Hourai NEETwork » Divers http://blog.eientei.net 「100% fagtastic, 100% fagbulous - 1000% Esprit Dôjin」 Mon, 26 Dec 2011 05:16:43 +0000 en hourly 1 http://wordpress.org/?v=3.3 [Noël 2011] ARE YOU MERRY? I’M LADY! http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-un-nouveau-projet-sous-le-signe-de-lesprit-doujin/ http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-un-nouveau-projet-sous-le-signe-de-lesprit-doujin/#comments Sat, 24 Dec 2011 23:01:11 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=1065 Avant toute chose : Joyeux Noël 2011 à tout le monde. Allez savoir pourquoi mais Noël est ma période préférée pour aller spammer mes copains ani-bloggers pour leur parler de mes dernières idées stupides et les  faire participer à mes derniers projets sans rien leur offrir en retour.

Cette année je rempile encore et j’ai réussi à persuader (et faire chanter) quelques confrères pour cette année. Le pitch pour ce Noël : chacun soumet une liste de titres d’anime qu’il a vus plus ou moins récemment (i.e.: entre le jour-même et il y’a 2 ans) et sur lequels il est prêt à écrire un billet (entre 3 et 5 titres par personnes).

Ensuite sur un google doc que tout le monde pouvait éditer, chacun vote pour un des titres que les autres ont soumis pour tenter de les forcer à écrire dessus. Une fois la session de votes finie, on comptabilise les votes, en prenant soin de les fausser avant, et chacun se retrouve avec la série sur laquelle il devra écrire un billet pour ses devoirs de vacances. Le but ? Aucun. Juste générer du spam sur les agrégateurs et donner de la lecture aux masochistes qui aiment nous lire. Au delà de ça, c’était juste histoire de s’amuser un peu autour de Noël et accessoirement de dépoussiérer le blogs de certains (dont l’auteur de ce billet).

Comme d’habitude, on retrouve les mêmes pseudos mais contrairement au projet de Noël sur Gundam 0080 de l’année dernière, qui n’était ni plus ni moins qu’un projet test pour voir si je pouvais diriger d’une main de fers une poignée de collègues-, on a un peu étendu notre liste de V.I.P. et d’agrandir notre cercle privé de gens biengs.

Certains se demanderont pourquoi on a pas invité telle ou telle personne maison avait de très bonnes raisons comme « zut on a pas son mail » (alors qu’on discute avec tous les jours sur Twitter et IRC) ou « on a pas pensé à lui » voire plus simplement « on commence quand même à être beaucoup et ça ressemble plus à rien notre fil de mails ». Mais bon rassurez-vous, on pensera aux autres (sauf Gemini) la prochaine fois qu’on se refait une petite sauterie du genre.

Au passage, Exelen me fait remarquer qu’elle trouve que ça manque de présence féminine donc on essaiera de remédier à cette situation la prochaine fois.

En tout cas, je remercie tous ceux qui ont pris la peine de prendre part au projet (sauf à Ninji qui a abandonné en cours de route comme un gros lâche) et sans plus tarder la liste sans ordre (avec le nombre de votes entre parenthèses) :

Si vous faites les comptes, il se peut que vous n’ayez pas les mêmes chiffres selon les personnes car en effet certaines étant arrivées peu avant la fermeture des votes il se peut que leur voix n’ait pas été comptabilisée (mais n’aurait sûrement pas fait la différence) mais aussi qu’il y’a eu des votes blancs/nuls.

Note: Il se peut que certains liens indiquent une erreur 404 selon l’heure à laquelle vous cliquez dessus car les publications se feront tout au long de la journée du 25 décembre jusqu’à 23h59. En cas d’erreur, réessayez plus tard (ou envoyez plein de messages à l’auteur pour le forcer à publier).

Sur ce je vous souhaite à tous une bonne lecture et de bonnes fêtes de fin d’années.

]]> http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-un-nouveau-projet-sous-le-signe-de-lesprit-doujin/feed/ 12 Maaya Sakamoto: in the silence 2011 http://blog.eientei.net/2011/12/20/maaya-sakamoto-in-the-silence-2011/ http://blog.eientei.net/2011/12/20/maaya-sakamoto-in-the-silence-2011/#comments Tue, 20 Dec 2011 10:21:14 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=1021 Vers la fin du mois de juillet dernier, Nana Mizuki avait annoncé qu’elle ferait un concert au Tôkyô Dôme en décembre. Bien entendu en tant que fan de la miss, j’étais ravi pour elle et je nourrissais l’espoir de pouvoir y assister. Ce que j’ai pu faire d’ailleurs.

Quelques jours après cette première annonce, j’avais pu lire que Maaya aller faire un concert environ 2 semaines après celui de Nana. Déjà que celui de Nana était déjà une raison suffisante pour me déplacer au Japon, cette seconde annonce a cimenté ma volonté de me rendre à Tôkyô pour le mois de décembre.

A la différence du concert de Nana qui se déroulait dans la plus grande salle de concert du Japon, celui de Maaya lui était dans une petite salle pouvant acceuillir un maximum de 750 personnes. Oui c’est vraiment peu me direz-vous et c’est sûrement la raison pour laquelle elle s’est produite dans cette salle 6 jours d’afillé. Pour ma part, j’ai pu obtenir un billet pour la représentation du samedi grâce à l’ami DarkSoul [-> Twitter@DarkSoul4242] qui m’a accompagné et que je ne pourrais décidément jamais assez remercier.

Même avant d’arriver sur les lieux, j’étais déjà fan du nom de l’endroit.

Le concert avait lieu dans le Galaxy Theatre / 銀河劇場 (Ginga Gekijô) et non ça ne s’invente pas comme nom, situé pas loin de la station Tennôzu Isle située sur la ligne Rinkai. Pour ceux friands de petites anecdotes, il va y avoir dans quelques jours la comédie musicale de Saint Seiya qui va se produire exactement au même endroit, pour les détails vous pourrez demander à Exelen.

Une fois passé le contrôle des billets, on nous offre un petit sac de goodies contenant une carte postale ainsi qu’une chaussette et un papier avec la liste des goodies en vente [-> liste des goodies en vente]. Contrairement au LIVE CASTLE de Nana, cette fois-ci la vente de goodies était exclusivement réservée à ceux qui assistaient au concert, cela ne changera pas le fait qu’à 45 minutes du début du concert l’écharpe en vente était  épuisée.

Une fois mes goodies acheté, je déambule un peu dans le lounge du bâtiment avant de me rendre au second étage pour trouver ma place qui était au second rang et me faisait bénéficier d’une vue plongeante assez nette sur la scène.

La vue que j’avais de mon siège.

A travers le rideau, on pouvait voir les ombres des différents techniciens qui achevaient les derniers préparatifs et à 17h tout pile la salle s’assombrit puis on voit quelques mots annonçant le début du concert projeté sur le rideau. Des mots qui laisseront place à l’ombre blanche d’un oiseau en cage avec le texte « easy listening » qui apparait progressivement avec des sons de machine à écrire pour accompagner.

Enfin le rideau se lève et on peut apercevoir Maaya dans une robe bleue turquoise simple mais élégante au centre d’un spot de lumière, et avec une fleur bleue en guise d’accessoire dans ses cheveux, et derrière elle 8 musiciens et 2 choristes. Quelques secondes de silence puis vinrent les syllabes « i-no-ri » avant que les musiciens se mettent à jouer et ainsi débute donc la première chanson. Loin des fastueux effets spéciaux du concert de Nana, c’est un jeu de lumière tres sobre qui accompagnait inori et donnait une ambiance très éthérée à cette chanson.

Ensuite vint afternoon repose accompagnée de la douceur de sa mélodie et de celle de la voix de Maaya qui chantait dans un anglais très impressionnant et compréhensible, pour une personne Japonaise il s’entend. Maaya est arrivée à créer une atmosphère à la fois très intime mais aussi très chaleureuse avec cette chansons à la fois délicate et reposante avant de prendre la parole pour la première phase de MC.

C’est une Maaya très humble et très modeste qui nous annonce que cette série de concerts sera sûrement la seule de ce type, ce qui ne manquera pas de provoquer de vives réactions d’étonnement. Mon voisin de droite lâchera même un « maji~suka ? » pas très discret mais aussi très spontané. J’avoue qu’à ce moment là j’avais encore un peu de mal à comprendre totalement les enjeux de ce qu’elle venait de dire mais j’allais avoir les réponses que je cherchais par la suite.

La musique reprit avec pratiquement le reste de l’album Easy Listening. A la fin de la dernière musique de cette série, Maaya quitta la scène pour aller en coulisses et le rideau s’abaissa pour laisser place à un interlude vidéo. L’ombre blanche de l’oiseau ré-apparut devant nos yeux pour prendre son envol hors de sa cage pour laisser place à la forme d’un avion qui s’apprête à décoller et avec un compteur de chronomètre qui s’affiche et démarre au même moment où le rideau se lève.

C’est ensuite l’intégralité de l’album 30minutes night flight qui sera chanté sans aucune interruption, et avec une nouvelle robe dont je ne saurais décrire les motifs mais qui restait assez sobre malgré tout, et donc aucune phase de MC pour finir avec le compteur affichant environ 29 minutes puis on voit Maaya repartir en coulisse avec les échos de la fin de la chanson 30minutes night flight ~sound of a new day en fond.

J’ai savouré autant que possible cette petite demie-heure de musique ininterrompue qui s’est vraiment révélée divine. Le plaisir d’entendre non seulement la voix de Maaya en live dans des conditions acoustiques vraiment idéales mais aussi les différentes ré-instrumentalisations des chansons qui leur donnaient une nouvelle dimension et m’a permis de redécouvrir certaines.

Une mention toute particulière à 僕たちが恋をする理由 (Boku-tachi ga koi wo suru riyû) où on entendait seulement la voix de Maaya accompagnée du piano pendant les 3/4 de la chanson avant que les violons rentrent en scène. Aucune différence notable avec la version qu’on peut écouter sur CD si ce n’est que le rendu live du piano combiné à la voix de Maaya faisait vraiment des merveilles. Tout en simplicité mais tellement élégant et émouvant que je ne saurais décrire la surcharge d’émotions que j’ai eu avec de simples mots.

Après ces 30 minutes de pur bonheur, le rideau tombe à nouveau et se dessine dessus la piste d’atterrissage sur lequel notre avion se pose avant de se transformer en voiture pour la dernière partie du voyage. C’est donc au tour de l’album Driving in the silence qui débute par la chanson du même type après un certain moment de silence où on entendait juste le son du projecteur  qui diffusait une vidéo d’un paysage de route de campagne qui défilait pendant bien plusieurs minutes.

Après ce petit tour en voiture, le rideau se lève et c’est une Maaya portant une longue jupe blanche agrémentée d’un ruban de la même couleur et portant une petite capeline rouge qui se présente devant nous. Un 3ème costume très approprié à la saison -après tout on était à une semaine de Noël- et se rattachant à l’esthétique adoptée pour les goodies de ce concert.

Une fois Driving in the silence terminée, Maaya reprit le micro en plaisantant sur le fait que cela faisait longtemps qu’elle n’avait pas fait de MC ce qui ne manquera pas de faire rire toute la salle. Elle nous explique qu’à cause du titre de l’album 30minutes night flight et que tout chanter lui prenait presque cette demie-heure, elle a volontairement pas fait de MC et avait hésité à faire de même pour Driving in the silence, encore une fois à cause du titre mais que finalement cela aurait fait trop long sans s’adresser à son public.

Le concert reprend sur les premières notes de Sayonara Santa, une chanson pour laquelle j’ai énormément d’affection et je ne saurais pas trop dire pourquoi ; peut-être est-ce la mélodie très entrainante ou peut-être est-ce la très grande mélancolie qui se dégage des paroles voire même le contraste entre ces deux éléments, allez savoir. Quoi qu’il en soit, je reprenais avec plaisir ce voyage dans lequel Maaya nous invitait via le reste de l’album, un pur moment de rêve ponctué par quelques phases de MC.

Maaya nous expliquait qu’elle avait choisi « l’hiver » comme thème pour ce concert et que la raison pour laquelle elle se produisait dans une salle aussi petite c’était, non seulement pour l’acoustique, parce qu’elle avait imaginé un concept pour ce concert.

Imaginez que vous vous retrouvez en compagnie d’amis qui vous sont chers dans le comfort d’une maison bien chauffée par un froid jour d’hiver. Soudainement l’un d’entre vous prend une guitare et commence à en jouer en fredonnant puis tout le monde se prend au jeu et accompagne au chant, le tout dans la bonne humeur. Voilà le genre d’atmosphère que je voulais recréer avec ces petits concerts.

C’est sur un ton très empreint d’humilité et de délicatesse qu’elle nous partage ses intentions (que j’ai traduit un peu maladroitement mais le coeur de l’idée est là) et espère qu’elle est parvenue à nous les transmettre.

Le concert finit sur deux chansons qui ne sont sur aucun des 3 albums cités : à savoir Buddy, utilisée comme opening pour la nouvelle série Last Exile -Fam, The Silver Wing- suivie de おかえりなさい (okaerinasai), opening de Tamayura ~ hitotose ~.

J’ai beau avoir énormément d’affection pour School Food Punishment, je trouve justement que Buddy ressemble beaucoup trop à un patchwork de leurs différentes chansons et qu’avec la présence d’effets instrumentaux qu’on retrouve dans certaines de leurs chansons. Sans la voix de Maaya on pourrait vraiment croire qu’il s’agisse d’une chanson de School Food Punishment ; ce qui reste assez logique me direz-vous étant donné qu’ils ont composé la chanson mais je persiste à penser qu’ils sont restés beaucoup trop proches de leur zone de comfort musicale. J’apprécie bien sûr la chanson il va sans dire mais je ne peux m’empêcher de penser que cette chanson aurait pu avoir une personnalité bien à elle beaucoup plus marquée et qui correspondrait mieux au style de Maaya.

Je signalerai aussi qu’elle avait profité d’une pause entre deux chansons pour retirer sa capeline rouge pour découvrir un petit haut tout noir qui laissait ses épaules totalement découverte. Je me passerai de faire des commentaires salaces et mal venus mais je dois quand même avouer que cette vision de Maaya qui se penche pour saluer et remercier son public et qui laissait entrevoir ses épaules totalement nues était assez enchanteresse.

C’est donc sur おかえりなさい que s’achève ce concert avec Maaya qui remercie tous ceux qui ont pu faire l’effort de venir car elle sait à quel point cela a pu être difficile et surtout couteux d’obtenir un billet pour venir à cause du système de vente générale qui a été pris d’assaut par des individus peu scrupuleux dont le seul but était de faire un joli bénéfice (jusqu’à plus de 5 fois le prix d’origine). Cela l’a beaucoup touché de voir tout ce monde qui s’est déplacé et repart en direction des coulisses.

Maaya reviendra une dernière fois sur scène, dans une robe noire toute en simplicité et en élégance, pour nous présenter un à un les différents musiciens et choristes qui l’accompagnaient ce soir, à savoir : 2 choristes, 2 femmes au violon, une à l’alto, une aux percussions, un guitariste (qui alternait entre une guitare acoustique et une électrique selon les chansons), un à la contrebasse (qui alternait aussi avec une guitare électrique), un batteur et finalement un pianiste qui disposait aussi d’un clavier en plus de son piano. Lors de ce MC final elle nous explique que la dernière chanson de l’encore est différente pour chaque jour car elle voulait vraiment rendre chacun de ces 6 concerts véritablement unique.

De plus, j’avais mentionné avoir reçu à l’entrée un petit sac contenant une chaussette (bien une, pas une paire et de toute vu la taille je pourrais pas la porter) ainsi qu’une carte postale. Il se trouve que l’image présente sur cette dernière varie en fonction du jour et que parmi toutes les cartes postales qui ont été distribuées, environ une centaine ont été dédicacées par Maaya, qui nous a d’ailleurs demandé avec beaucoup de malice de ne pas revendre les cartes signées sur internet. Malheureusement, je n’ai pas eu la chance (ni DarkSoul) d’en avoir une signée mais je suis déjà bien content de pouvoir posséder ces souvenirs uniques.

Vous ne pouvez pas savoir à quel point j’étais jaloux de la fille qui était située à ma droite qui avait eu la chance d’avoir une signature dorée sur sa carte postale.

