à l’intérieur de ces pages au delà de la citation tirée de la Bible dans les premières pages : on a droit à une relecture de K-ON! par l’artiste qui nous présente une première histoire qui revisite les moments du club lors de leur vie lycéenne et d’une seconde qui relate l’avenir des filles après lycée avec des points de vue alternatifs même si le dernier volume se concentre beaucoup sur celui d’Azunyan. Dans cette ré-interprétation de K-ON!, l’auteur pose le personnage de Yui comme un génie absolu qui possède une aura autour d’elle qui fait que tous ceux qui entre en contact avec elle ne restent jamais indifférent.

Désolé pour le montage foireux, lisez les pages de gauche à droite mais de droite à gauche à l’intérieur de celles-ci.

Yui fascine les gens, que ce soit ses fans une fois qu’elle est devenue une musicienne professionelle ou ses anciennes amies du lycée qui ont toutes pris des chemins différents, entre une Ritsu devenue coursière pour une société de livraison, Mio suivant un parcours professionel classique pour une femme japonaise, Azunyan qui essaye tant bien que mal de suivre les traces de Yui dans la musique avec plus ou moins de succès et pour finir une Tsumugi qui suit une voie tracée par sa famille et finit mariée avec un riche anglais et vit sa vie loin de ses anciennes amies. Je mets de côté Ui qui reste aussi transparente et sans-interêt que dans la série avec son amour pour sa soeur mais ravira peut-être les amateurs de filles perverses à tendances masochistes…

La première partie lorsqu’elles sont encore au lycée est loin d’être la plus intéressante même si on assiste à plusieurs moments savoureux dont celui où les membres du club -minus Azunyan- expriment leur frustration par rapport au talent inné de Yui car en dépit de leurs efforts, elles savent que jamais elles ne pourront l’égaler et Mio frôlera même la crise de nerfs et sera pas loin de commettre l’irréparable vis-à-vis de la guitare de Yui. Cette jalousie perdurera même dans les années post-lycée et Mio est surement celle qui en souffrira le plus et sera celle qui aura le pire avenir dans le lot : non content de sortir avec un homme d’âge mur entre autre pour l’argent -et pour satisfaire ses tendances masochistes-, elle s’enfermera aussi en grosse hikikomori qui partage ses journées entre masturbation, snacks (qui la feront prendre pas mal de poids de façon visible) et surf sur internet sur des simili 2ch et autres nico nico douga.

Mis à part l’ironie de la dernière case, vous remarquerez mes super talents de découpage / remontage d’images.

Les passages pornographiques dans ce dôjinshi sont pour la grande majorité, et n’ayons pas peur de le dire, complètement superflus et plombent une narration qui s’en serait bien passée – surtout dans le second où Mugi qui s’adonne à des délires scatophiles sur la plage n’apporte strictement rien et rebutera plus d’un lecteur. Néanmoins, le reste est suffisamment riche pour que je m’attarde quand même pour écrire dessus. Bien sûr parler d’une Mio qui fait sa prostituée puis devient la risée de nico nico douga après qu’elle ait fait une vidéo d’elle changant une chanson de Yui en maillot de bain et en faisant tomber le bas n’est pas forcément ce qu’il y a de plus engageant mais dans ce cas précis, ça renforce la ré-interprétation, certes extrêmiste, du personnage de Mio – au grand désespoir des acheteurs de basses pour gauchers.

Si je parle beaucoup de Mio, en fait c’était surtout pour attirer le chalant mais bon elle n’occupe pas la place la plus importante dans cette série de dôjinshi qui fait la part belle à Yui et en ce qui concerne cette dernière, elle devient donc, avec l’aide de leur prof, une chanteuse pro avec une carrière fulgurante qui la propulse très vite en tête des charts et participe à des émissions  avec des parodies de L’arc-en-ciel, AKB48 (devenues AK47, notez la subtilité) ou Mr. Children pour ne citer qu’eux ; le public adorant ses chansons simples et porteuses de bonne humeur de façon générale, correspondant parfaitement à l’image du personnage.

Cependant, le milieu du show-business peut se montrer totalement sans pitié et Yui devra subir les attaques de tabloïds qui déformeront ses propos -petite pensée à l’ami Artefact du complexe triangulaire- et se retrouvera aussi confronter aux divers problèmes liés à l’industrie musicale dont notemment : la drogue, ce qui justifiera son surnom de Jimi Hendrix japonaise qu’on peut lire dans certaines pages – par chance (?) elle évite le destin de beaucoup d’idol japonaises à savoir actrice de JAV même si le sort qui lui est reservé n’est pas des plus enviable. Le point culminant du scénario étant bien entendu la mort de Yui par overdose de cachets pendant qu’elle écrivait sa chanson pour son comeback et sans aucun glamour ; les sauts temporels entre les pages étant nombreux, ce passage reviendra plus d’une fois et sera montré de différents points de vue, montrant l’impact variable que sa mort a auprès de ses anciennes camarades, Azunyan étant la plus touchée.