Vous aurez probablement remarqué que j’abuse énormément des ellipses dans ce billet car j’avoue, encore plus que pour Nana, vouloir garder jalousement pour moi certains fragments de souvenirs associés à ce concert qui était vraiment plus qu’exceptionnel.

Si je devais faire une comparaison avec le LIVE CASTLE, je dirais que ce dernier pourrait être représenté par un shônen manga rempli d’action et surtout débordant de nekketsu dans sa forme la plus pure mais qui n’oublie pas d’offrir de vrais moments d’émotions tandis que ce in the silence lui serait plutôt comparé avec de la tranche de vie à la fois reposante mais aussi très chaleureuse et intimiste, le tout baigné dans une atmosphère très empreinte d’iyashikei.

Pour la petite comparaison un peu plus otaku, je comparerais sans aucun doute ce concert avec le 11ème épisode de ARIA THE ANIMATION, celui où Alicia, Akira et Athena racontent à leurs apprenties comment elles sont devenues amies lorsqu’elles étaient plus jeunes et partagent avec mélancolie et nostalgie. Ceux qui ont vu l’anime sauront à quoi je fais allusion et pour les autres, je ne peux que les inviter à découvrir cette série.

On pourrait croire que j’aurais tendance à préférer un concert plus que l’autre mais il n’en est rien, il s’agit de deux expériences radicalement différentes et surtout complémentaires que j’ai apprécié au même niveau mais d’une façon bien distincte. J’ai le même capital sympathie pour ces deux artistes qui sont mes préférées depuis plusieurs années. Si on me demande qui je préfère, je m’abstiendrais de répondre plutôt que de donner une réponse qui ne sera qu’a moitié vraie.

A mon humble avis, Maaya a réussi avec brio à concrétiser le concept qu’elle voulait insuffler dans son concert. Tout au long de ces 2h30 de live, je me sentais vraiment dans un autre monde où je pouvais laisser mon esprit se reposer et oublier le reste du monde comme si d’un coup il n’y avait plus que Maaya et nous public. Je reste encore très touché par cette volonté de Maaya de vouloir nous faire partager ce genre de petits plaisirs, c’est dans ce genre de moments que je me dis que je peux être fier d’être fan de ce genre d’artistes.

Je pense que j’ai pu bénéficier d’une chance incroyable de pouvoir assister à l’une de ces représentations surtout lorsque je repense à ce premier MC où Maaya nous disait qu’elle ne refera probablement pas de concert de ce type (au moins avant très longtemps). Pouvoir être aussi proche de Maaya, qui était vraiment adorable comme un coeur ce soir là, pour la première en quasiment 15 ans était vraiment une expérience telle que je ne saurais trouver les mots pour retranscrire fidèlement tout ce que j’ai pu ressentir.

Il est vrai que je suis avant tout fan de Maaya pour ses contributions aux chansons d’anime et que j’ai toujours la même tendresse pour 約束はいらない (yakusoku ha iranai) qui me ramène en adolescence lorsque je regardais Escaflowne sur Canal+ ou プラチナ (Platina) qui me rappelle Card Captor Sakura sans oublier sa collaboration avec Yôko Kannô qui reste à l’heure actuelle ma chanson préférée de toute sa discographie, à savoir 奇跡の海 (kiseki no umi).

Je ne cache pas être un peu déçu de ne pas avoir pu entendre ces chansons pour lesquelles j’ai autant d’affection en live mais je préfère me dire que ce n’est probablement pas son seul concert auquel je pourrais assister et mets de côté ce genre de considérations pour ne garder en mémoire que l’essence de ce live in the silence dont certaines des chansons chantées ce soir là ont leur paroles écrites par Maaya elle-même.

Si j’avais encore quelques regrets de ne pas avoir pu assister au LIVE -Gift- qui fêtait ses 15 ans de carrière au Budôkan, avoir eu la chance de faire partie des heureux élus présents pour ce in the silence les ont complètement balayé.

Comme je l’avais posté sur twitter, si le LIVE CASTLE de Nana avait rempli ma tête d’étoiles pendant près de 8h, Maaya a su me faire rêver pendant environ 2h30 et ces quelques heures valent vraiment tout l’or du monde.

Encore une fois, je tiens à remercier l’ami DarkSoul sans qui tout ceci n’aurait pas été possible et j’espère pouvoir lui renvoyer l’ascenseur un jour.

]]> http://blog.eientei.net/2011/12/20/maaya-sakamoto-in-the-silence-2011/feed/ 2 Nana Mizuki : LIVE CASTLE 2011 http://blog.eientei.net/2011/12/20/nana-mizuki-live-castle-2011/ http://blog.eientei.net/2011/12/20/nana-mizuki-live-castle-2011/#comments Tue, 20 Dec 2011 10:07:05 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=1011 Il y a des évènements auxquels j’ai toujours voulu participer en live tels qu’un concert acoustique de Maaya Sakamoto/Suzumura, l’Animelo ou un live de Nana Mizuki. Par un heureux concours de circonstances j’ai pu être sur Tôkyô au moment du concert (et j’y suis toujours à l’heure où j’écris ces lignes, et ce pour encore quelques semaines) et bien sûr obtenir des places pour le concert.

Avant de parler du concert lui-même, je tiens quand même à parler de la façon dont j’ai pu obtenir ces places, qui étaient distribuées par le fanclub officiel [-> Index du fanclub] de Nana Mizuki qui plus est. Tout ceci a été possible grâce à une initiative d’une très grosse fan de Nana, qu’on appellera Danie [-> Twitter@jouttex / Blog: danie's shopping log], qui a décidé de faire profiter de son adhésion au fanclub pour offrir la possibilité aux fans étrangers d’obtenir des billets via ce biais.

Donc voilà, un grand merci à Danie qui nous a permis à moi, DarkSoul et Exelen, ainsi qu’une 30aine d’autres non Japonais, d’assister à ces deux jours de concert.

Voilà déjà un peu plus de 11 ans depuis la sortie de son premier single 想い (omoi) [-> live lors de feu l'émission アニぱら (Youtube)] en décembre 2000 et il aura fallu attendre 2004 pour la voir percer avec Innocent Starter et par extension avec la franchise Nanoha.

Pour ma part, on peut dire que je suis un fan relativement récent : ayant vu la première série Nanoha qu’en 2007~2008 et surtout n’étant devenu véritablement fan de la chanteuse -et par extension de ses chansons- qu’un peu plus tard, après avoir entendu SUPER GENERATION chez un ami qui suivait sa carrière depuis déjà plusieurs années.

Entre temps, je dépense régulièrement mon argent dans les Blu-ray de ses concerts (donc depuis décembre 2008 avec le LIVE FIGHTER) et nourrissait le rêve de pouvoir assister un jour à un de ces concerts. Jusqu’à aujourd’hui j’ai préféré rester réaliste, n’étant pas membre de son fanclub (pas faute d’avoir essayé mais n’ayant pas d’adresse au Japon et ne tenant pas non plus à déranger des amis avec ce genre de considérations) et au vu du prix de la revente des billets par certaines personnes qui cherchent à se faire du profit…

Je ne reviendrai pas sur comment j’ai eu ces billets, pour ça vous pourrez jeter un oeil aux liens en annexe en fin d’article.

Etant habitué à voir les Blu-ray de ses concerts, je savais qu’il y aurait une certaine redondance dans la tracklist des 2 jours de concert mais comme ce n’est pas tous les jours que j’ai la chance de pouvoir assister à un concert live donc j’ai demandé des billets pour les 2 jours, respectivement nommés QUEEN’S NIGHT et KING’S NIGHT.

Les quelques jours qui ont précédé le concert, ainsi que les jours-même du concert, se déroulait la vente des goodies exclusives du LIVE CASTLE [-> lineup des goodies]. Je ne détaillerai pas mon aventure avec l’achat des goodies mais pour résumer j’ai pris le premier train depuis la station proche de laquelle je réside à 4h25 pour arriver aux alentours de 5h au Tôkyô Dôme, lieu où se déroulait la vente de goodies pour le premier jour. Cette-dernière ne débutant pas avant 9h, j’ai affronté le froid de la nuit ainsi que la pluie jusqu’à midi, heure à laquelle je suis arrivé aux caisses, et malgré tout certains goodies étaient déjà en rupture de stock.

Pour chaque goodie acheté, on recevait un petit sachet avec à l’interieur une NANACA, des photos exclusives au format carte à jouer, et pour le LIVE CASTLE, il y a 9 NANACA différentes à collectionner donc échanger avec d’autres fans qui en ont en double.

Quelques heures avant l’ouverture des portes du Tôkyô Dôme, plusieurs fans distribuaient des pamphlets, qu’ils ont conçu et imprimé eux-même (contrairement à Yukari Tamura où là ils sont produits et distribués par le staff pro de la chanteuse), expliquant les calls pour les différentes chansons de Nana. Si vous avez déjà vu des vidéos de concerts live où vous voyez les spectateurs agiter des lumières de différentes couleurs, c’est à ça que ça fait référence.

En effet lors de ces concerts, on peut ou non participer au phénomène de masse qui consiste à agiter un glowstick ou un penlight d’une certaine couleur en rythme et en décrivant différents mouvements selon le passage. Je ne préfère pas rentrer dans les détails, étant moi-même néophyte de cet exercice mais je dois reconnaître qu’en faisant partie du public, on se prend très vite à ce petit jeu et mine de rien c’est amusant même si cela fatigue très vite le bras.

Rassurez-vous on s’y habitue vite… ou alors on ne sent plus la douleur très vite.

Pour la petite anecdote, à deux jours du concert il était déjà devenu très difficile de se fournir en glowsticks dans les différentes boutiques genre Animate car ceux utilisés, les ルミカ大閃光 (Lumica Daisenkô), ont une durée de vie que de quelques minutes, assez pour durer une chanson, mais ont l’avantage d’émettre une lumière assez forte et bien visible comparée à d’autres qui peuvent durer entre 4 et 6 heures.

Etant arrivé au Japon un peu tardivement, je n’ai pas eu le temps de faire des stocks de glowsticks de différentes couleurs et je suis resté sur la couleur officielle : le bleu qui peut être utilisé sur toutes les chansons. Pour les curieux, le orange est la couleur la plus utilisée car associée à pas mal de chansons qui passent souvent en concert. Vous aurez aussi deviné que les Ultra Orange (ou UO), sont ceux dont les stocks s’épuisent le plus vite dans les boutiques qui en vendent.

Le Tôkyô Dôme pouvant acceuillir près de 50 000 personnes et ma place n’étant pas dans l’Arena, nom qui désigne la zone directement à côté de la scène et donc au coeur même du Dôme, j’étais quand même relativement loin mais malgré tout la présence d’écrans géants permettait de profiter de gros plans sur le visage de Nana qui semblait s’en donner à coeur joie.

Pour les curieux, j’étais situé dans les gradins situés en hauteur lors du premier jour donc en périphérie du dôme même si j’étais dans les rangs les plus avancés sur ces gradins. Même avec la vue plongeante, il était quand même assez difficile de voir Nana à cette distane et j’ai quand même pas mal regardé les gros écrans mais cela n’a en rien gâché mon plaisir, c’était prévisible qu’avec une salle de cette taille, je ne m’attendais pas à obtenir des places exceptionnelles (i.e.: l’Arena). Je signalerai quand même que Nana a fait plusieurs tours de salle dans une montgolfière et donc s’est retrouvée à ma hauteur plus d’une fois et j’avoue que c’était plus que plaisant de pouvoir la voir d’aussi près.

En ce qui concerne le second jour, j’étais un peu à l’opposé de là où j’étais la veille, toujours dans les gradins mais pas ceux sur les balcons en hauteur et du côté gauche par rapport à la scène. Rien de bien particulier à signaler si ce n’est que j’étais plus proche de la scène mais qu’encore une fois, les écrans géants n’étaient pas forcément du luxe.

Malgré sa taille, il ne faut pas oublier qu’il ne s’agit pas d’une salle de concert à la base mais d’un stade de sports et que donc malheureusement, l’acoustique était tout sauf optimale. Cela est bien sûr assez ironique lorsqu’on se dit qu’on assiste à un concert live mais l’atmosphère dans le Dôme était telle que finalement on accepte ce genre d’imperfections et on replonge très vite dans le concert.

Je tiens quand même à mentioner l’existence d’un écho qui n’est pas forcément dérangeant lors des chansons mais lorsque viennent les phases de MC (séquences où Nana prend la parole), il se faisait bien ressentir et bien qu’il ne gâchait pas grand chose, ça restait quand même assez perturbant.

En général lorsque je regarde des enregistrements de concerts, j’ai l’habitude de zapper les phases de MC car ma compréhension orale du japonais en était encore à ses balbutiements et que je suis plus interessé par entendre les performances live des artistes.

Comme cette fois-ci j’étais dans le public, il aurait été très disrespectueux de ne pas écouter ce que Nana avait à nous dire, d’autant plus que depuis mon japonais s’est un peu amélioré (n’empêche que je devrais consacrer plus de temps à mes études). Je dois avouer que se retrouver dans le public et se dire qu’on fait partie des heureux élus à recevoir directement ses messages offrent une toute autre façon d’appréhender ces MCs.

Je n’entrerai pas dans les détails de ces MCs mais je partage quand même le fait qu’elle avait encore du mal à croire qu’elle était vraiment au Tôkyô Dôme et que tout ceci ressemblait à un rêve pour elle -le tout suivi d’un appel général du public pour lui crier que tout ceci était bien réel- ou que tant qu’il y aurait des fans pour crier son nom, elle continuera de chanter.

Parce que je suis gentil, je partage quand même son premier MC du KING’S NIGHT lorsqu’elle commentait sur le fait qu’elle était censée être habillée en « cool king » mais qu’avec sa stature elle faisait plus prince que roi. Dans le même registre, elle a aussi annoncé qu’elle s’occupera de l’opening du drama Switch Girl et mentionne le fait que l’héroïne a 18 ans en ajoutant que « ce n’est pas très éloigné de mon âge » toujours avec son grand sourire (pour rappel, elle est née le 21 janvier 1980).

Ce n’est pas la première fois que je vois Nana verser des larmes lorsqu’elle s’adresse à son public mais c’est bien la première fois que je fais partie de ce dernier et l’émotion en est d’autant plus forte lorsqu’elle déploie toute la puissance de sa voix pour nous remercier sans micro qui arrivait même à atteindre les fans les plus éloignées de la scène.

Cela dit si je devais retenir un seul passage de ces séquences, c’est après que Nana soit apparue avec son costume rose avec une paire d’oreilles de lapins et une petite queue touffue toute blanche. Non seulement elle était délicieusement adorable dans ce costume mais en plus on pouvait entendre le public scander des « mawatte » et le pire c’est qu’elle s’est pliée à ces demandes et s’est mise à sauter sur place en tournant en imitant quelques mimiques de lapins. Je dois avouer que c’était tout simplement trop adorable et qu’en plus j’ai pu assister à ce petit spectacle les deux jours dont j’ai savouré chaque seconde. Par contre dommage pour ceux qui iront à ses prochains concerts, elle nous a aussi dit qu’elle ne remettrait pas ce costume avant 12 ans car oui, c’était fait pour correspondre au zodiaque chinois.

J’ai beau avoir une certaine tendance à préférer Nana en tant que chanteuse mais j’apprécie aussi énormément ses rôles en tant que seiyû que ce soit plus récemment en tant que Tsubomi/Cure Blossom dans Heartcatch Precure ou d’autres rôles plus graves ou plus effacés comme l’emblématique Fate T. Harlaown de la franchise Nanoha.

Comme à l’habitude, en plus des quelques MCs de Nana, on a aussi eu droit à des mini performances de certains membres de son staff, à savoir les Cherry Boys et la Team YO-DA.

Pour ceux qui se demandent de quoi il s’agit, les Cherry Boys sont les musiciens qui suivent Nana depuis son premier concert en 2000 (entre temps, leur nombre a un peu augmenté mais on retrouve toujours les mêmes membres clés depuis leurs débuts). Sur le même modèle, la Team YO-DA désigne le groupe de danseuses qui suivent aussi Nana depuis son premier concert ; le nom vient du surnom de la chorégraphe Yamashiro Yôko [-> blog / site officiel] dite Yoda, responsable de toutes les chorégraphies pour les concerts de Nana depuis 2002.

Encore une fois, je ne rentre pas dans les détails car vous pourrez voir tout ça sur le DVD et Blu-ray du LIVE CASTLE quand ces derniers seront disponibles mais pour les amateurs de petites anecdotes, sur une des vidéos entre deux chansons, on pouvait apprécier une performance de trois de Cherry Boys et à la fin les voir croiser leur guitare et lire « Les trois mousquetaires » sur l’écran.