Si on met de côté le personnage de Yui, celle qui aura le destin le plus intéressant est sans conteste sa junior : Azunyan qui, par chance, a droit à un focus tout particulier dans le dernier dôjinshi. De son propre aveu, là où ses camarades ont opté pour une vie normale à l’université et se sont pour la plupart mariées, elle continue à s’accrocher au souvenir de HTT et tente de se trouver sa voie dans l’univers du rock indie (indépendant pour ceux qui ne sauraient pas) mais se verra être confrontée aux dures réalités de ce monde et se fera notemment violer mais passons les détails… Ayant du mal a percer que ce soit dans un groupe ou en jouant dans la rue, elle trouvera quand même une niche où se réfugier en caressant les otaku et autres nicochû (les gros fanas de nico nico douga) dans le sens du poil en commençant d’abord par chanter des chansons de Vocaloid dans la rue pour finir avec du cosplay à Akihabara à jouer les idol des rues avec tous les excès que vous pouvez imaginer.

Pendant ce temps, les californiens auront droit a leur concert de Hatsune Miku en 3D [-> mikufes].

Au delà des simples délires de l’auteur, ce dernier tente quand même de faire plus que simplement raconter une histoire tordue ; à travers le chemin de ronces d’Azunyan, il ré-utilise un thème qui lui est cher à savoir : le parcours difficile pour devenir un artiste reconnu, un sujet qui reflète la vie de l’auteur qui a beaucoup lutté pour devenir un mangaka publié par un éditeur sans obtenir cette reconnaissance professionnelle. Heureusement, tout n’est pas nihiliste et Azunyan et Mio parviennent quand même à trouver une voie pour s’en sortir, Mio devenant assistante de Ritsu dans sa société de livraison et Azunyan travaillant dans un magasin de musique où on peut la voir faire des recommendations et notemment pour l’album posthume de Yui.

Donc voilà tout ce pavé juste pour parler d’environ 200 pages de dôjinshi au contenu plus que douteux mais avec des idées scénaristiques qui se révèlent être plus qu’intéressantes et surtout plus prenantes que ne l’a été l’anime ou le manga dans mon cas. J’aime bien présenter cette trilogie comme « ce que K-ON! » aurait dû être mais c’est bien sûr totalement gratuit comme toutes ces scènes H dont je me serais plus que passé et qui parviendraient presque à faire oublier les bonnes idées que l’auteur a pu avoir. Si on me demande si j’en recommenderais la lecture, je ne répondrai pas totalement de façon positive, il est difficile de se passer des scènes de sexe et l’intensité de certaines pourra choquer plus d’une âme sensible donc c’est à vos risques et périls si vous décidez de vous lancer dedans. Pour les plus courageux (ou pervers) : bonne lecture.

Pour ceux qui voudraient les lire, tous les éléments clés pour les trouver sont présents, pour le reste : débrouillez-vous.

P.S. : le dernier article sur pokemon vient bien sûr de ma co-éditrice qui s’amuse à spammer mon blog inutilement, j’ai bien sûr choisi le starter plante comme tous les gens de bons goûts.

]]> http://blog.eientei.net/2011/05/31/i-love-k-on/feed/ 10 Ce trèfle dont on ne connait pas encore le nom http://blog.eientei.net/2011/05/19/ce-trefle-dont-on-ne-connait-pas-encore-le-nom/ http://blog.eientei.net/2011/05/19/ce-trefle-dont-on-ne-connait-pas-encore-le-nom/#comments Thu, 19 May 2011 07:07:30 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=597 D’habitude j’aime laisser mes visionnages d’anime les plus récents décanter un peu (genre 24h) avant de vouloir écrire quelque chose dessus, surtout quand j’ai des exams le lendemain, mais vous savez, il y’a des fois où on est vraiment portés par quelque chose au point de ne pouvoir se concentrer sur autre chose. Pour diverses raisons j’avais repoussé mon visionnage de AnoHana (ou あの日見た花の名前を僕達はまだ知らない pour les intimes, à vos souhaits) dans l’espoir que cdt puisse blogguer dessus et me donner une raison de le regarder (même si j’avoue que ce n’était pas l’envie qui manquait), un peu comme mt-i dont j’attends patiemment les louanges sur Angel Beats histoire de reprendre la série où je l’avais laissée, à savoir après le concert. Quoi qu’il en soit, je ne vais pas dire que je regrette de ne pas m’être lancé dedans dès la diffusion mais en tout cas je ne regrette pas d’avoir pris le train en route même si cela signifie une cruelle attente hebdomadaire pour avoir ma dose, tout en espérant que le niveau reste aussi bon après ces 5 premiers épisodes.

Le doux goût amer de la jeunesse.

En tant que fan de Honey & Clover [-> L'appel du miel et du trèfle par Kabu] et ayant vu passé certains tweet ainsi que des titres d’articles de blogs faisant la comparaison (que je n’ai toujours pas lu mais que je devrais tiens…) dans mon Google Reader, je n’ai pu m’empêcher de ressentir une certaine familiarité lors de mon visionnage. Tout en laissant de côté certaines considérations comme le statut de production originale et d’adaptation, la case noitaminA ou l’équipe à la production – le réalisateur Nagai Tatsuyuki ayant travaillé sur H&C mais le reste du staff est plutôt à retrouver du côté de ToraDora, on peut se lancer dans un petit exercice de fond sans tomber dans de vulgaires comparaisons.

P.S. : Ce qui suit ne concerne que les cinq premiers épisodes de AnoHana.

S’il y’a bien une qualité que partagent les deux séries, c’est bien l’excellente dynamique entre les personnages principaux qui vie avec une réelle consistance même si on n’échappe pas à certains « clichés » dans les personnages bien que ceux-ci sont loin de l’être complètement. Il n’en faudra pas longtemps pour certains pour qualifier Anaru (je me suis longtemps demandé si je devais utiliser son surnom ou plutôt son prénom, mais comme j’utiliserai les surnoms de tous les autres autant garder une certaine cohérence) de tsundere et même s’il est difficile de lui nier certains aspects tsundere, il serait réducteur de se limiter à une catégorisation totalement primaire, et il en va de même pour le reste du groupe.

Avec seulement un seul cour(s?) annoncé, là où H&C en bénéficiait de trois répartis sur deux saisons dont deux sur la première, la narration se retrouve fatalement condensée et ne peut s’offrir le luxe de prendre son temps pour développer chaque personnage et tisser son histoire. Malgré une densité plus forte dans la narration, AnoHana s’en sort sans lourdeurs dans son exercice de caractérisation et d’écriture, le tout porté par une réalisation effectuée avec soin avec des plans chargés de sens bien pensés.

Une mise en scène simple et efficace au service de la narration et des personnages.

A la différence de H&C qui nous plaçait dans une histoire où les personnages écrivaient l’impérissable histoire de leur amitié, dans AnoHana on se trouve dans la situation inverse avec un groupe d’amis d’enfance se sont séparés puis progressivement éloignés les uns des autres comme point de départ pour la série. Cette différence ne se limitant pas au simple synopsis, le profil des personnages s’en retrouve affecté : là où on avait de jeunes adultes dans la fleur de l’âge vivant à fond leur jeunesse étudiante, a contrario, à l’exception des personnages de Menma et de Poppo, les membres du groupe d’AnoHana trainent leur passé avec eux et le ton général de la série en devient beaucoup plus mélancolique. Bien que jouissant de personnages très hauts en couleur, H&C tire une grande partie de sa force à travers les différents liens plus ou moins complexes qui les unissaient et sur ce point, AnoHana n’a rien à envier à son prédécesseur, s’offrant même le luxe d’offrir une enfance commune à tous et en préservant une véritable crédibilité dans leurs relations futures, à l’opposé de nombre de séries qui échouent à développer des relations crédibles -surtout amoureuses- ou suffisamment solides entre les personnages.

Il est difficile de nier une certaine universalité dans la portée du message d’H&C mais le contexte étudiant fait que la série à beaucoup plus à offrir à un public ayant dépassé le secondaire ; AnoHana resituant son histoire dans un cadre lycéen et laissant aussi de la place à l’enfance, on est en droit de penser que AnoHana s’adresse à un public plus large. Outre ces premières considérations à la pertinence encore relative, on présente souvent H&C comme étant une compilation « des plus belles histoires d’amour » si on en croit les amis FFenril et Yuki, et bien que je ne peux pas moralement contredire cette affirmation, il est important de ne pas négliger les amitiés dépeintes dans H&C car elles forment le second moteur de la série – tandis qu’on peut inverser les proportions pour AnoHana qui répand ses touches de romance au fil des épisodes.

Bien qu’on retrouve ces thèmes de l’amour et de l’amitié traité de façon ressemblantes à divers moments, les deux séries se distinguent néanmoins sur le traitement accordé. Le contexte plus jeune de AnoHana la prive de thèmes comme le passage à l’âge adulte si cher à H&C mais cela ne signifie pas pour autant que AnoHana est une transposition de H&C au lycée et donc moins mature, les sujets abordés divergent avec les thèmes de l’enfance et de l’adolescence peu présents dans H&C. Peut-on dire pour autant que AnoHana a un potentiel moins « mature » que sa grande soeur ? Pas forcément, car comme dit juste avant : elle cultive sa différence et si elle parvient à s’achever sur une note positive, elle méritera d’être reconnue pour ce qu’elle est et non pas par rapport à d’autres séries.