Toujours pour les fans de kitsch, un des interludes se présentait sous la forme d’une vidéo projetée  sur le plafond du dôme avec une voix qui racontait une légende à propos des constellations du lion et de la vierge, le tout en anglais dont voici le script :

Once, when heroes ruled the world, nothing separated the sky and the ground. Imperceptibly, a lion settled in the brilliant stars’ sky. The lion began to disturb orbits with his brute nails. The calamities hit the ground and people felt the end of the world. A king who looked up the sky anxiously, decided his mind and took the legend sword. Seven heroes were fighting against the lion in the sky. But heroes didn’t have any chance to beat the Gods’ blood lion. The king with the legend sword showed up there and held it toward the sky. Seven stars got together on the legend sword and sparkled. Light from the sword that the king swung down hit a gem on the lion’s brow. When the king gently touched the lion’s brow, the lion brightened and spread out seven wings. Then, the king and the white lion were praised as Gods and became a shining constellation.

En ce qui concerne la vidéo qui accompagnait cette narration, vous pouvez imaginer un lion en 3DCG qui ressemble à Scar dans Le Roi Lion de Disney et Nana dans une robe censée représenter son rôle de roi et recevant une épée, le tout dans un habillage assez kitsch. La suite et fin de la vidéo est exactement comme décrits plus haut, on voit Nana porter un coup d’épée au lion puis vient l’apaiser et enfin ce dernier se pare totalement de blanc et déploie ses ailes. Le concert reprend ensuite du plus bel effet avec Nana qui apparait soudainement en hauteur, chevauchant une reconstruction de ce lion ailé avant d’entonner Synchrogazer (dont le single est sorti plusieurs jours après le concert).

Lors du KING’S NIGHT, la chanson qui suivait Synchrogazer était ETERNAL BLAZE et ce n’était pas la première fois que la salle virait au orange mais c’était sûrement l’un des moments les plus impressionnants de ces deux jours de concert. Comme des images valent mieux que des mots, voici une petite illustration-caricature :

Il faut vraiment le voir pour le croire !

Vous me direz que ceci n’a rien de particulièrement impressionnant quand on est habitués à voir des vidéos de live mais pourtant, une fois qu’on passe de simple spectateur vidéo à membre du public, tout change et je ne peux qu’encourager les fans de certains artistes populaires à assister à leurs lives s’ils en ont l’occasion (et surtout la chance).

Je profite du fait que j’évoque deux des titres présents sur la tracklist des deux jours pour non pas faire un listing mais plus parler de mes impressions dessus.

Je ne vais pas parler de déception parce que ce serait assez loin de la vérité mais cela n’empêche que j’ai noté un très grand nombre de chansons vraiment récente et je regrette un petit peu de ne pas pu entendre des chansons plus anciennes, dont surtout Promise on Christmas d’autant plus qu’on est en décembre.

Toujours dans la série des chansons dont la présence m’auraient fait plaisir, je peux citer les chansons d’albums qui commencent un peu à dater mais au rythme plus posé qui n’étaient peut-être pas assez adaptés pour le thème du LIVE CASTLE. Quoi qu’il en soit, j’ai toujours une place dans mon coeur pour des chansons telle que Brilliant Star, refrain, The place of happiness et bien d’autres encore sans oublier 想い et je ne désespère pas de pouvoir les redécouvrir à nouveau à l’occasion de d’autres lives.

Ma plus grosse surprise reste quand même l’absence à ce concert de Justice to Believe qui fait quand même des classiques qu’on s’attend à retrouver systématiquement (à l’image de POWER GATE et ETERNAL BLAZE) ; non pas que je regrette particulièrement son absence plus que par rapport à une autre mais je ne peux juste pas cacher mon étonnement à ce sujet. Cela dit, on a déjà été gratifié d’une version tout bonnement épique lors de son précédent concert, le LIVE GRACE qui bénéficiait d’un véritable orchestre pour l’occasion, et je me dis que c’est limite pas plus mal comme ça : cela me permet de garder en mémoire cette dernière performance vraiment exceptionnelle.

J’ai aussi été surpris que 深愛 (Shin’Ai) ait été chantée lors du KING’S NIGHT, étant donné le profil de la chanson (qui est pour rappel, en dépit de ses airs de chanson d’amour romantique, un hommage à son père décédé) aurait peut-être eu plus sa place lors de la QUEEN’S NIGHT mais ceci reste bien sûr dans le domaine du nitpicking comme diraient nos amis anglophones.

Les fans de Nanoha pouvaient être comblés, on a eu droit à BRAVE PHOENIX -sûrement mon coup de coeur parmi les chansons de la franchise- en ouverture pour la QUEEN’S NIGHT suivie de ROMANCERS’ NEO, utilisée dans le jeu PSP de Nanoha A’s. On a aussi eu droit aux classiques MASSIVE WONDERS, SECRET AMBITION, PHANTOM MINDS sans oublier le flamboyant (littéralement pendant le concert avec des jets de flammes dont la chaleur atteignait même les spectateurs les plus excentrés) ETERNAL BLAZE et l’éternel innocent starter chantée en dernier lors du KING’S NIGHT juste avant l’encore. J’aurais bien aimé pouvoir entendre Pray pour compléter la série mais il faut croire que cette chanson n’a jamais -malheureusement- réellement connu de succès populaire.

Si j’ai toujours trouvé qu’il manquait un petit quelque chose pour vraiment apprécier POWER GATE lorsqu’elle passe dans mes oreilles en temps normal, je lui reconnais un charme certain lors des live que j’ai pu voir, c’est un peu comme si je redécouvrais la chanson sous un nouveau jour. J’ai toujours été bluffé par l’énergie que dégageait Nana lorsqu’elle chante cette chanson dans des concerts mais aussi celle venant du public qui semble à chaque fois se donner à fond lors de la call sur cette chanson.

Pour la première fois j’ai pu faire l’expérience de POWER GATE en live et si jusque là j’avais été impressionné par ce que je voyais sur mon petit écran, une fois sur place c’est une expérience encore plus époustouflante. Non pas que Nana ne se donne pas toujours à fond sur les autres chansons il y’a ce je-ne-sais-quoi qui fait toute la différence sur POWER GATE ; on pouvait soudainement ressentir une nouvelle vague d’enthousiasme plus forte que jamais déferler dans tout le Tôkyô Dôme et rendre encore plus survolté un public qui était déjà déchaîné. Enfin bref je ne saurais dire ce que cette chanson a de spéciale en live, si la façon de la chanter de Nana en live a quelque chose de magique ou non, mais cela fait facilement partie de mes souvenirs les plus marquants sur ces deux jours (d’autant plus qu’elle était présente sur les deux tracklists).

Ceux qui me fréquentent un peu doivent être au courant pour l’amour sans borne que je porte à DISCOTHEQUE, utilisée en opening pour Rosario+Vampire Capu2 [-> clip de l'op (Youtube)], et pour son PV totalement délirant -et disponible sur le DVD/Blu-ray de NANA CLIPS 5, une compilation de ses PVs- et adorablement kitsch. Au delà de ces quelques considérations graphiques j’avoue aussi adorer la chanson en elle-même et c’était vraiment un plaisir d’entendre son CHU-LU CHU-LU CHU-LU PA-YA-PA si caractéristique pour débuter l’encore de la QUEEN’S NIGHT et voir une partie des lumières bleues du public virer au rose.

Si on me demandait LA chanson de Nana que je n’aurais voulu rater en live c’est bien SUPER GENERATION car non seulement c’est la chanson qui m’a fait devenir fan mais elle a une valeur affective qui va au delà de ce genre de considérations. Même à l’époque lorsque mon japonais était encore plus qu’insuffisant, j’étais déjà porté par le sens des paroles qui restent certes très simples mais qui arrivent néanmoins à me toucher. Cette chanson a pris d’autant plus d’importance au fur et à mesure que j’en apprenais sur Nana qui n’est pas seulement une seiyû et une chanteuse mais aussi parolière sur une partie de ces chansons (à commencer par les innocent starter, ETERNAL BLAZE et autres MASSIVE WONDERS) mais aussi compositrice et justement SUPER GENERATION est la toute première chanson qu’elle a composé elle-même en plus d’avoir écrit les paroles.

Je ne cache pas que j’avais quelques appréhensions à la fin de l’encore du KING’S NIGHT et que SUPER GENERATION n’était pas encore passée même lors de la QUEEN’S NIGHT mais comme on avait pu avoir un second encore lors de cette dernière avec une magnifique interprétation de あの日夢見たお願い (ano hi yume mita onegai) du coup je gardais encore espoir pour le second encore de la KING’S NIGHT et j’avais bien raison d’espérer.

A la fin d’ASTROGATION, Nana reprend le micro pour encore une fois remercier tous ceux qui étaient venus et que pour le second encore elle avait une invitée spéciale à nous présenter : il s’agissait ni plus ni moins que de Mika Kondô, sa petite soeur aussi chanteuse qui suit sa carrière en solo avec Daisy x Daisy [-> site officiel] de Agematsu Mika [-> site officiel en anglais] (merci a Mic pour la correction, ça ne me réussit pas les nuits blanches à écrire… Faut croire que je mélange encore les évènements avec son passage en Belgique en novembre dernier…) et qui nous a fait l’honneur d’accompagner Nana sur SUPER GENERATION en ―MUSEUM STYLE― (version spéciale présente sur la seconde compilation THE MUSEUM II) à la harpe.

Je ne vous cache pas que j’ai été littéralement transporté dans un rêve pendant ces 5 minutes dont je savourais chaque instant avec une intensité qui m’était inconnue jusque là. Je ne saurais trouver les mots pour dire à quel point je souhaitais que cette chanson ne finisse jamais mais malheureusement toutes les bonnes choses ont une fin et c’est avec une larme à l’oeil que ce concert s’est achevé avec la phase finale de MC où Nana nous prouvait encore une fois qu’elle a su garder son côté humain et sait faire preuve d’humilité envers son public et ses fans même avec le succès phénoménal qu’elle connait en ce moment.

D’ailleurs pour la petite anecdote un des fans non-Japonais présent était un Américain qui avait déjà bien dépassé la cinquantaine et avait fait le déplacement spécialement de New York pour l’occasion -et s’est même payé le luxe de s’embrouiller avec sa femme à ce sujet-, j’avoue avoir énormément de respect pour ce frère d’armes. Dans le même style, j’avais aussi pu remarquer une Japonaise d’un âge plus qu’honorable (sûrement âgée que le gentleman que je viens de citer) qui, au premier abord, avait l’air de juste accompagner ses enfants et semblait plus ou moins comater avant le début du concert ; par contre une fois Nana en scène et les chansons débutées, j’ai été surpris par la vigueur avec laquelle elle participait aux calls et j’ai un peu honte de le dire mais elle se débrouillait mieux que moi et semblait avoir une certaine expérience qui forçait le respect.

A l’heure actuelle je n’ai pas encore fini de lire 深愛 (Shin’Ai), son autobiographie qui porte le même titre qu’une de ses chansons, mais j’ai suffisamment avancé pour avoir redécouvert Nana sous un autre angle et en suis venu à l’apprécier encore plus, non plus pour ses divers talents, mais en tant qu’être humain qui a une histoire véritablement touchante à raconter. Il me reste encore plus d’une bonne centaine de pages à lire mais ce que j’ai pu lire me confirme que les larmes de bonheur que j’ai pu voir et tous les remerciements que j’ai pu entendre étaient tous bien sincères.

D’ailleurs après ce MC final, on pouvait entendre à nouveau SUPER GENERATION -la version normale cette fois-ci- passer dans les enceintes du Dôme tandis que Nana annonçait une petite distribution de cadeaux sous forme d’une petite peluche de lion. Pour cela, des membres du staff avaient préparé plusieurs fusils pneumatiques chargés avec les petites peluches que Nana tirait un peu au hasard dans le public, une petite dizaine (chaque jour, elle en avait fait de même pour la QUEEN’S NIGHT) en tout furent tirés. Il va sans dire que j’avais peu d’espoir d’en récupérer un mais la vision de Nana en t-shirt et en short avec ce gros fusil pneumatique avait un côté résolument sexy.

Le concert avait beau durer plus de 4 heures pour chaque journée, j’ai encore l’impression que tout est passé en un éclair et pourtant plus de 2 semaines après, j’ai encore toutes ces images et sensations encore bien vivantes dans ma tête. Je pense que le fait qu’il s’agisse de mon premier concert de cette ampleur joue beaucoup sur mes impressions mais avec le recul, même avec toutes les imperfections qu’il y a pu y avoir et les quelques réserves que je peux émettre, je peux dire qu’il s’agit vraiment d’une des meilleures expériences qui m’ait été offert et que je suis plus qu’heureux d’avoir pu participer à cet évènement.

Au delà de toutes ces considérations personnelles, il faut garder en tête que ce concert est aussi un point majeur dans la carrière de Nana car arriver en tête des charts Oricon est une performance plus que remarquable mais se produire au Tôkyô Dôme est un honneur tout particulier. Non seulement il s’agit de la plus grande salle de concert de tout le Japon mais en plus elle est la 8ème artiste féminine solo à pouvoir se produire dans cette salle depuis son ouverture en 1988. De plus, il faut garder en tête que se produire au Dôme était son rêve depuis toujours et j’affiche une certaine fierté à pouvoir dire que j’étais présent pour cette occasion si spéciale.

De mon point de vue, s’il y avait bien un seul concert auquel je voulais assister c’était bien celui-là car je considère en tant que fan qu’il a vraiment une portée symbolique plus importante que tous les autres. Même si j’espère quand même pouvoir aller à d’autres de ses concerts à l’avenir, je suis vraiment plus qu’heureux d’avoir pu au moins assister à celui-là et encore une fois je tiens à remercier tous ceux qui m’ont aidé pour m’avoir permis d’être présent ces deux soirs là et je sais pertinemment que sans leur aide tout ceci aurait été impossible.

J’ai encore bien des choses à partager sur ces deux jours de concerts mais je pense avoir dit l’essentiel et j’avoue quand même vouloir garder jalousement quelques fragments de souvenirs plus précieux que les autres. Néanmoins, je encore une fois remercier tous ceux que j’ai pu rencontrer au cours de cette aventure et qui ont contribué à la rendre si unique, et oui je me permets d’utiliser ce terme car ça reste encore un moment exceptionnel à mes yeux.

Pour rester égal à moi-même, je vous offre une photo d’un des instants finaux du concert juste pour le plaisir :

Authentique !

Liens annexes :

Aussi un grand merci à zratul [-> Blog: Carnet d'une spatule /Twitter@zratul] qui a accepté de réaliser les deux 4-koma qui m’ont permis d’égayer un peu le billet.

]]> http://blog.eientei.net/2011/12/20/nana-mizuki-live-castle-2011/feed/ 7 Le mariage de Maaya Sakamoto http://blog.eientei.net/2011/08/13/le-mariage-de-maaya-sakamoto/ http://blog.eientei.net/2011/08/13/le-mariage-de-maaya-sakamoto/#comments Sat, 13 Aug 2011 16:36:59 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=888

C’était il y a près de 15 ans…

Les années 90 sont loin derrière nous et de l’eau a coulé depuis Escaflowne, série qui aura lancé la carrière de Maaya Sakamoto dans les cieux. Elle est loin la jeune Maaya qui nous gratifiait de fantastiques collaborations avec Yôko Kanno, Kiseki no umi résonne encore dans le coeur de la plupart d’entre nous comme le plus bel exemple de ces collaborations ; elle en aura fait du chemin depuis ces 15 dernières années de carrière et vu la situation actuelle, on peut espérer  qu’elle n’est pas prête de s’arrêter de sitôt.

Malgré toutes ces années qui se sont écoulées et ses rôles bien loin de la naïveté d’une Hitomi Kanzaki, que ce soit Mari Illustrious Makinami ou Ryôgi Shiki pour ne citer que des exemples récents, j’avais toujours gardé en tête cette image d’une Maaya qui entrait dans le début de sa vingtaine à la fin des 90 jusqu’aux débuts des années 2000 – la même Maaya qu’on peut retrouver en photo sur les pochettes de ses CDs ou dans le magazine [-> photo de la couverture] vendu à l’occasion de son concert GIFT au Budôkan qui fêtait ses 15 ans de carrière en 2010.