Beaucoup moins portée sur l’humour que son aînée, AnoHana a néanmoins su, jusque là, éviter les écueils du pathos forcé dans la gorge du spectateur et sait faire preuve de retenue et de modestie quand il s’agit de transmettre des émotions au spectateur, fait suffisamment remarquable pour être mentionné. On ne peut espérer qu’elle continue sur cette bonne voie car on s’attache réellement aux personnages et on veut les suivre dans leurs retrouvailles tout comme on partageait les joies et les pleurs de chaque personnage de H&C parce qu’on arrive à s’y retrouver dans leur caractérisation, pas forcément s’identifier ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit, et qu’on développe une réelle empathie pour eux.

Tout en restant dans le thème de l’empathie, AnoHana parvient à créer un authentique sentiment de nostalgie chez le spectateur à travers ses personnages. Que ce soit les divers flashbacks sur les passages de leur enfance ou simplement l’atmosphère qui se dégage des aventures de nos héros, un public plus âgé ne restera pas totalement indifférent à l’écriture de la série qui, contrairement à ce qu’on aurait pu penser à cause du contexte lycéen, semble résolument destinée aux générations ayant dépassé le secondaire (dont je fais partie). De plus, la chanson choisie pour le générique de fin accuse encore plus ce sentiment de nostalgie, non seulement servie par une belle performance vocale des seiyû des héroines, les paroles de la chanson de ZONE offrent un véritable écho à la série ; impossible de nier la pertinence parfaite du choix de cette chanson qui recrée cette atmosphère si magique lors des diverses insert songs de Honey & Clover bien qu’ici, de façon très ponctuelle.

Pour finir dans la comparaison, ces deux séries parviennent à créer un cadre où la plupart des spectateurs y retrouveront leurs marques et cherchent à offrir une belle histoire sans fioritures et de contenu superflu. Avec autant de place accordée à l’émotion pure, difficile d’y placer des discussions philosophiques qui n’ont de toute façon pas leur place ici, il est juste question de suivre une simple histoire d’amours et d’amitiés, touchante et authentique, peut-on vraiment en demander plus ? On peut bien sur s’amuser à développer diverses théories sur ce qui va suivre, genre si oui et quand le moment Maeda Jun tant craint de Tetho tombera, ou se poser des questions telles que l’existence ou non du fantôme de Menma ou sur le voeu de cette dernière mais personnellement je me passerai volontiers de ce genre d’exercices sur AnoHana car il y’a des moments où je me contente juste de suivre l’histoire jusqu’au bout sans chercher à tout remettre en question à chaque chapitre avant la fin.

Sans être dénuée de quelques faiblesses, ce 5ème épisode ayant moins retenu mon attention, cette nouvelle série parvient à se hisser au dessus du reste de cette fournée de printemps et bien que tombant dans des comparaisons inévitables auprès d’un certain public, elle parvient tout de même à tirer son épingle du jeu et se créer une véritable identité, pour elle même mais aussi ses personnages, et jouer avec les émotions du spectateur dans le bon sens. Bien sûr, on est jamais à l’abri d’un naufrage scénaristique qui se fait vraiment plus que menaçant mais les possibilités pour qu’elle s’en sorte haut la main restent encore largement majoritaire pour ne pas avoir à y aller à reculons.

Bonus : les paroles de Secret Base de ZONE avec une traduction maison concoctée par l’ami DarkSoul.

Romaji : Show ▼

Français : Show ▼

http://www.youtube.com/watch?v=eFCHNgkfU10

懐かしい～

P.S. : bon c’est pas tout ça mais j’ai un semestre à ne pas rater.

]]> http://blog.eientei.net/2011/05/19/ce-trefle-dont-on-ne-connait-pas-encore-le-nom/feed/ 13 Par delà la vitre de la 2D, un appel à la libido pour l’Epitanime 2011 http://blog.eientei.net/2011/05/06/par-dela-la-vitre-de-la-2d-un-appel-a-la-libido-pour-lepitanime-2011/ http://blog.eientei.net/2011/05/06/par-dela-la-vitre-de-la-2d-un-appel-a-la-libido-pour-lepitanime-2011/#comments Fri, 06 May 2011 07:52:58 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=512 Gentlemen, avant toutes choses :

Maintenant que j’ai votre attention, permettez-moi, en tant que représentant de Madame Watanabe, présidente de La Banque des Adultes ♦, de vous parler du grandiose et F A B U L E U X projet de notre Organisation de la Croix Étincelante.