Même en feuilletant ce magazine ou en visionnant le blu-ray de son concert GIFT [-> photo du ruban bonus qui venait avec les premiers tirages (une couleur au hasard parmi bleu, rose et or)], la Maaya trentenaire que je voyais était encore à mes yeux et dans mon esprit la Maaya de 20 ans qui m’accompagne depuis le collège et c’est pour ça qu’on peut dire que cette annonce de mariage avec le seiyû Ken’ichi Suzumura m’a fait prendre une douzaine d’années dans la figure d’un coup.

Au delà des blagues que l’on peut faire à propos de Lunamaria et Shinn Asuka, Zack et Aerith, Sayaka et Shyamalan ou Shiki Ryôgi et Cocteau, cette annonce était aussi l’occasion pour moi de me rendre réellement compte qu’elle avait dépassé la trentaine et donc pouvait être considérée comme « vieille » selon les standards des Japonais. Pour citer (approximativement) mon professeur de Japon contemporain : « une femme japonaise c’est comme un gâteau de Noël, après 25 c’est plus bon donc faut jeter à la poubelle… Mais comme les Japonais sont des gens merveilleux, ils se sont rendus compte que ça faisait peut-être un peu trop jeune du coup ils ont repoussé ça au nouvel an donc au 31″.

Sans vouloir me lancer dans un discours sur la société japonaise et de comment sont perçues les femmes célibataires de plus de 30 ans, principalement parce que je n’estime pas maîtriser la question et que de toute ce n’est pas le sujet, je me contenterai juste de lui souhaiter tout le bonheur du monde

Mis à part si vous êtes du genre à vouloir vous retrouver dans les titres d’otabloïds (pour ne pas citer le complexe du triangle, vous savez de qui je parle) en détruisant votre collection dédiée en apprenant que l’objet de votre affection a déjà eu un petit ami ou de ceux qui aiment scander des « MAI WAIFU » à divers endroits de l’internet voire encore pire ceux qui annoncent leur suicide sur divers réseaux sociaux (sisi), cette annonce ne devrait pas avoir d’impact majeur sur votre vie.

Cela dit, c’était aussi l’occasion pour certains de se poser autour d’une table (virtuelle) et de partager leurs vieux souvenirs liés à Maaya et/ou de se repasser ses albums/chansons qui ont du sortir de la playlist pour faire de la place à d’autres chansons (je ne sais pas si vous êtes comme moi mais j’aime bien renouveller ce que j’écoute de temps en temps ou faire des playlists sur le moment pour correspondre à mon humeur et mes envies) histoire de passer un agréable moment d’évasion avant de retourner à d’autres activités.

Pour finir petit bonus, l’annonce de son mariage, traduite avec soin par l’ami DarkSoul :

Message de Maaya Sakamoto à tous

J’ai une nouvelle que je souhaite annoncer à vous tous qui me soutenez à chaque instant.
Le 8 août, moi, Maaya Sakamoto, ai épousé le seiyuu Ken’ichi Suzumura.

Dans ma vie jusqu’à présent, mettre la priorité sur ce que j’aime faire, ce qui me rendait heureuse, qui me mettait en confiance a toujours servi à me guider vers l’avenir.
Il en va de même pour mon mariage, car c’est parce que le moment où j’ai éprouvé du fond de mon coeur l’envie de me marier, est venu naturellement, que j’ai suivi mon coeur.
Suzumura est quelqu’un avec qui je me sens au calme, quelqu’un de très doux.
Pour pouvoir rester moi-même, tant en tant que chanteuse qu’actrice, avoir un tel partenaire auprès de moi, auprès de qui je puisse me reposer, me remplit d’espoir pour l’avenir.
C’est pourquoi je serais heureuse d’avoir votre bénédiction pour cet évènement.

Je continuerai mes travaux avec plus d’ardeur que jamais, aussi je m’en remets à votre bienveillance.

Maaya Sakamoto

Texte original en japonais [-> Source] : Show ▼

Je crois que tout est dit ; comment résister lorsque c’est demandé avec tant de grâce ?

P.S. : NON ceci n’est pas une raison suffisante pour que je deploie Lunamaria et Shinn dans Super Robot Taisen Z2. En espérant reprendre une activité sur ce blog plus consistante rapidement.

ne pas cliquer: Show ▼

]]> http://blog.eientei.net/2011/08/13/le-mariage-de-maaya-sakamoto/feed/ 1 J’aime les bunny girls avec une paire de jumelles : ou ma première expérience avec Super Robot Taisen http://blog.eientei.net/2011/06/02/jaime-les-bunny-girls-avec-une-paire-de-jumelles-ou-ma-premiere-experience-avec-super-robot-taisen/ http://blog.eientei.net/2011/06/02/jaime-les-bunny-girls-avec-une-paire-de-jumelles-ou-ma-premiere-experience-avec-super-robot-taisen/#comments Thu, 02 Jun 2011 06:50:40 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=631 Derrière ce titre fort évocateur et racoleur se cache l’une de mes dernières obsessions à savoir une certaine blonde à la poitrine généreuse et qui porte à l’occasion d’une scène un costume de bunny girl. Je parle bien sûr d’une certaine Excellen Browning, et non pas de Exelen, la fiancée de la blogosphère notre bloggueuse préférée et je vous dispenserai des commentaires salaces de coindetable / kyouray au sujet de la poitrine de cette dernière~

Pour ceux qui l’ignorent encore, il s’agit d’un personnage issu de la saga stratosphérique des Super Robot Taisen (ndt: Super Robot Wars), apparue pour la première fois dans… En fait on s’en fiche, plutôt que de parler de jeux auxquels je n’ai pas joué, je vais plutôt parler des deux jeux Super Robot Taisen que j’ai fini à l’heure actuelle, d’autres étant en cours mais le tactical RPG, c’est comme la coke, une overdose et c’est la mort cérébrale, à savoir les deux épisodes sortis sur GBA et traduits par Atlus USA : Super Robot Taisen Original Generation et Super Robot Taisen Original Generation 2.

Le gros robot qu’elle pilote parce que je le trouve vachement sexy. Illustration par taro [-> profil Pixiv].

Pour les curieux j’avais déjà fait 3 mini billets en anglais sur mon tumblr à ce sujet (avec spoilers). [-> SRT OG1 | SRT OG2 après une map cauchemardesque - impressions finales]

P.S. : je ne suis pas un méchaphile.

Suite à cette introduction à la subtilité digne d’un faiseur de mahô shôjo, passons sans plus tarder aux choses sérieuses et parlons de ces deux jeux qui, pour être totalement honnête, ne me disaient pas grand chose avant qu’au détour d’une discussion avec l’ami Tetho je ne lui demande de m’en dire plus à propos de cette Excellen dont le nom commençait à m’être familier. La description qu’il m’en fit ne manquait pas d’arguments ce qui mena logiquement à une question fatidique sur les jeux à faire pour appronfondir ma connaissance de cette fille virtuelle qui commençait à vraiment hanter mes pensées – et mon imagination à défaut de dôjinshi. L’existence de traductions, officielles qui plus est, était un argument de premier ordre mais me rappelant que mon semestre universitaire avait déjà démarré et qu’il n’aurait pas été sage d’ajouter une autre activité vidéo-ludique qui diminuerait le nombre d’heures que je passerai à tracer des sinogrammes sur des feuilles blanches, je fis donc acte de résistance. Cependant, lorsque je discute méchaphilie avec l’ami Tetho, le FFenril n’est jamais bien loin et ce dernier se chargea d’achever le travail de corruption initié par son {maître, disciple, confrère, partenaire, complice… ?}, peut-être sur ordre de ce dernier, en m’envoyant diverses images de l’objet de mes perversions mes désirs ma curiosité du moment et rien qu’avec une poignée d’artworks officiels, je savais déjà que toute résistance allait être inutile et dus accepter la défaite puis démarrer une partie de Super Robot Taisen Original Generation qui sera désormais raccourci en OG1 pour des raisons de… par flemme. C’est donc à cause de ces deux odieux manipulateurs que j’entamai une route dont je ne suis pas sûr de pouvoir en conceptualiser la fin à l’heure actuelle…

Qui a besoin de produits dôjin quand les artworks officiels suffisent à vous rendre méchaphile ?

Cela faisait un moment que j’avais plus ou moins mis les T-RPG de côté, ayant craqué après plus de 200 heures passées sur Disgaea -sans compter les inombrables heures passées sur des eroge avec un pseudo système de T-RPG mal équilibré et encore plus frustrant- et ayant juré de ne plus jamais retoucher à ce genre d’abominations chronophages, mais malheureusement dans mon cas c’est comme les manga et doujinshi H le pot de nutella à 2h du mat’ : on croit s’en être affranchi et être devenu quelqu’un de plus respectable, mais il y en aura toujours un pour vous faire ressombrer dans vos plaisirs plus ou moins coupables. C’est donc avec un petit sentiment de culpabilité que je lançais donc ma première partie de SRT:OG1 et d’entrée, un choix se présentait devant mes yeux : à savoir qui je voulais choisir en héros mais comme je savais déjà lequel des deux me mènerait à Excellen, c’était sans hésiter que le choix fut porté sur Kyôsuke Nanbu, le bogoss de service aux pointes blondes.

Il ne faudra pas longtemps pour qu’Excellen fasse sa première apparition et son entrée en scène est pour le moins… emballante ? La jolie blonde se montrant très… entreprenante avec le sieur Kyôsuke et ne lésinant pas avec le flirt, ce qui ne laissera pas ce dernier complètement de marbre même s’il sait garder une façade monolithique. Ce duo aura beau être important dans la narration, il est loin d’être complètement central dans l’histoire et c’est toute une ribambelle de personnages qui feront leur apparition, ce qui peut rendre l’histoire un peu confuse au début car on n’arrive pas forcément à visualiser qui est qui et quels sont les enjeux entre ce qui ressemble à une guerre civile doublée d’une invasion extra-terrestre ; cela dit que les sceptiques se rassurent, au fil des différentes cartes, tout s’éclaircit niveau histoire, par contre niveau personnages pas totalement.

La route de Kyôsuke nous fait donc suivre les pérégrinations de l’ATX Team, l’autre route étant centrée sur la SRX Team, qui s’étoffe de personnages hauts en couleurs et en personnalité jusqu’à la jonction des deux équipes qui risque de perdre le joueur à cause de la trouzaine de nouveaux personnages accompagnés de leur mécha qui viennent s’ajouter à l’équipe, ce qui ne manquera pas de causer quelques maux de tête pour le déploiement sur les prochaines cartes, ne pouvant pas sortir tout le monde, il faudra faire des choix et se retrouver avec une tonne de nouveaux choix compliquant pas mal la chose – d’autant plus que la particularité de la saga OG est de proposer des persos entièrement créés par Banpresto, donc ne venant pas d’une série de mécha. Heureusement, les dialogues entre deux cartes permettent de mieux appréhender les nouveaux venus et de s’y attacher, ce qui aide pour se convaincre de dépenser son argent dans des améliorations pour leurs robots et leurs armes et aussi leur permettre d’achever les unités ennemies histoire de gagner des points d’experiénce pour garder une équipe plus ou moins homogène. Ce dernière point sera relativement important dans la mesure où il existe un système de scaling – ou de nivelage en français qui permet de ré-ajuster le niveau des ennemis par rapport à celui des persos côté joueur, une trop grande disparité risquant de compliquer pas mal les choses, surtout par rapport aux boss mais que certains se rassurent, ce système est loin d’être aussi craqué qu’il peut l’être dans d’autres jeux comme Oblivion pour ne citer que l’un des pires cas d’école.

Toujours sur le même sujet de la difficulté, un système d’objectifs facultatifs pour chaque mission a été mis en place sous le nom de Skill Points/Battle Masteries, généralement sous la forme de « Eliminez telle unité ou toutes les unités avant le tour X », en avoir un certain nombre augmentera la difficulté jusqu’à Hard ou au contraire, les rater privera le joueur des cartes bonus (et de la True End ?) après la dernière de la campagne mais le rabaissera aussi à une dificulté plus basse. Comme dirait Tetho : « Seuls les vrais hommes finissent le jeu pour le première fois sans en rater une seule » car une fois le jeu fini, il y a la possibilité de faire un New Game+ avec des bonus d’argent de d’expérience pour ses troupes, ces bonus s’accumulant au fil des parties sans que le challenge soit revu à la hausse, le challenge disparaît peu à peu donc si vous voulez prouver que vous êtes un(e) vrai(e), finissez le jeu sans zapper un seul Skill Point/Mastery. Certaines cartes peuvent avoir des conditions facultatives plus que frustrantes car il est demandé de détruire une unité ennemie mais que celle-ci s’enfuit une fois arrivée en dessous d’un certain pourcentage de vie perdue et que cela peut se jouer à une fraction de dégâts ; l’utilisation et l’abus de la quicksave sera un passage obligatoire.

Un point très frustrant dans SRT en règle générale, j’ai pu tester un peu d’autres jeux de la franchise depuis le temps, c’est qu’il s’agit quand même de jeux qui se jouent beaucoup (et le mot est faible) à la quicksave ce qui en frustera plus d’un mais malheureusement certains passages seront un cauchemar à passer avec succès, dont l’obtention de ces fameuses Skill Points/Masteries sans abus de ce système. Cela ne veut pas dire pour autant que ces jeux sont à jeter, ils souffrent de pas mal de défauts en terme de game design et de plaisir de jeu mais l’ensemble reste plus qu’appréciable pour que l’expérience ne tourne pas au cauchemar de reloading à l’infini. Cela peut sembler paradoxal au premier abord de parler de difficulté et d’abus de quicksave mais chacun jouant comme il le souhaite, l’utilisation de cette dernière peut se limiter à une utilisation ponctuelle pour éviter de perdre du temps à recommencer une carte de zéro sans tomber dans la sauvegarde automatique à chaque action du joueur et d’un reload si celui-ci se fait toucher ou descendre – comme ceux qui abusent des save states en émulateur ; à chacun de trouver son juste milieu et la sa façon de jouer qui lui convient le mieux.

En dehors des cartes stratégiques où se déroulent toutes les phases de gameplay, chaque mission est entrecoupée de séquences de dialogues relativement denses en contenu ; on assistera aussi bien à des échanges entre les héros mais aussi à des scènes se déroulant du côté de l’ennemi qui permettent d’offrir un point de vue différent, ce qui est toujours appréciable pour mieux comprendre les motivations des différents camps. En ce qui concerne l’histoire en elle-même, celle de OG1 avait son charme avec une guerre contre d’autres factions humaines qui devient une guerre contre des envahisseurs extraterrestres avec son lot de manipulations et de trahisons qui en marqueront plus d’un. Cela dit, le vrai point fort se trouve dans l’écriture des dialogues et c’est souvent un vrai plaisir d’assister aux conversations entre les membres de l’équipage que l’on dirige qui ne manquent ni d’humour ni de moments touchants, en particulier ceux entre Excellen et Kyôsuke et oui je fais mon sale fanboÎ mais je l’assume complètement, rien que pour l’amour d’Excellen.

N’ayant pas completé la route de Ryûsei/SRX Team (depuis bientôt quoi… 8 mois ? D’un autre côté cdt a pas bloggué depuis 16 mois soit le double !), mon opinion s’arrête donc à la route de Kyôsuke/ATX Team mais ne plus avoir le focus sur mon duo préféré n’aide pas vraiment à la motivation et après que FFenril m’ait signalé que SRT:OG2 était très centré sur Kyôsuke et Excellen, il ne m’aura pas fallu plus de deux semaines pour me ré-armer de patience et rempiler pour une autre aventure avec l’espoir d’avoir une expérience aussi si ce n’est plus mémorable. Et autant le dire tout de suite : les premières minutes sont assez prometteuses mais le jeu s’embourbe pas mal dans diverses branches scénaristiques loin d’être toutes passionantes mais se rattrape pas mal en milieu de parcours pour finir sur un final, pas forcément aussi épique que je l’aurais esperé mais assez pour que j’en garde finalement un bon souvenir.