Vous n’êtes pas sans savoir qu’un évènement d’envergure mondiale approche à grand pas et l’heure n’est non plus à la PASSION ou aux gâteaux, mais bien à la LIBIDO et ce sera l’occasion pour chacun d’entre vous de faire éclater celle-ci au grand jour devant un public qui, devant une telle splendeur, ne pourra que se joindre à nous dans l’espoir de partager ne serait-ce qu’un soupçon de notre gloire qui rayonne à travers toute la galaxie.

Notre objectif sera donc d’investir l’Epitanime le samedi 21 mai et de se réunir dans la grande cour à 14h30 avec un masque doré, marqué de votre symbole, sur le visage, afin de dissimuler notre véritable identité, où nous y exécuterons le Kiraboshi.

Ceci est une opération conjointe avec d’autres sections de l’Organisation de la Croix Étincelante et ce sera accompagné de Boungainvilleae ♥, Vanishing Age ♠ ainsi que de Filament ♣ que nous exécuterons ce projet. Notre objectif sera d’être le plus nombreux possible pour marquer l’évènement de notre magnificence ainsi que les esprits de façon durable et éclatante.

Peu importe les raisons qui vous motiveront, qu’il s’agisse d’une loyauté sans faille envers notre organisation ou pour l’amour de Madame Watanabe, vous êtes tous gracieusement invités, sans distinction, à venir grossir nos rangs pour écrire un nouveau chapitre de notre légende ce jour là.

Si l’envie de nous rejoindre est présente mais que vous ne vous sentez pas dignes de participer à l’avènement d’une ère nouvelle, n’oubliez jamais que le statut de beau gosse galactique n’est pas réservé à une poignée d’élus, ni même aux hommes car on a bien des femmes qui jouissent de ce titre, et qu’il s’agit surtout d’avoir l’intime conviction d’en être un profondément dans son coeur sa LIBIDO. Si vous pensez donc avoir cette étincelle dans votre LIBIDO, venez-donc nous le prouver au grand jour !

綺羅～☆ et que votre LIBIDO resplendisse à jamais de toute sa gloire à travers toute la galaxie.

Post-scriptum :

Si vous ne disposez pas encore de votre masque, la plupart des boutiques de déguisement de votre ville se feront une joie de vous en fournir un pour un prix dérisoire et dans le cas où vous aurez oublié à quoi ressemble votre symbole, n’hésitez pas à consulter ce tableau récapitulatif (pas de restriction, faites vous plaisir et choisissez celui qui vous plaît le plus). Bonne chance et que l’esprit dôjin© soit avec vous

Veuillez trouver ci-joint un explicatif sur comment bien exécuter notre signe de ralliement gracieusement offert par Bougainvilleae ♥

]]> http://blog.eientei.net/2011/05/06/par-dela-la-vitre-de-la-2d-un-appel-a-la-libido-pour-lepitanime-2011/feed/ 13 Une nuit sur une machine volante imaginaire http://blog.eientei.net/2011/04/21/une-nuit-sur-une-machine-volante-imaginaire/ http://blog.eientei.net/2011/04/21/une-nuit-sur-une-machine-volante-imaginaire/#comments Thu, 21 Apr 2011 04:34:08 +0000 nyo http://blog.eientei.net/fr/?p=491 S’il y’a quelque chose de bien caractéristique aux productions de Ghibli et surtout celles du maître Miyazaki c’est bien ces engins volants avec des silhouettes plus ou moins fantaisistes. Allant des hommages aux pionners de l’aviation militaire dans Porco Rosso ou de l’appareil respirant à fond l’esprit dôjin de Pazu dans Le château dans le ciel, ces « avions » d’inspiration très occidentale contribuent au rêve en images que tisse pour nous Miyazaki dans ses films.

Dans ce billet il ne sera nullement question de parler de ces engins volants ni du court-métrage Kûsô no sora tobu kitaitachi quasi-exclusif au Musée Ghibli [-> site officiel - EN ] mais d’un album de musique produit par un groupe dont le nom est la traduction directe du titre du court-métrage, à savoir Imaginary Flying Machines. L’album Princess Ghibli (oui c’est son titre), publié par le label Coroner Records [-> site officiel / myspace] spécialisé dans le métal et associé (ma faible connaissance de ce milieu ne me permettra pas de détailler davantage le style musical) et comme vous l’avez bien lu, il s’agit d’un album de reprises de chansons de Ghibli arrangé dans une sauce métalo-hardcore-rock-etjenpasse… En bonus, une jeune fille probablement prépubère sur la couverture. Elle est pas belle la vie ?

Pour les curieux : la mise en bouche officielle via le youtube du label.