Profitant d’un lifting plus qu’appréciable, ce second volet est plus dynamique que son ancêtre qui pouvait sembler parfois très rigide dans ces animations qui ont maintenant vraiment la pêche tout en restant dans les limitations techniques qu’offre une GBA. S’accompagnant de petites mises à jour au niveau du gameplay, comme la possibilité de revendre certains équipements dont on a pas forcément l’utilité, cet épisode se révèle être bien plus agréable à jouer bien que la quicksave soit toujours de rigueur et une certaine carte dans l’espace avec un bonus caché s’est révelée être un véritable cauchemar car le mec en charge du level-design de cette mission avait complètement craqué et rien de plus frustrant que de devoir recharger une trouzaine de fois par minute parce qu’une fois lancé dedans, impossible d’abandonner même si on sait qu’on en aura encore pour plusieurs heures – surtout quand un instant d’inattention de ma part a laissé un ennemi se poser sur une case où il pouvait se régénérer en toute impunité sans que je m’en aperçoive avant plusieurs tours, ce qui m’aura fait perdre bien une demie-heure pour rien… Mis à part ce cas exceptionnel, SRT:OG2 bénéficie d’un nombre de personnages plus élevés et de méchas encore plus abusés, que ce soit de nouveaux ou des anciens améliorés, rendant le jeu encore plus bourrin et les combats de boss à une grosse tournante où on se fait plaisir à balancer toute la sauce pour atomiser le gros méchant pas beau en un à deux tours maximum – assez jouissif quand on a galeré comme un nul sur les dernières cartes parce qu’on manquait encore d’expériences de jeu.

Qui dit nouveaux personnages dit aussi nouvelles musiques pour les accompagner lors de leurs séquences d’animations, qu’on décidera de laisser ou de zapper selon sa tolérance mais certaines valent quand même le coup d’être vues, et si j’avais oublié un point important jusque là c’était bien celui-ci. Particulièrement réussies pour la grande majorité, je me suis accordé plus d’une fois le plaisir de laisser le jeu tourner juste pour apprécier les musiques de certains persos parce que j’en suis complètement fan, certes qualité GBA mais ça ne retire rien à leur charme et qualité, que ce soit bien entendu le thème de Kyôsuke [-> youtube], d’Excellen [-> youtube], de la nouvelle venue Lamia [-> youtube],  du duo Latooni – Princess Shine [-> youtube: thème | vidéo de leur attaque Royal Heart Breaker spoiler inside] ou tout simplement de la piste Trombe! [-> youtube] qui fait l’objet de plusieurs blagues parmi les vétérans des SRTs.

Scénaristiquement, OG2 reprend là où OG1 s’arrêtait : à savoir la victoire contre les Aerogaters, vous savez les extraterrestres du premier épisode dont j’avais pas encore mentionné le nom jusqu’à maintenant, avec le camp des joueurs toujours en combat contre les Divine Crusaders, les premiers adversaires dans OG1 dont j’avais oublié de mentionner le nom encore une fois, qui se sont reconstitués sous le nom de Neo DC, preuve d’originalité s’il en est. Pour être honnête, la partie scénaristique avec les Neo DC était par moments plus que rasoir, le sentiment que ces adversaires sortant d’un peu de nulle de part ne jouant nullement en faveur du scénario, et la partie appelée The School s’est révelée être plus qu’inintéressante avec la plupart des personnages ayant le charisme d’une huître – et un duo de jeunes nouveaux qui sentent bon le repompé de Kyôsuke et Excellent mais en beaucoup moins charismatiques et largement moins intéressants.

En parlant de mes deux chouchous, ceux-ci se retrouvent effectivement avec une place centrale dans l’intrigue avec notemment les seconds adversaires que représentent les Einsts. Il m’est difficile d’aborder les Einsts sans tomber dans le spoiler grave, je me retiendrai donc de parler de ces entités mystérieuses, dont les dialogues se limitent à un « … » pour la plupart, mais je mentionnerai quand même qu’il y’a du cassage de gueule de loli pour les amateurs – notez que je me suis retenu d’utiliser le terme « viol » pour ne pas finir poursuivi par le FBI. Dans la même catégorie des ennemis dont je ne dirai pas grand chose : les Inspectors, qui donnent leur titre à la seconde série anime, avec leurs méchas au look datant d’une autre époque  qui seront alternativement sources de rire et de frustration ; dommage pour eux qu’ils souffrent d’un manque de caractérisation mais au moins on évite les grosses lourdeurs de narration qu’on a avec Neo DC.

Gardant, ce que je considère comme, le meilleur pour la fin, j’aborde donc le cas des Shadow Mirrors qui apparaissent dans l’introduction sans aucune explication à leur sujet avant de ré-apparaître en tant qu’antagonistes à divers moments du scénario. Encore une fois, le problème du spoiler se pose et m’empêche de trop développer leur cas mais parmi les quatres groupes antagonistres, c’est celui qui s’est revelé être le plus intéressant à mes yeux, bénéficiant d’une caractérisation de meilleure facture que les autres et surtout d’une histoire et d’un background bien plus prenant mais hélas avec pas mal de zones d’ombres. Il est à noter que le personnage d’Axel a été ré-écrit dans la version PS2 des jeux OG et ne passe plus autant pour le psychopathe qu’il est dans la version GBA.

D’ici quelques lignes, je vous donne la recette pour vous attirer les bonnes grâces de certains méchaphiles.

Pour les japonisants, les deux jeux GBA ont été réunis en un seul sur PS2, portant le titre de Super Robot Taisen Original Generations ou OGs pour les intimes, ne l’ayant pas testée, je ne pourrai pas pas faire de commentaires à ce sujet si ce n’est que la présence de voix pour les personnages pourrait en attirer plus d’un, en plus de l’amélioration graphique. De plus une suite sur PS2 est disponible sous le titre de Super Robot Taisen Original Generation Gaiden / OGG.

Petit aparté pour le spin-off Super Robot Taisen OG Saga: Endless Frontier et sa séquelle Super Robot Taisen OG Saga: Endless Frontier EXCEED (dont la chanson d’intro est chantée par Nana Mizuki) sortis du Nintendo DS que j’ai à peine touché et ne peux donc pas offrir d’avis consitant dessus. Cela dit, de ce que j’ai pu en tater, il s’agit non plus du Tactial-RPG mais de jRPG des familles avec un système de combats qui ne manquera pas de rappeler un certain Valkyrie Profile dans sa forme ; de plus, les héroines ont l’air de bénéficier d’une poitrine plus que développée donc avis aux amateurs de grosses poitrines s’il y en a dans l’assistance, d’autant plus que le premier épisode a été traduit par Atlus et donc disponible en anglais.

Toujours dans le thème des autres médias en rapport avec la saga OG de SRT, il existe plusieurs adaptations en anime à commencer par la série TV :

  • Super Robot Taisen Original Generation: Divine Wars qui, d’après les retours que j’ai pu lire et entendre, est loin d’être une grande réussite si on fait exception de l’opening [-> youtube] qui est assez fantastique sur le plan musical.
  • Une adaptation en manga du premier jeu : Super Robot Taisen OG: Divine Wars – Record of ATX par Yatsufusa Tatsunosuke avec 4 volumes de disponibles et il faudrait que je pense à me les procurer. Demandez leur avis dessus à Tetho ou FFenril.
  • 3 OVA sont aussi sorties sous le titre Super Robot Taisen Original Generation: The Animation, reprenant le début de OGG soit après les évènements de OG2, il sera nécessaire d’être passé par les jeux pour voir ces 3 épisodes qui se laissent largement regarder sans déplaisir.
  • Plus récemment, OG2 s’est vu adapté en série TV avec Super Robot Taisen OG: The Inspector, s’étalant sur 26 épisodes avec un premier ending complètement fantastique avec une partie des héroines à la plage et donc en maillots de bains [-> youtube - peu recommandé si vous êtes au travail mais vous ne devriez déjà pas être ici au travail bande de flemmards !]. Pour la review de l’opening, voir chez Papa Tetho [-> 1er contact : Super Robot Taisen OG -The Inspector- - Anime-janai]

En ce qui concerne cette dernière adaptation, celle-ci s’adresse surtout et avant-tout aux vétérans du jeu mais Tetho vous le dira bien mieux que moi [-> Pourquoi SRT OG -The Inspector- ne se destine qu’aux fans de la franchise et pourquoi c’est une bonne chose - Anime-janai]. Pour faire court, la série souffre bien trop clairement d’un manque de budget assez conséquent mais s’il y a bien une chose dont l’anime ne manque pas, c’est bien de passion de la part de son équipe qui aura su nous offrir des épisodes plus que formidables et dépassant les espérances au milieu de l’ensemble, il faut le reconnaître, bien plus qu’inégal. Mon plus gros reproche ne portera ni sur le fait qu’il n’y a aucun effort d’accessibilité pour le néophyte ni sur le manque de budget qui gâche énormément le potentiel de la série, mais plutôt sur le fait qu’à aucun moment dans tous les épisodes, IL N’Y A PAS UN SEUL RAMPAGE GHOST MERDE ! (l’attaque combinée de Kyôsuke et Excellen) S’il y avait bien une chose que j’espérais voir à l’écran c’était bien ça et comble de l’ironie, le dernier épisode est une véritable orgie avec tout le monde qui balance ses plus grosses attaques, ce qui ravira sûrement les plus méchaphiles d’entre vous ; mais sans ce Rampage Ghost qui aurait pu être le point culminant de la série. Quoi qu’il en soit, j’ai quand même pris un certain plaisir à suivre de façon hebdomadaire The Inspector et je reverrai volontiers la série d’ici quelques mois.

Dans les dernières nouvelles et à l’occasion des 20 ans de la franchise générale, un nouvel épisode de la saga OG est en cours de développement pour PS3 et fera directement suite à OGG. Voir la news de famitsu [-> Dai-2-ji Super Robot Taisen OG - famitsu] pour la gallerie d’images qui promet monts et merveilles, et dont, on l’espère tous, ceux d’Excellen, en haute résolution. J’ai du pain sur la planche pour finir OGG d’ici là…

Enfin bref, avoir taté de ces jeux m’aura permis de passer de très bons moments, entrecoupés d’épisodes de frustration où j’insultais grauitement le jeu, et de m’attacher à des personnages qui sont loin de manquer de personnalité. Loin d’en avoir fini avec ces jeux, il me reste encore des embranchements scénaristiques à découvrir mais pour le moment, je range ça pour m’intéresser aux autres jeux de la franchise SRT dont le tout dernier Z2 Hakai-hen sorti sur PSP en avril dernier qui se révèle être d’une richesse rare et je le savoure avec grand plaisir au quotidien même si mon japonais encore balbutiant  rend la lecture longue et ne pas avoir vu la plupart des séries représentées dans ce jeu me fait passer à côté du plaisir de la plupart des joueurs de SRT de retrouver leurs anime favoris.- note : j’ai du recommencer le jeu du début après avoir raté une Skill Point et ré-écrit par dessus ma sauvegarde à environ 1/3 du jeu.

Je ne sais pas encore jusqu’où j’irai dans cette franchise mais avec les épisodes Alpha 3 et Alpha Gaiden, OGG plus l’opus OG PS3 en préparation, j’aurai déjà suffisamment de quoi m’occuper pendant plusieurs mois dans un avenir plus ou moins proche, sans compter ma partie de Z2 Hakai-hen en cours.

Si vous vous sentez l’âme d’un homme, un vrai, celui qui se bat pour protéger l’univers avec la flamme dans son coeur et dans son âme, n’hésitez à vous lancer vous aussi dans l’aventure, ne serait-ce que pour la poitrine l’amour d’Excellen qui vous le rendra bien.

Moi aussi je veux ma Bunny Girl personnelle !

P.S. et tl;dr : je ne suis pas un méchaphile.

]]> http://blog.eientei.net/2011/06/02/jaime-les-bunny-girls-avec-une-paire-de-jumelles-ou-ma-premiere-experience-avec-super-robot-taisen/feed/ 6 Epitanime 2011: sous le signe de l’esprit dôjin© http://blog.eientei.net/2011/05/24/epitanime-2011-sous-le-signe-de-lesprit-dojin%c2%a9/ http://blog.eientei.net/2011/05/24/epitanime-2011-sous-le-signe-de-lesprit-dojin%c2%a9/#comments Tue, 24 May 2011 20:32:40 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=619 J’ai l’habitude d’assister à la totalité de l’Epitanime mais pour cette année, la situation était différente : tout d’abord les choix des dates de la convention, tombant une semaine plus tôt qu’à l’habituée, ont fait que j’étais toujours en pleine période d’examens et que vendredi soir j’ai préféré rentrer chez moi pour d’une part me reposer et réviser mes examens de grammaire du lendemain mais aussi pour regarder le AnoHana 06, qui par ailleurs reste tout aussi bon que les précédents et nous offre 20 minutes remplies d’émotions, pourvu que ça dure !

Quoi qu’il en soit, j’ai dû affronter les transports matinaux ainsi que la flemme du matin pour me rendre dans le sud de Paris et trainer un peu à gauche à droite pendant 5 minutes avant de retrouver des visages connus, à savoir Lyn, Tetho, FFenril, Zrat et euh… d’autres personnes que j’ai déjà oublié mais dont tout le monde s’en fiche. Enfin bref, passons en revue mon Epitanime 2011 dans l’ordre chronologique des faits.

Contrairement à la plupart des éditions précédentes, je n’avais quasiment pas de plans prévus mis à part quelques trucs stupides à faire -dont un flashmob Star Driver-, j’étais donc venu comme un très gros touriste pour la matinée de samedi. Après un premier crochet par le karaoké où j’y retrouvai quelques affreux avec lesquels j’allais passer la majorité de la convention, direction le forum qui dégageait une grande impression de vide et bien que j’avais prévu de ne rien dépenser, j’ai quand même craqué pour le box DVD de Seikai no Monshô – ou Crest of the Stars, de chez BEEZ qui trainait à 15€. Le box collector de Cobra de chez Déclic, comprenant la série TV et le film par Dezaki, me faisait aussi de l’oeil mais j’imagine que j’attendrai une autre fois pour l’acheter. Pour le reste du forum : un dépôt vente où on pouvait y trouver certaines curiosités plus ou moins intéressantes, une boutique pleine de contrefaçons en face du manga café et à côté du stand de notre cher ami pbsaffran qui nous gratifiait du volume 5 et 6 de sa traduction du Visual Novel amateur Higurashi no Naku Koro Ni – sous le titre français Le sanglot des cigales [-> Site officiel - Le sanglot des cigales] ainsi que des exemplaires de Ôgon Musôkyoku [-> site officiel] venant directement d’une source officielle, donc légale. Côté fanzine, j’avoue l’avoir survolé mais il y ‘avait quelques bonnes surprises dont un visage familier qui vendait des doujinshi d’animateurs, encore une fois le budget inexistant aura eu raison de mes intentions d’achats.

Seul et unique achat, à savourer sur les prochains mois.

S’ensuivit une participation honteuse à un quiz Gundam, qui fut sans surprise remporté par Tetho et FFenril, ainsi que d’un autre, sous forme de blindtest, sur les travaux de chacun des membres, passé, présent et futur de JAM Project où j’ai rempli la feuille de réponse de « Super Robot Taisen » pour combler mes vides dans l’espoir d’en avoir quelques uns de juste – d’ailleurs j’ai même rempli les espaces 31 à 40 alors que le blindtest ne comprenait que 30 extraits ! Enfin bref, mis à part ces mini aventures tout ce qu’il y a de plus anecdotique, rien de notable avant midi où j’ai contacté l’ami Axel Terizaki [-> compte rendu de l'Epitanime sur Meido-Rando] et deux trois autres joyeux compagnons pour respecter notre tradition de faire un restaurant secret avec des invités triés sur le volet, et d’autres qui squattent à la dernière minute, pour y discuter de tout et n’importe quoi – dont de notre nouveau projet ambitieux de sauver la blogosphère, mais on y reviendra une autre fois.

Le reste de l’après-midi sera courte, ayant des obligations universitaires qui m’imposaient de m’envoler de la convention autour de 15h pour arriver à l’heure à mes examens de grammaire japonaise, j’ai néanmoins pu assister à la cérémonie de remise des récompenses des Sama Awards [-> Compte rendus de la cérémonie par Pazu | Mackie] durant laquelle j’ai du représenter Aer, qui avait gagné un prix via son article sur Evangelion 2.22 [-> Evangelion 2.22 : You Can (Not) Advance par Aer] et en dépit de problèmes de réception téléphonique qui m’empêchèrent de savoir quel lot parmi les restants l’intéressait le plus, j’ai du prendre l’initiative de choisir un fantastique poster Hetalia, qui avait fait horreur à Tetho – une conversation téléphonique plus tard m’apprendra qu’il m’en aurait voulu d’avoir choisi les manga de Karin – Chibi Vampire, dommage. La cérémonie, où j’avais pu y rencontrer certaines personnes -dont l’honorable Mackie à qui je dois des remerciements d’avoir bien voulu éditer son billet pour retirer la majuscule qu’il avait mis à mon pseudo, après je suis un garçon sensible à la casse- et en revoir d’autres, se conclut un peu avant 14h30, ce qui me permit de dessiner à la dernière minute un graphème phénicien sur mon masque doré pour le flashmob kiraboshi dans la cour Pasteur.