…

Quoi vous-êtes encore là ? Bon d’accord, je vais écrire un peu sur cet album si c’est vraiment ce que vous souhaitez…

A vrai dire, je suis loin de me considérer vraiment expert en musique donc ce sera avec le jugement de mon oreille d’amateur que je ferai un passage en revue partiel des 12 pistes qui forment cet album. Si vous vous demandez pourquoi je ne ferai pas une « critique » complète : la flemme et surtout que c’est un exercice qui m’est assez difficile à appréhender de façon vraiment honnête (plus de détails plus bas).

Avant toute chose, d’après ce qu’on a pu récolter comme informations, il semblerait que cet album soit parfaitement légitime et on peut supposer que les droits ont été acquis de façon propre ; l’album étant en vente dans les circuits de commerce réguliers au Japon -pouvant même se targuer d’une 4ème place dans les ventes de CDs là bas à l’heure de la publication de ce billet- devrait suffire à prouver la légalité de l’album. (Les liens pour se le procurer légalement seront donnés en fin de billet).

Bon commençons les hostilités :

1. Tonari no Totoro – Disarmonia Mundi & Sophia Aslanidou (Mon voisin Totoro)

Vous reconnaissez la trentaine de secondes de la preview youtube ? Bien.

Quelques secondes suffiront pour se retrouver dans un univers musical familier, on commence doucement avec quelques notes qui sauront éveiller un brin de nostalgie avant que la chanson ne nous rappelle à l’ordre et nous fait savoir avant la barre des 15 secondes que nous sommes dans un remix sauce métal et les premiers éclats de voix suraiguisés se font entendre.

Impossible de s’y tromper, on reconnait bien notre chanson préférée de Totoro mais dans un style qui a radicalement plus rien à voir avec la version historique, on a bien les paroles en japonais chantées sur le rythme de la chanson d’origine mais les voix criardes caverneuses et la guitare électrique sous adrénaline transforment totalement la chanson en une toute nouvelle avec sa personnalité propre.

Dès la première piste, le ton de l’album est donné. Partagée entre choeurs féminins, voix de gros métalleux barbu, solos de guitares sous amphèt’, on a droit à du lourd et l’album envoie la sauce d’entrée et, certains diront miraculeusement, on se surprend à avoir un sourire aux lèvres en l’écoutant et même tout en étant tout sauf fan du style musical, à arriver à trouver un certain plaisir malsain à l’écoute.

Piste d’ouverture accusant d’un bilan positif, elle offre une vraie cohérence musicale dans le sens où il ne s’agit pas là d’un bête remix de garage à faire saigner les oreilles mais d’un vrai travail musical qui transpire même pour un néophyte comme moi (bien sûr ce que je dis n’engage que moi, libre à vous de former votre propre opinion -surtout si vous êtes versés dans la musique-).

2. Kimi wo nosete - Disarmonia Mundi & Yoko Hallelujah (Le château dans le ciel)

Une ouverture un peu atmosphérique (en fait j’ai pas trouvé de mot pour décrire donc j’en sors un par hasard) suivie guitare déchaînée avant de retrouver des notes familières puis une voix féminine pour nous chanter les délicates paroles de la chanson. On se laisse porter par ce qui pourrait n’être qu’une énième ré-écoute de kimi wo nosete [-> Les mille et une version de Kimi wo Nosete - Animint.com] en plus active mais encore une fois, on retrouve nos métalleux des cavernes qui feront exploser leur voix en accompagnement à plusieurs reprises sur des moments clés de la chanson.

Sur ce qui correspondrait au second tier de la chanson, on a droit à un long solo qui loin d’être un ratage technique souffre quand même d’un manque d’harmonie avec ce qui avait été construit jusque là, on l’écoute sans déplaisir mais tout en se posant des questions sur sa pertinence dans son style en terme de cohérence avec le reste de la chanson autour. Malgré ce petit accroc, cette seconde piste a droit à un final très… sauvage du plus bel effet grâce au climax créé juste avant.

Seconde note positive malgré un petit point noir, encore une fois le remix développe une personnalité propre surtout avec des tôôôôô-sannnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnn et kâââ-sannnnnnnnnnnnnnnnn totalement bestiaux que j’ai trouvé complètement fendards (sans me moquer méchamment et gratuitement) et respirant bon la PASSION en grosses lettres de flammes.

Y’a pas à dire, on continue d’apprécier de la musique travaillée, retrouver le souvenir de chansons de films qui nous ont bercé et en même temps de se payer de bonnes tranches de rire… Et on est loin d’en avoir fini avec cet album.

Bonus: en plus de la longue liste de Pazu, je me permets d’ajouter la contribution d’un de mes artistes favoris à savoir Maeda Katsuhiko via son pojet musical World’s End Girlfriend.

(note: kimi wo nosete ne commence que vers la 2ème minute dans la vidéo)

4. Gake no ue no Ponyo – Destrage & Yoko Hallelujah (Ponyo sur la falaise)

Je n’ai pas grand chose à dire sur cette piste si ce n’est que le refrain est totalement à se rouler par terre.

6. Country Road – Disarmonia Mundi & Sophia Aslanidou (Mimi wo sumaseba)

Alors là, on a droit à un sacré morceau, ce remix étant déjà celui d’un dérivé d’une chanson existante à savoir Take me home, Country road écrite et interpretée par John Denver mais interpretée par Olivia Newton-John pour la version au début du film. Jouissant de ce statut particulier de double remix, cette ré-écoute de Country Road sait bien se démarquer de ses ancêtres. N’offrant presque aucun répit tout au long de la chanson, les différentes voix chantantes s’alternent tout en gardant l’harmonie de cette ré-interprétation intacte.

Encore une fois, un brave solo pointe vers la fin et permet un petit temps mort pour reprendre son souffle tout en gardant le momentum et l’intensité de la chanson avant de nous re-catapulter dans le rythme avant un final tout aussi climatique que les autres.

Je ne cache pas mon affection pour les différentes interprétations en anglais d’origine mais j’avoue avoir beaucoup de sympathie pour celle-ci qui offre une certaine fraîcheur à ce classique.

7. Itsumo nando demo - Blood Stain Child & Claudio Ravinale (Le voyage de Chihiro)

Départ assez surprenant, mélodie enjouée puis quand vient la voix féminine on pourrait se croire dans une comédie musicale du Magicien d’Oz en un peu plus musclé pendant les dix premières secondes avant que nos troglodytes de service ne viennent nous rappeler qu’ils sont toujours là pour vomir dans le micro et pas seulement jouer les orchestres de décoration.

Très agréable à écouter, on sent un certain décalage avec ce qu’on a pu écouter jusque là dans la mesure où l’on sent ce remix comme plus « timide » que les précédentes et osant moins se démarquer de sa version d’origine. Bonne surprise pour certains, d’autres se surprendront à regretter un manque de punch et surtout d’audace à cette piste qui reste très prévisible dans son approche de ré-interprétation par rapport à ce qu’on a pu écouter jusque là.

Parler de déception serait assez injuste mais cette réécriture très « standardisée » manque de ce petit quelque chose qui rendaient vraiment uniques les pistes précédentes, peut-être qu’elle souffre de sa position en milieu d’album mais tout cela ne lui enlève rien de ses qualités et reste le témoin d’un travail musical de bonne facture.

8. Arrietty’s Song – Disarmonia Mundi & Sophia Aslanidou (Arrietty, le petit monde des chapardeurs)

Je ne cache pas une certaine surprise quant à la présence de La chanson d’Arrietty, d’ailleurs je pense que la plupart d’entre nous sommes au courant de l’histoire de Cécile Corbel [-> Site officiel de Cécile Corbel] et de comment elle a eu l’occasion de travailler sur la musique du film d’Arrietty.

Ayant eu la chance de pouvoir discuter avec très récemment [-> à venir...], j’ai pu apprendre qu’elle avait pu écouter cet album et notemment cette piste qui était une centième reprise des reprises de sa chanson qui sont parvenues à ses oreilles. Pour la petite anecdote, je dois remercier Cécile Corbel ainsi que son complice Simon Caby pour avoir bien voulu discuter un peu de cet album (et à qui je dois l’information sur les ventes au Japon) et qui semblaient l’avoir bien apprécié en général.

En ce qui concerne la chanson en elle-même, le travail effectué dessus reste très conforme à ce qu’on pourrait en attendre mais contrairement à la précédente, la sauce prend mieux et on a moins cet impression de manque de caractère unique . Peut-être est-ce dû du gros barbu qui beugle dans le micro de façon encore plus caverneuse qu’avant ?

Quoi qu’il en soit beaucoup moins métal et résolumment plus rock que les autres, cette nouvelle chanson d’Arrietty jouit de vocalisations pouvant littéralement prendre leur envol sur les moments clés de la chanson et délivrent un impact très fort sur l’auditeur. Offrant de la puissance à l’état brut mais sans tomber dans un chaos indompté, on redécouvre agréablement Arrietty sous un autre angle.

10. Toki ni ha mukashi no hanashi wo - Disarmonia Mundi & Yoko Hallelujah (Porco Rosso)

Dans la continuité d’Arrietty et de Kiki que j’ai honteusement sauté, on reste dans une logique beaucoup plus identifiable comme rock que métal (vous pouvez me jeter des pierres si vous pensez que je sais pas faire la différence entre les genres, j’assume mon amateurisme).

En fait mis à part noter ce détail, je crois que je n’ai pas grand chose à dire si ce n’est que ce remix remplit parfaitement son rôle et même s’il manque de surprise, il reste largement agréable à l’écoute donc autant passer aux dernières tout de suite.