Pour être totalement honnête, on ne s’attendait pas à réunir beaucoup de monde pour notre petite connerie, au mieux une dizaine de personnes, mais force est de reconnaître que nous avons eu l’agréable surprise de constater qu’on était une bonne vingtaine à avoir joué le jeu – on aurait dépassé la barre symbolique des 25 idiots si certaines personnes n’étaient pas occupées à ce moment là où avaient oublié de se présenter, et d’ailleurs je les remercie d’avoir fait les cons avec nous. Alors que nous découvrions ce que c’était que d’être cosplayer à rester en position de kiraboshi pendant d’interminables minutes pour que des gens nous prennent en photo, un rapide coup d’oeil vers la scène principale nous fit voir une scène vide d’activité et sans plus tarder, l’idée de prendre d’assaut l’estrade se fit sentir. Ne perdant aucune minute, nous avons donc investi cette scène dans un désordre complet, se rendant compte que trop tard qu’il y avait un défilé de mode qui  venait juste de commencer, pour faire un kiraboshi géant totalement désynchronisé avant de lâchement prendre la fuite. Des photos de nos conneries sont trouvables à divers endroits du net comme dans l’article de Pazu ou encore sur le forum de Mata-Web [-> photo du kiraboshi sur Mata-Web]  ou en bas de page sur Mediev.net. Pour la petite histoire, nous sommes allés, avec les autres responsables de ce petit projet, nous excuser personnellement auprès de Kajian dans la nuit de samedi pour leur assurer qu’il ne s’agissait pas d’un acte terroriste visant à les nuire, juste une bande de potes du net cherchant à faire les cons sans vouloir faie de mal à personne ; d’ailleurs s’il y’en a qui se sentent concernés qui me lisent, nous sommes vraiment désolés s’il y’a des gens qui l’ont mal pris, on prendra le temps de vérifier qu’on ne dérange personne la prochaine fois avant de faire une connerie de ce genre.

La fin de cette première partie du samedi se finira dans la salle de la Brigade SOS [-> haruhi.fr] qui a bien voulu nous offrir généreusement le gîte et à boire où nous nous sommes posés pour organiser un petit moment K-ON! grâce à des boîtes de sucreries, Dalloyau pour ne pas citer de marques, que nous a gracieusement apporté mon ami Orphi, encore merci à lui.

Pour information, il n’y avait que de l’eau dans mon verre, les autres ayant fait l’effort de prendre du thé Karigane offert par les arouistes©.

Après ce court mais délicieux instant, le devoir et mes études me rappelèrent à l’ordre et c’est non sans grandes difficultés que j’ai tenté de dissimuler mes bracelets au poignet au reste de mes camarades de cours pendant les 5 heures d’exam qui composaient ma soirée. Pour être honnête, après être sorti de mon dernier partiel, l’envie de rentrer chez moi prendre une douche et m’écraser misérablement dans mon lit était assez forte mais je m’étais engagé à participer au concours de VN organisé par No-Xice, qui avait d’ailleurs déjà commencé avant ma sortie de la salle d’examens, et ai donc du reprendre la route de la convention en affrontant les transports nocturnes.

Arrivant pas très loin de minuit, j’y retrouvais mon groupe qui me briefa rapidement sur le concours dont le thème était : Otakus in love, d’ailleurs je ne cache pas l’irrésistible envie qui me tourmentait d’effacer ce ‘s’ mais bon passons… Je ne détaillerai pas les évènements de la nuit qui ont conduit à un échec de notre groupe, où chacun a sa part de responsabilité, mais une trop grande ambition narrative avait paralysé la production pendant une bonne partie de la nuit et l’organisation du groupe étant loin d’être efficace, il était clair que dès 3h du matin, il nous était impossible de respecter le plan prévu et autour de 5h30~6h j’avoue avoir jeté l’éponge et démarré un projet vierge où j’y déversais diverses lignes de code et de narration sans queue ni tête, histoire de me changer les esprits. D’ailleurs, ce sera ce produit honteux, écrit en une heure chrono avec une demie-heure supplémentaire de debug et autres corrections en tout genre, qui aura été soumis par notre groupe. Je ne cacherai pas qu’il s’agit là d’un pur délire, accusant la fatigue qui m’avait déjà pas mal rongé, et d’inspiration TypeMoon-esque honteusement assumée et qui n’aura pas volé sa place de bon dernier dans le classement mais aucun regret par rapport à ça, on a réussi à survivre toute la nuit dans cette salle sans climatisation et qui sentait très désagréablement l’otaku et c’est déjà pas mal !

Malgré cet échec qui aura dévoré pas mal d’efforts, dont ceux du pauvre Tetho qui avait passé la nuit à détourer des photos prises pour créer les sprites nécessaires à nos personnages, je suis loin de vouloir regretter d’avoir passé la nuit de samedi sur ce projet et même sans avoir gagné, j’ai pu retirer un certain plaisir personnel à faire lire mes cabotinages à divers visages connus et à les voir alternativement frapper leur tête contre la table et à rire comme des idiots pendant les 5 courtes minutes de lecture (choix multiples compris) qui composent cette… chose.

Pour les curieux voici le lien pour le télécharger : [-> Visual Novel amateur Esprit dôjin* - version Windows uniquement, désolé aux UN*Xiens]. Note : Il est aussi disponible avec les autres sur le site de No-Xice en bas de cette page.

[*] « L’esprit dôjin » est un néologisme que j’avais créé l’année dernière en juillet pendant certains préparatifs de la Japan Expo qui dans ce contexte, invitait une personne que je ne citerai pas à se contenter des réglages plus ou moins approximatifs de son imprimante et de justifier cela par cette expression toute trouvée « c’est l’esprit dôjin ». Cette expression est donc utilisée pour exprimer une certaine idée d’amateurisme, que ce soit avec une connotation négative ou positive, dans nos faits et gestes et est devenue la devise même de notre groupe formé avec Tetho, FFenril et d’autres comparses.

D’ailleurs, un exemple concert est trouvable dans ce qui devait être une double borne arcade pour la dernière mouture du jeu MeltyBlood mais qui, suite à divers troubles, a fini par ressembler à … autre chose.

Je ne cache pas être assez fan de tout l’esprit dôjin qui émane de cette photo. C’est vraiment assez fantastique je trouve.

Pour le reste de la convention, rien de spécialement croustillant à raconter si ce n’est une pause déjeuner au George’s Café (le maid café mis en place, George étant le nom de la mascotte, la peluche de sanglier) avec le groupe habituel qui s’est vu doté d’un certain Drig qui s’était amusé, la veille, à se faire passer pour un certain Zeta Amrith auprès de l’ami Amo mais qui, comble de l’ironie, a été victime d’un vol d’identité sur les bâches mises en place dans la descente menant vers le forum, où certaines personnes ont voulu se faire passer pour lui en laissant des messages en signant de son pseudo (d’ailleurs, ce qui pouvait être lu sur lesdites bâches était plus que lamentable et puéril). Mini coup de gueule d’ailleurs aux clips diffusés sur l’écran du maid café, je ne cache pas avoir une assez grosse antipathie pour la série des Tales of mais j’avais une irrépressible envie de faire un scandale auprès du responsable de la playlist qui nous a imposé quasiment tous les Tales of disponibles dans la Toyunda à la suite.

Enfin bref, je n’ai pas passé de mauvais moments lors de cette édition 2011 de l’Epitanime, grâce notemment aux personnages que j’ai pu y voir, mais elle ne restera dans mes souvenirs comme un franc succès mais ce serait injuste de la qualifier d’échec. Juste « une autre convention de plus » avec ses hauts et ses bas mais dans tous les cas, j’y ai gagné de quoi m’occuper avec Crest of the Stars à regarder, depuis le temps que je procrastine ce visionnage, ainsi que le Visual Novel de No-Xice : Anamnesis [-> page Anamnesis de No-Xice | article de raton-laveur] qui a été gentiment offert aux participants du concours VN, merci à eux, à lire ; je pense avoir de quoi m’occuper jusqu’à juillet en prévision d’une nouvelle Japan Expo.

Pour ceux qui se demanderaient si je commence à être aigri des conventions, je pense qu’il est inévitable qu’après une dizaine de conventions, l’enthousiasme général retombe mais les occasions d’y retrouver certaines personnes qu’on ne peut voir qu’un nombre limité dans l’année justifie encore largement le déplacement en ce qui me concerne et sauf circonstances exceptionnelles, je devrais rempiler pour l’édition de 2012, en espérant y trouver plus d’activités me faisant de l’oeil (et aussi hors période d’examens).

]]> http://blog.eientei.net/2011/05/24/epitanime-2011-sous-le-signe-de-lesprit-dojin%c2%a9/feed/ 8 Par delà la vitre de la 2D, un appel à la libido pour l’Epitanime 2011 http://blog.eientei.net/2011/05/06/par-dela-la-vitre-de-la-2d-un-appel-a-la-libido-pour-lepitanime-2011/ http://blog.eientei.net/2011/05/06/par-dela-la-vitre-de-la-2d-un-appel-a-la-libido-pour-lepitanime-2011/#comments Fri, 06 May 2011 07:52:58 +0000 nyo http://blog.eientei.net/?p=512 Gentlemen, avant toutes choses :

Maintenant que j’ai votre attention, permettez-moi, en tant que représentant de Madame Watanabe, présidente de La Banque des Adultes ♦, de vous parler du grandiose et F A B U L E U X projet de notre Organisation de la Croix Étincelante.

Vous n’êtes pas sans savoir qu’un évènement d’envergure mondiale approche à grand pas et l’heure n’est non plus à la PASSION ou aux gâteaux, mais bien à la LIBIDO et ce sera l’occasion pour chacun d’entre vous de faire éclater celle-ci au grand jour devant un public qui, devant une telle splendeur, ne pourra que se joindre à nous dans l’espoir de partager ne serait-ce qu’un soupçon de notre gloire qui rayonne à travers toute la galaxie.

Notre objectif sera donc d’investir l’Epitanime le samedi 21 mai et de se réunir dans la grande cour à 14h30 avec un masque doré, marqué de votre symbole, sur le visage, afin de dissimuler notre véritable identité, où nous y exécuterons le Kiraboshi.

Ceci est une opération conjointe avec d’autres sections de l’Organisation de la Croix Étincelante et ce sera accompagné de Boungainvilleae ♥, Vanishing Age ♠ ainsi que de Filament ♣ que nous exécuterons ce projet. Notre objectif sera d’être le plus nombreux possible pour marquer l’évènement de notre magnificence ainsi que les esprits de façon durable et éclatante.

Peu importe les raisons qui vous motiveront, qu’il s’agisse d’une loyauté sans faille envers notre organisation ou pour l’amour de Madame Watanabe, vous êtes tous gracieusement invités, sans distinction, à venir grossir nos rangs pour écrire un nouveau chapitre de notre légende ce jour là.

Si l’envie de nous rejoindre est présente mais que vous ne vous sentez pas dignes de participer à l’avènement d’une ère nouvelle, n’oubliez jamais que le statut de beau gosse galactique n’est pas réservé à une poignée d’élus, ni même aux hommes car on a bien des femmes qui jouissent de ce titre, et qu’il s’agit surtout d’avoir l’intime conviction d’en être un profondément dans son coeur sa LIBIDO. Si vous pensez donc avoir cette étincelle dans votre LIBIDO, venez-donc nous le prouver au grand jour !

綺羅～☆ et que votre LIBIDO resplendisse à jamais de toute sa gloire à travers toute la galaxie.

Post-scriptum :

Si vous ne disposez pas encore de votre masque, la plupart des boutiques de déguisement de votre ville se feront une joie de vous en fournir un pour un prix dérisoire et dans le cas où vous aurez oublié à quoi ressemble votre symbole, n’hésitez pas à consulter ce tableau récapitulatif (pas de restriction, faites vous plaisir et choisissez celui qui vous plaît le plus). Bonne chance et que l’esprit dôjin© soit avec vous

Veuillez trouver ci-joint un explicatif sur comment bien exécuter notre signe de ralliement gracieusement offert par Bougainvilleae ♥

]]> http://blog.eientei.net/2011/05/06/par-dela-la-vitre-de-la-2d-un-appel-a-la-libido-pour-lepitanime-2011/feed/ 13 Seuls les morts ont éternellement 17 ans http://blog.eientei.net/2011/05/05/seuls-les-morts-ont-eternellement-17-ans/ http://blog.eientei.net/2011/05/05/seuls-les-morts-ont-eternellement-17-ans/#comments Thu, 05 May 2011 20:05:15 +0000 nyo http://blog.eientei.net/fr/?p=507 J’ai toujours eu une certaine fascination pour pas mal de seiyû, vous savez ces personnes qui doublent votre tsundere ou loser-héros-de-harem préféré dans les dernières production de chez Moelicious Studio, et quand on commence à discuter de ce genre de choses, il y’a des noms et des sujets qui reviennent très souvent comme l’hystérique poupée barbie (qui était mieux à 12 ans selon mt-i) qu’est Hirano Aya, Yûki Aoi la nouvelle arme du FBI pour piéger les pédophiles et sa popularité fulgurante (surtout auprès de ces derniers), l’éternelle Sakamoto Maaya qui enchaine les rôles de « salopes »©Tetho depuis qu’elle n’a plus 15 ans, la moélicieuse Hanazawa Kana (ma préférée du moment) ainsi que bien d’autres sans oublier bien sur Kikuko Inoue et ses éternels 17 ans quantiques qui font écho au titre de ce billet. D’ailleurs ce sera la seule fois où je parlerai de seiyû dans celui-ci.

Suite à cette introduction qui n’en était pas une passons à la suite du programme : comme j’aime varier un peu mes sujets d’écriture, j’ai décidé qu’encore une fois je ne parlerai pas directement de la dernière série que j’ai regardé, ni du dernier album de J-truc écouté [-> Princess Ghibi] ou de mes dernières aventures dans le merveilleux monde des Petits Poneys visual novel, quoi qu’on en dise les VN sont ce qui se rapprochent le plus de mon sujet. Pour la première fois sur ce blog je vais donc m’aventurer à parler plus ou moins brièvement d’un roman, un vrai sans images, mais surtout de son adaptation au cinéma avec des vrais acteurs, ceux qui savent jouer, pas ceux de drama. Amis allergiques à la littérature où à la 3D, veuillez passer votre chemin en attendant que je reparle de choses moins respectable.

J’avoue un peu profiter du fait d’avoir eu la chance d’assister à l’avant-première de l’adaptation de La ballade de l’impossible (titre original: 『ノルウェイの』 titre anglais: Norwegian Wood) de l’auteur japonais Murakami Haruki par le réalisateur Trần Anh Hùng pour me mettre à écrire sur le sujet alors que cela faisait déjà un bail que je voulais en parler mais comme on dit mieux vaut tard que jamais et comme le film vient juste de sortir en France, autant saisir l’occasion.

(D’ailleurs petite modification cosmétique : désormais l’adresse principale du blog est http://blog.eientei.net/ sans le /fr/ mais les liens avec redirigeront automatiquement vers la bonne nouvelle url et ce sans avoir à payer d’abonnement menseul.)

Comme vous en avez l’habitude c’est parti pour un peu d’historique avant d’entamer le sujet.

Cela ne fait pas vraiment longtemps que je lis du Murakami Haruki, avant 2009 je ne devais pas faire la différence entre lui, son confrère Ryû ainsi que Natsumi de Negima! qui portent tous le même patronyme. Ma lecture des oeuvres de Murakami Haruki n’a non pas été motivée par le fait que Kojima soit un grand fan de l’auteur mais par un article [-> Always on the side of the egg - Murakami Haruki] qui m’a été partagé et qui m’avait suffisamment touché pour que je me décide à faire un tour à la librairie de mon université californienne pour faire le plein de quoi m’occuper lors de mes vacances mon séjour pour mes études sur place. Le choix de ma première lecture fût donc La ballade de l’impossible à cause de son titre anglais qui fait directement référence à la chanson Norwegian Wood, d’ailleurs le titre japonais aussi, et le résultat en fût plus que satisfaisant et me motivera à m’intéresser au reste de sa bibliographie.