11. Sanpo – Living Corpse & Yoko Hallelujah (Mon voisin Totoro)

On touche vers la fin de l’album et pour l’occasion on retrouve notre ami Totoro qui a droit ici à son thème d’ouverture.

Très proche de l’originale dans ses débuts, on traverse sans grandes surprises la première moitié de la chanson si ce n’est la présence progressive d’instruments parasites qui pertrubent l’harmonie présente puis arrive un premier vide vocal avant que la chanson prenne toute une autre forme.

Si la première moitié était très conformiste, une fois passé la pause clé de la chanson, cette dernière se métamorphose en une bête complètement méconnaissable, un peu comme votre copine quand vous lui dites qu’elle a grossi ou Tetho quand vous lui dites que vous n’avez toujours pas regardé Dennô Coil.

Enfin bref c’est un bordel immonde, les coffres à bière chevelus qui s’occupaient d’accompagner les chanteurs jusque là se sont littéralement libérés de leur chaînes et s’en donnent à coeur joie dans une orgie tout ce qu’il de plus obscène, ravageur et surtout chaotique. Ces gros barbus s’approprient totalement la chanson et lui en font voir de toutes les couleurs comme Conan lorsqu’il écrase ses ennemis et les voit mourir au gré du son des lamentations de leurs femmes. Un petit moment de répit nous est quand même offert sur les derniers moments de la chanson mais la toute fin nous rappelle que la chanson leur appartient, qu’ils sont des gros durs, des hommes des vrais (avec la bière mais sans le foot) et qu’il faut pas leur chercher des crosses parce qu’ils n’hésiteront pas à utiliser leur guitare ou des tessons de bouteilles de bières comme artillerie lourde.

12. Nausicaa Requiem – Neroargento & Yoko Hallelujah (Nausicaä de la vallée du vent)

Grand final de l’album, après la débauche d’un Totoro sous viagra et amphèt, on finit sur un ton très solennel avec le fameux Requiem de Nausicaä.

En harmonie avec l’originale, cette version ne cherchera pas les gros effets qui explosent aux oreilles mais au contraire garde toute la beauté et la délicatesse de son aînée. Ne cherchant pas à être plus qu’il ne l’est, ce final trouve un équilibre parfait entre le style très particulier de l’album et ses racines sans jamais trahir ni l’un ni l’autre.

Dotée d’un fort pouvoir envoûtant, cette dernière piste sait capturer l’attention de l’auditeur jusqu’au bout et sans artifices superflus (sauf peut-être une forte saturation à la fin mais ça peut venir de mon matériel audio), elle parachève avec une surprenante sobriété ce voyage de redécouverte des chansons de Ghibli plus qu’unique.

 

Voilà that’s all folks pour cette critique partielle de cet album qui m’en aura fait voir de toutes les couleurs sur ces derniers jours.

Pour être honnête je pense pouvoir parler d’excellente surprise quant à sa découverte et son écoute et j’avoue volontiers avoir été plus que sceptique lorsque j’en ai entendu parler pour la première fois. Le métal n’étant déjà pas ma tasse de thé, j’avais aussi le souvenir opposé de l’album Puncolle – Voice Actresses’ Legendary Punk Songs Collection -, vous savez l’album de reprise de classiques rock/punk par diverses seiyû qui fut un véritable massacre (pour vous en convaincre : [-> Smell like a teen spirit - Yûko Gotô / Anarchy in the UK - Rie Tanaka]) même si j’en avais retiré une grosse dose de fou rire.

En parlant de fou rire, je ne cache pas que la première écoute (qui était d’ailleurs pendant une soirée chez moi à 2h du matin avec Tetho, FFenril, Yuki et ma co-éditrice Pralyn) en fut plus que largement ponctuée et je pense que beaucoup de ceux qui écouteront cet album y trouveront une expérience plus ou moins similaire. Loin de moi de vouloir occulter ses mérites sur le plan musical, car comme je l’ai dit plusieurs fois on sent vraiment qu’il y’a des gens qui ont bossé dessus sérieusement et qu’il ne s’agit pas juste d’un produit  bâclé, mais force est de reconnaître qu’il a un fort potentiel pour décontracter l’atmosphère.

Très bonne surprise, j’en recommande donc l’achat rien qur pour soutenir les courageux qui nous ont pondu ça. Il est possible de se le procurer via des plateformes classiques comme Amazon MP3 ou iTunes mais aussi de l’acheter directement sur le site du label Coroner Records.

Comme d’habitude il est possible d’écouter des extraits avant d’acheter sur chaque plateforme donc voilà, n’hésitez pas à les soutenir si vous sentez qu’ils le méritent.

]]> http://blog.eientei.net/2011/04/21/une-nuit-sur-une-machine-volante-imaginaire/feed/ 6