Pour ceux qui voudraient directement un avis sur le film, reportez vous plus bas.

I. Le roman

Personnellement, j’ai toujours trouvé l’exercice de résumer une oeuvre très difficile car je n’arrive jamais à trouver l’équilibre sur jusqu’à quel point je peux parler de l’intrigue mais aussi de la façon de rendre ça intéressant pour les éventuels futurs lecteurs. De plus, l’intrigue étant très centrée sur le développement des personnages et le passage à l’âge adulte du héros Watanabe Tôru étant au coeur du roman, il en sera d’autant plus difficile d’en parler sans trop en dire et gâcher le plaisir de la découverte.

Quoi qu’il en soit, le livre démarre avec le suicide de Kizuki, le meilleur ami de Watanabe pendant l’année de leur 17 ans. Ce dernier n’ayant été jamais été réellement proche de Naoko, la petite amie du défunt, et n’en profitera d’ailleurs pas pour la réconforter ou s’en rapprocher de façon opportune ; au contraire même, après la fin du lycée, il quittera son Kobé natal pour faire ses études de lettres à Tôkyô. L’histoire commence donc dans les dernières années des années 60 dans un Tôkyô agité par des manifestations étudiantes. Lors d’une de ses sorties, Watanabe retrouvera par hasard Naoko et les deux jeunes finiront par se rapprocher l’un de l’autre jusqu’à la nuit fatidique du 20ème anniversaire de Naoko où ils consommeront leur amour et suite à quoi Naoko disparaîtra sans laisser de traces pendant plusieurs chapitres.

Très indifférent à la révolution que cherchent à faire éclater ses confrères d’université, Watanabe continuera de vivre sa vie tourmenté non seulement par la mort de Kizuki mais aussi la disparition de Naoko, ainsi que dans une très grande passivité et indifférence très caractéristique des protagonistes dans les romans de Murakami. La rencontre avec Midori, une autre étudiante dans la même fac ; radieuse et fantasque, elle apportera un vent de fraîcheur à l’histoire pendant l’attente de l’arrivée d’une lettre de Naoko qui nous apprend qu’elle se trouve désormais dans un institut spécialisé dans l’espoir de soigner ses troubles psychologiques.

Avec en toile de fond, un Tôkyô étudiant plus que mouvementé, le maître Murakami tisse de « belles » histoires d’amour, que j’ai complètement rendu inintéressantes par mon résumé, touchantes mais aussi pouvant être destructrices que ce soit pour Watanabe et les objets de son affection ou les rares personnes qu’il peut considérer comme « amis » mais pourtant tout n’est pas non plus complètement nihiliste ou emo à en rendre un pilote de Gundam jaloux. Teintées d’un érotisme très présent, sans jamais tombé dans la débauche pornographique, et contrastant avec les problèmes titanesques qu’ont les protagonistes à communiquer entre eux et surtout sur leurs sentiments, les « aventures » de Watanabe et sa double relation ambigûe avec Naoko et Midori ont beau être au coeur du roman, les rares personnages qui gravitent autour de notre trio sont loin de seulement faire office de décoration car ils ont chacun leur propre histoire personnelle et leurs blessures qu’ils trainent au fil du roman contribuent à donner de la consistance à ce petit univers bien que ce dernier reste entre largement très terne.

Très emprunt de nostalgie d’une autre époque pour beaucoup d’entre nous, certaines références, très occidentales qui peuvent s’expliquer par les nombreuses années de Murakami passées hors du Japon, qu’elles soient musicales ou littéraires parleront plus ou moins mais dans tous les cas, il sera très difficile de ne pas ressentir une certaine mélancolie qui hante les différents chapitres. Bien que généralement très friand de ce genre de fan-service de références gratuites, une partie d’entre elles m’est quand même passé au dessus de la tête rien que parce que le contexte est loin de m’être particulièrement familier mais je n’en boude pas mon plaisir pour autant. Loin de juste de vouloir s’attirer les faveurs de certains lecteurs, elles ancrent véritablement l’histoire dans un cadre historique bien précis et offrent donc une base solide sur lequel peut s’appuyer la narration.

Toujours dans le même ordre d’idée, Watanabe est un héros dans la grande tradition de ceux qu’on retrouve dans les autres romans de Murakami, à savoir : très indifférent à son environnement (rien que son attitude envers la situation bouillonante du Tôkyô étudiant d’entre 1968~1970), passablement cynique et surtout sans réel but dans la vie, il prend malgré tout une forme concrète au fil de la lecture. Là se trouve le point fort de ce livre qui ne réside non pas son histoire qui n’est ni plus ni moins qu’une romance dans un contexte de passage à l’âge adulte, qui est certes très loin d’être mauvais, mais dans cette caractérisation très forte qui donne vie et corps à ce nombre réduit de personnages animés par leurs émotions débordantes qui sont retransmises au lecteur via la plume habile du maître Murakami. Bien que ses personnages flirtent avec la mort, ils ne manquent pas de vie pour autant et ne cédant jamais complètement aux sirènes de l’auto-destruction et du désespoir, l’auteur parvient malgré tout à rendre son histoire positive et porteuse d’espoir bien qu’épuisante sur le plan émotionnel ; au delà de leur lourd passé, chacun tente bien comme il peut de vivre avec et de l’accepter pour pouvoir aller de l’avant car s’il y a quelque chose que j’en ai retiré de cette lecture en particulier c’est bien cette idée, à l’instar de Honey & Clover histoire de faire des appels du pied à mes confrères FFenril et kyouray entre autre, d’apprendre à aller de l’avant.

Loin d’être le meilleur Murakami que j’ai pu lire jusque là, il n’en reste pas moins un livre qui m’a laissé un souvenir impérissable. On ne peut pas réellement parler d’ambitions pour ce livre qui ne cherche pas à être plus que ce qu’il n’est et dispense son message sur la perte liée à la mort et à l’amour de façon limpide. Bénéficiant d’une portée peut-être pas universelle mais suffisamment large pour s’adresser à un public assez conséquent, sa lecture parlera à beaucoup ; qu’on soit accablé par le poids des années et en quête d’une nostalgie pleine de gros robots ou jeune et à la recherche d’un sens à sa vie dans le thé et les gâteaux, il y aura toujours quelque chose à en retirer de cette lecture.

Pour les curieux qui voudraient un avis sur un autre livre, l’ami jonas nous a offert un billet sur Kafka sur le rivage.

Je suis loin de me considérer comme un grand lettré et donc apte à critiquer le style d’écriture mais mes multiples lectures dans deux traductions différentes, à savoir : la version anglaise par Jay Rubin et la française par Rose-Marie Makino-Fayolle et les deux m’ont laissé des impressions très différentes. L’anglaise, qui est d’ailleurs la seconde version traduite et donc la plus moderne et n’ayant pas lu la première traduction je n’ai donc aucun avis à offrir dessus, m’avait paru beaucoup plus fluide dans sa lecture et aussi bien plus « orale » donc plus naturelle et agréable. Sans vouloir remettre en question la traduction française, rien que parce que je n’ai pas eu l’occasion de faire la comparaison avec la version originale, et que je pense avoir un biais assez sévère à cause de ma première lecture, mais beaucoup de passages m’ont semblé y perdre en spontaneité et naturel qui faisaient le charme de la narration à mes yeux. Dans tous les cas ces deux versions se lisent sans aucun problème et même si j’affiche une préférence pour la traduction de Jay Rubin, je n’ai aucun problème à recommander l’édition française sûrement plus accessible pour beaucoup.

Pour ceux qui se demandent pourquoi ce titre pour la France : Hélène Morita, la traductrice de certains romans de Murakami en France mais pas de celui-ci, nous a partagé que la décision venait de l’éditeur car apparemment autant il est possible de laisser des titres en anglais au cinéma, en ce qui concerne la littérature il est automatique de franciser le titre pour les éditeurs.

II. Le Film

N’ayant pas encore eu l’occasion de le revoir depuis l’avant-première parisienne au cinéma La Pagode, période d’examens oblige, ma critique sera principalement basée sur les souvenirs vieux de plusieurs semaines. Il va de soi que j’avais un certain nombre d’attentes quant à cette adaptation, des points pivots du roman sur lequel je risquais de me montrer impitoyable ou simplement une façon d’interpréter tel ou tel passage qui est loin d’être universelle, mais aussi quelques a priori.

Il m’est arrivé plus d’une fois de regarder des drama asiatiques et bien que généralement j’en retire une bonne dose de rire souvent liée au fantastique jeu d’acteurs de certains, j’avais quelques appréhensions vis-à-vis de ce sujet précis et fort heureusement, elles ont été dissipées très rapidement. Il s’agit là d’un vrai film avec de vrais acteurs, d’ailleurs certains reconnaitront peut-être Matsuyama Kenichi, dans le rôle de Watanabe, qui jouait entre autre L dans l’adaptation de Death Note ou Kôra Kengo qui jouait dans l’adaptation de Solanin que je dois encore penser à voir une fois que j’aurai relu les manga (oui ceci est une note personelle), leur jeu sonne donc juste et rassure donc un minimum sur la direction que prend le film. C’est donc l’esprit plus tranquille qu’on se lance donc dans cette aventure de 2H.

S’il y’a quelque chose qui m’a marqué plus que le reste c’est qu’une fois passé le prologue, Kizuki disparaît littéralement de l’écran pour quasiment le reste du film tandis que son souvenir hantait fortement Watanabe et Naoko dans les différents chapitres du roman, et est d’ailleurs à l’origine de nombreux troubles qui les habitent. Il est certes difficile de trouver le bon équilibre pour une adaptation sur ce qu’on peut montrer et ce qu’on peut sous-entendre et même si un spectateur, avec un peu de réflexion, peut deviner que le fantôme de Kizuki a une certaine présence dans le film, on manque vraiment d’indices à l’écran pour que cela ait un réel impact émotionnel. De plus le personnage de Reiko, une pensionnaire de l’institut qui partage le quotidien de Naoko, s’est vu simplifié, on aura donc pas les détails de son passé et certaines informations la concernant tombent comme un cheveu dans la soupe à la fin du film (et sortent en plus de la bouche de Watanabe) mais ces coupes radicales pour Reiko sont, de l’aveu du réalisateur lors de la petite séance de questions/réponses qui ont suivi l’avant-première, intentionelles car il était crucial de garder tout le film centré sur Watanabe et son évolution ce qui me semble parfaitement justifié, bien que dommage pour le personne de Reiko qui est quand même une figure importante mais l’essentiel du message que porte son personnage étant quand même transmis à la fin, l’honneur est sauf.

Toujours dans le registre des doléances, la première partie du film m’a paru très poussive dans son rythme, même si le contenu des premiers chapitres du roman font que le résultat à l’écran est cohérent avec le livre, il n’empêche que j’étais loin d’être transporté par le début de cette adaptation et même du point de vue musical, je n’étais pas encore vraiment convaincu par les mélodies composées par Jonny Greenwood. Cependant le bilan est loin d’être négatif car même sans être transporté par ce début, la réalisation très soignée reste d’une rare beauté ; bien que je peux accuser le réalisateur de parfois trop s’admirer filmer ses acteurs dans ce premier tier, il nous offre quelques moments de grâce comme cette scène où Watanabe écrit une lettre à Naoko avec une caméra au plus près de la lettre et qui suit le mouvement du stylo pour donner une scène très surréaliste mais aussi extrêmement prenante. Il faudra attendre la fin du premier tier et surtout l’apparition de Midori, jouée par la radieuse Mizuhara Kiko qui nous livre une interprétation presque parfaite de Midori, pour que le film, comme le livre d’ailleurs, commence à vraiment prendre son envol.

Dans ces deux derniers tiers, Trần Anh Hùng fait preuve d’une profonde compréhension pour l’oeuvre de Murakami, se l’approprie et livre une interprétation très personnelle et le fait de façon très convaincante mais aussi captivante. De plus, la musique y gagne aussi en intensité et s’intègre beaucoup mieux dans le film. S’il y’a une expression pour désigner les compositions de Jonny Greenwood ce serait celle « d’harmonie dissonante », non pas que les musiques soient mauvaises, au contraire même, mais car elle sert avec brio ces scènes très dérangeantes pour le spectateur en agrippant le spectateur pour mieux le plonger dans le film tout en provoquant diverses émotions au delà de la frontière de l’inconfort. A l’image du livre, le film mettra son spectateur mal à l’aise à plus d’une occasion, surtout dans les scènes avec Naoko, tout offrant quand même des lueurs d’espoir avec Midori, une figure salvatrice dans cet océan de misère émotionnelle rien que par cette impression de vie qui se dégage de son personnage.

Autant la première partie était loin de se montrer probante, autant la suite arrivera à gagner progressivement l’interêt du spectateur pour véritablement l’absorber dans le récit et le lui faire vivre à travers les notes magnifiquement lancinantes de Jonny Greenwood (j’avais dit qu’il était le guitariste de Radiohead ? Non, ah bin voilà c’est fait) et les effets stylistiques parfois surréalistes du réalisateur. Bien que cette adaptation souffre de pas mal de défauts dans sa structure et sa réalisation, dont certains énoncés plus hauts, il n’en reste pas moins un film vraiment très beau à voir et très intéressant à étudier. Certes il n’est pas parfait mais il trouve largement grâce à mes yeux dans sa seconde moitié transportera le spectateur dans une véritable aventure émotionnelle en le malmenant à plusieurs reprises mais en lui ré-insufflant un souffle de vie libérateur dans ses derniers moments, aussi bien pour le public que pour les personnages. Malheureusement, il n’en reste pas moins une oeuvre difficile à appréhender sans avoir lu le roman d’origine et beaucoup de sa substance peut se perdre pour un non initié dans les exercices de style du réalisateur et plus d’un visionnage serait recommandé pour vraiment capturer l’essence du film dans sa totalité. De plus, étant donné d’une certaine sensibilité, sa portée sera loin d’être aussi universelle que le livre et certains choix d’adaptation risquent d’en détourner certains de l’appréciation du film.

Il n’est jamais vraiment aisé de discuter de la qualité d’adaptation d’un roman en film, d’autant plus dans le cas présent que le réalisateur s’est réellement approprié le roman pour en livrer sa vision personnelle qui malgré tout s’en sort bien pour ce qui est de livrer le message du livre. On regrettera beaucoup certaines coupes scénaristiques, surtout comme je l’ai dit celles qui concernent Reiko mais aussi l’absence de certaines répliques de Midori qui renforçaient le contraste entre elle et Naoko par son égoïsme étincelant, mais ces dernières ne désservent pas pour autant le film et n’en gênent pas l’appréciation. Quant aux acteurs, ces derniers font preuve d’un jeu à la fois convaincant mais aussi offrent une belle et fidèle interprétation des personnages et même si on reprochera certains passages parfois surjoués, l’ensemble reste de haut niveau (surtout quand on a une image négative des acteurs japonais à cause des drama) et donc plus qu’appréciables.

Enfin bref, comme à mon habitude je me suis perdu, répété, répété et emmelé encore une fois mais pour résumer : qu’on soit néophyte de Murakami ou vétéran, ce film reste très intéressant à voir pour diverses raisons et j’en recommande donc le déplacement au cinéma le plus proche qui le diffuse (ou l’achat/location à sa sortie en vidéo sur votre support favori) car même sans être un excellent film, il propose une expérience suffisamment unique pour en justifier le visionnage.

]]> http://blog.eientei.net/2011/05/05/seuls-les-morts-ont-eternellement-17-ans/feed/ 3 Une nuit sur une machine volante imaginaire http://blog.eientei.net/2011/04/21/une-nuit-sur-une-machine-volante-imaginaire/ http://blog.eientei.net/2011/04/21/une-nuit-sur-une-machine-volante-imaginaire/#comments Thu, 21 Apr 2011 04:34:08 +0000 nyo http://blog.eientei.net/fr/?p=491 S’il y’a quelque chose de bien caractéristique aux productions de Ghibli et surtout celles du maître Miyazaki c’est bien ces engins volants avec des silhouettes plus ou moins fantaisistes. Allant des hommages aux pionners de l’aviation militaire dans Porco Rosso ou de l’appareil respirant à fond l’esprit dôjin de Pazu dans Le château dans le ciel, ces « avions » d’inspiration très occidentale contribuent au rêve en images que tisse pour nous Miyazaki dans ses films.

Dans ce billet il ne sera nullement question de parler de ces engins volants ni du court-métrage Kûsô no sora tobu kitaitachi quasi-exclusif au Musée Ghibli [-> site officiel - EN ] mais d’un album de musique produit par un groupe dont le nom est la traduction directe du titre du court-métrage, à savoir Imaginary Flying Machines. L’album Princess Ghibli (oui c’est son titre), publié par le label Coroner Records [-> site officiel / myspace] spécialisé dans le métal et associé (ma faible connaissance de ce milieu ne me permettra pas de détailler davantage le style musical) et comme vous l’avez bien lu, il s’agit d’un album de reprises de chansons de Ghibli arrangé dans une sauce métalo-hardcore-rock-etjenpasse… En bonus, une jeune fille probablement prépubère sur la couverture. Elle est pas belle la vie ?

Pour les curieux : la mise en bouche officielle via le youtube du label.

…

Quoi vous-êtes encore là ? Bon d’accord, je vais écrire un peu sur cet album si c’est vraiment ce que vous souhaitez…

A vrai dire, je suis loin de me considérer vraiment expert en musique donc ce sera avec le jugement de mon oreille d’amateur que je ferai un passage en revue partiel des 12 pistes qui forment cet album. Si vous vous demandez pourquoi je ne ferai pas une « critique » complète : la flemme et surtout que c’est un exercice qui m’est assez difficile à appréhender de façon vraiment honnête (plus de détails plus bas).

Avant toute chose, d’après ce qu’on a pu récolter comme informations, il semblerait que cet album soit parfaitement légitime et on peut supposer que les droits ont été acquis de façon propre ; l’album étant en vente dans les circuits de commerce réguliers au Japon -pouvant même se targuer d’une 4ème place dans les ventes de CDs là bas à l’heure de la publication de ce billet- devrait suffire à prouver la légalité de l’album. (Les liens pour se le procurer légalement seront donnés en fin de billet).

Bon commençons les hostilités :

1. Tonari no Totoro – Disarmonia Mundi & Sophia Aslanidou (Mon voisin Totoro)

Vous reconnaissez la trentaine de secondes de la preview youtube ? Bien.

Quelques secondes suffiront pour se retrouver dans un univers musical familier, on commence doucement avec quelques notes qui sauront éveiller un brin de nostalgie avant que la chanson ne nous rappelle à l’ordre et nous fait savoir avant la barre des 15 secondes que nous sommes dans un remix sauce métal et les premiers éclats de voix suraiguisés se font entendre.

Impossible de s’y tromper, on reconnait bien notre chanson préférée de Totoro mais dans un style qui a radicalement plus rien à voir avec la version historique, on a bien les paroles en japonais chantées sur le rythme de la chanson d’origine mais les voix criardes caverneuses et la guitare électrique sous adrénaline transforment totalement la chanson en une toute nouvelle avec sa personnalité propre.

Dès la première piste, le ton de l’album est donné. Partagée entre choeurs féminins, voix de gros métalleux barbu, solos de guitares sous amphèt’, on a droit à du lourd et l’album envoie la sauce d’entrée et, certains diront miraculeusement, on se surprend à avoir un sourire aux lèvres en l’écoutant et même tout en étant tout sauf fan du style musical, à arriver à trouver un certain plaisir malsain à l’écoute.

Piste d’ouverture accusant d’un bilan positif, elle offre une vraie cohérence musicale dans le sens où il ne s’agit pas là d’un bête remix de garage à faire saigner les oreilles mais d’un vrai travail musical qui transpire même pour un néophyte comme moi (bien sûr ce que je dis n’engage que moi, libre à vous de former votre propre opinion -surtout si vous êtes versés dans la musique-).

2. Kimi wo nosete - Disarmonia Mundi & Yoko Hallelujah (Le château dans le ciel)

Une ouverture un peu atmosphérique (en fait j’ai pas trouvé de mot pour décrire donc j’en sors un par hasard) suivie guitare déchaînée avant de retrouver des notes familières puis une voix féminine pour nous chanter les délicates paroles de la chanson. On se laisse porter par ce qui pourrait n’être qu’une énième ré-écoute de kimi wo nosete [-> Les mille et une version de Kimi wo Nosete - Animint.com] en plus active mais encore une fois, on retrouve nos métalleux des cavernes qui feront exploser leur voix en accompagnement à plusieurs reprises sur des moments clés de la chanson.

Sur ce qui correspondrait au second tier de la chanson, on a droit à un long solo qui loin d’être un ratage technique souffre quand même d’un manque d’harmonie avec ce qui avait été construit jusque là, on l’écoute sans déplaisir mais tout en se posant des questions sur sa pertinence dans son style en terme de cohérence avec le reste de la chanson autour. Malgré ce petit accroc, cette seconde piste a droit à un final très… sauvage du plus bel effet grâce au climax créé juste avant.

Seconde note positive malgré un petit point noir, encore une fois le remix développe une personnalité propre surtout avec des tôôôôô-sannnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnn et kâââ-sannnnnnnnnnnnnnnnn totalement bestiaux que j’ai trouvé complètement fendards (sans me moquer méchamment et gratuitement) et respirant bon la PASSION en grosses lettres de flammes.

Y’a pas à dire, on continue d’apprécier de la musique travaillée, retrouver le souvenir de chansons de films qui nous ont bercé et en même temps de se payer de bonnes tranches de rire… Et on est loin d’en avoir fini avec cet album.

Bonus: en plus de la longue liste de Pazu, je me permets d’ajouter la contribution d’un de mes artistes favoris à savoir Maeda Katsuhiko via son pojet musical World’s End Girlfriend.

(note: kimi wo nosete ne commence que vers la 2ème minute dans la vidéo)

4. Gake no ue no Ponyo – Destrage & Yoko Hallelujah (Ponyo sur la falaise)

Je n’ai pas grand chose à dire sur cette piste si ce n’est que le refrain est totalement à se rouler par terre.

6. Country Road – Disarmonia Mundi & Sophia Aslanidou (Mimi wo sumaseba)

Alors là, on a droit à un sacré morceau, ce remix étant déjà celui d’un dérivé d’une chanson existante à savoir Take me home, Country road écrite et interpretée par John Denver mais interpretée par Olivia Newton-John pour la version au début du film. Jouissant de ce statut particulier de double remix, cette ré-écoute de Country Road sait bien se démarquer de ses ancêtres. N’offrant presque aucun répit tout au long de la chanson, les différentes voix chantantes s’alternent tout en gardant l’harmonie de cette ré-interprétation intacte.

Encore une fois, un brave solo pointe vers la fin et permet un petit temps mort pour reprendre son souffle tout en gardant le momentum et l’intensité de la chanson avant de nous re-catapulter dans le rythme avant un final tout aussi climatique que les autres.

Je ne cache pas mon affection pour les différentes interprétations en anglais d’origine mais j’avoue avoir beaucoup de sympathie pour celle-ci qui offre une certaine fraîcheur à ce classique.

7. Itsumo nando demo - Blood Stain Child & Claudio Ravinale (Le voyage de Chihiro)

Départ assez surprenant, mélodie enjouée puis quand vient la voix féminine on pourrait se croire dans une comédie musicale du Magicien d’Oz en un peu plus musclé pendant les dix premières secondes avant que nos troglodytes de service ne viennent nous rappeler qu’ils sont toujours là pour vomir dans le micro et pas seulement jouer les orchestres de décoration.

Très agréable à écouter, on sent un certain décalage avec ce qu’on a pu écouter jusque là dans la mesure où l’on sent ce remix comme plus « timide » que les précédentes et osant moins se démarquer de sa version d’origine. Bonne surprise pour certains, d’autres se surprendront à regretter un manque de punch et surtout d’audace à cette piste qui reste très prévisible dans son approche de ré-interprétation par rapport à ce qu’on a pu écouter jusque là.

Parler de déception serait assez injuste mais cette réécriture très « standardisée » manque de ce petit quelque chose qui rendaient vraiment uniques les pistes précédentes, peut-être qu’elle souffre de sa position en milieu d’album mais tout cela ne lui enlève rien de ses qualités et reste le témoin d’un travail musical de bonne facture.

8. Arrietty’s Song – Disarmonia Mundi & Sophia Aslanidou (Arrietty, le petit monde des chapardeurs)

Je ne cache pas une certaine surprise quant à la présence de La chanson d’Arrietty, d’ailleurs je pense que la plupart d’entre nous sommes au courant de l’histoire de Cécile Corbel [-> Site officiel de Cécile Corbel] et de comment elle a eu l’occasion de travailler sur la musique du film d’Arrietty.

Ayant eu la chance de pouvoir discuter avec très récemment [-> à venir...], j’ai pu apprendre qu’elle avait pu écouter cet album et notemment cette piste qui était une centième reprise des reprises de sa chanson qui sont parvenues à ses oreilles. Pour la petite anecdote, je dois remercier Cécile Corbel ainsi que son complice Simon Caby pour avoir bien voulu discuter un peu de cet album (et à qui je dois l’information sur les ventes au Japon) et qui semblaient l’avoir bien apprécié en général.

En ce qui concerne la chanson en elle-même, le travail effectué dessus reste très conforme à ce qu’on pourrait en attendre mais contrairement à la précédente, la sauce prend mieux et on a moins cet impression de manque de caractère unique . Peut-être est-ce dû du gros barbu qui beugle dans le micro de façon encore plus caverneuse qu’avant ?

Quoi qu’il en soit beaucoup moins métal et résolumment plus rock que les autres, cette nouvelle chanson d’Arrietty jouit de vocalisations pouvant littéralement prendre leur envol sur les moments clés de la chanson et délivrent un impact très fort sur l’auditeur. Offrant de la puissance à l’état brut mais sans tomber dans un chaos indompté, on redécouvre agréablement Arrietty sous un autre angle.

10. Toki ni ha mukashi no hanashi wo - Disarmonia Mundi & Yoko Hallelujah (Porco Rosso)

Dans la continuité d’Arrietty et de Kiki que j’ai honteusement sauté, on reste dans une logique beaucoup plus identifiable comme rock que métal (vous pouvez me jeter des pierres si vous pensez que je sais pas faire la différence entre les genres, j’assume mon amateurisme).

En fait mis à part noter ce détail, je crois que je n’ai pas grand chose à dire si ce n’est que ce remix remplit parfaitement son rôle et même s’il manque de surprise, il reste largement agréable à l’écoute donc autant passer aux dernières tout de suite.

11. Sanpo – Living Corpse & Yoko Hallelujah (Mon voisin Totoro)

On touche vers la fin de l’album et pour l’occasion on retrouve notre ami Totoro qui a droit ici à son thème d’ouverture.

Très proche de l’originale dans ses débuts, on traverse sans grandes surprises la première moitié de la chanson si ce n’est la présence progressive d’instruments parasites qui pertrubent l’harmonie présente puis arrive un premier vide vocal avant que la chanson prenne toute une autre forme.

Si la première moitié était très conformiste, une fois passé la pause clé de la chanson, cette dernière se métamorphose en une bête complètement méconnaissable, un peu comme votre copine quand vous lui dites qu’elle a grossi ou Tetho quand vous lui dites que vous n’avez toujours pas regardé Dennô Coil.

Enfin bref c’est un bordel immonde, les coffres à bière chevelus qui s’occupaient d’accompagner les chanteurs jusque là se sont littéralement libérés de leur chaînes et s’en donnent à coeur joie dans une orgie tout ce qu’il de plus obscène, ravageur et surtout chaotique. Ces gros barbus s’approprient totalement la chanson et lui en font voir de toutes les couleurs comme Conan lorsqu’il écrase ses ennemis et les voit mourir au gré du son des lamentations de leurs femmes. Un petit moment de répit nous est quand même offert sur les derniers moments de la chanson mais la toute fin nous rappelle que la chanson leur appartient, qu’ils sont des gros durs, des hommes des vrais (avec la bière mais sans le foot) et qu’il faut pas leur chercher des crosses parce qu’ils n’hésiteront pas à utiliser leur guitare ou des tessons de bouteilles de bières comme artillerie lourde.

12. Nausicaa Requiem – Neroargento & Yoko Hallelujah (Nausicaä de la vallée du vent)

Grand final de l’album, après la débauche d’un Totoro sous viagra et amphèt, on finit sur un ton très solennel avec le fameux Requiem de Nausicaä.

En harmonie avec l’originale, cette version ne cherchera pas les gros effets qui explosent aux oreilles mais au contraire garde toute la beauté et la délicatesse de son aînée. Ne cherchant pas à être plus qu’il ne l’est, ce final trouve un équilibre parfait entre le style très particulier de l’album et ses racines sans jamais trahir ni l’un ni l’autre.

Dotée d’un fort pouvoir envoûtant, cette dernière piste sait capturer l’attention de l’auditeur jusqu’au bout et sans artifices superflus (sauf peut-être une forte saturation à la fin mais ça peut venir de mon matériel audio), elle parachève avec une surprenante sobriété ce voyage de redécouverte des chansons de Ghibli plus qu’unique.

 

Voilà that’s all folks pour cette critique partielle de cet album qui m’en aura fait voir de toutes les couleurs sur ces derniers jours.

Pour être honnête je pense pouvoir parler d’excellente surprise quant à sa découverte et son écoute et j’avoue volontiers avoir été plus que sceptique lorsque j’en ai entendu parler pour la première fois. Le métal n’étant déjà pas ma tasse de thé, j’avais aussi le souvenir opposé de l’album Puncolle – Voice Actresses’ Legendary Punk Songs Collection -, vous savez l’album de reprise de classiques rock/punk par diverses seiyû qui fut un véritable massacre (pour vous en convaincre : [-> Smell like a teen spirit - Yûko Gotô / Anarchy in the UK - Rie Tanaka]) même si j’en avais retiré une grosse dose de fou rire.

En parlant de fou rire, je ne cache pas que la première écoute (qui était d’ailleurs pendant une soirée chez moi à 2h du matin avec Tetho, FFenril, Yuki et ma co-éditrice Pralyn) en fut plus que largement ponctuée et je pense que beaucoup de ceux qui écouteront cet album y trouveront une expérience plus ou moins similaire. Loin de moi de vouloir occulter ses mérites sur le plan musical, car comme je l’ai dit plusieurs fois on sent vraiment qu’il y’a des gens qui ont bossé dessus sérieusement et qu’il ne s’agit pas juste d’un produit  bâclé, mais force est de reconnaître qu’il a un fort potentiel pour décontracter l’atmosphère.

Très bonne surprise, j’en recommande donc l’achat rien qur pour soutenir les courageux qui nous ont pondu ça. Il est possible de se le procurer via des plateformes classiques comme Amazon MP3 ou iTunes mais aussi de l’acheter directement sur le site du label Coroner Records.

Comme d’habitude il est possible d’écouter des extraits avant d’acheter sur chaque plateforme donc voilà, n’hésitez pas à les soutenir si vous sentez qu’ils le méritent.

]]> http://blog.eientei.net/2011/04/21/une-nuit-sur-une-machine-volante-imaginaire/feed/ 6 Noël 2010: War, war never changes… http://blog.eientei.net/2010/12/27/noel-2010-war-war-never-changes/ http://blog.eientei.net/2010/12/27/noel-2010-war-war-never-changes/#comments Sun, 26 Dec 2010 23:25:51 +0000 nyo http://blog.eientei.net/fr/?p=437 Certains auront sûrement remarqué qu’une série d’articles sur la série de six OAVs de Gundam 0080: War in the Pocket ont été publiés par divers de mes comparses bloggers, d’ailleurs beaucoup font référence à un obscur projet dont je serais à l’origine (« encore un » s’exclameront certains dans l’assistance) et qui contrairement à certains de ses prédécesseurs a pu être mené, non sans mal ni sans pertes, jusqu’au bout.

Pour ceux qui s’en fiche de connaître le récit de l’aventure de ce projet descendez jusqu’à la première image. [->]

Tout d’abord, je tiens à remercier tous ceux qui ont accepté de participer au projet, qu’ils aient pu poster quelque chose ou non, et ont fait preuve de bonne volonté tout au long en supportant à la fois une relative absence de ma part mais aussi parfois une certaine pression que j’aurais pu leur mettre sur les épaules à l’approche de certaines deadlines de notre calendrier qui ne fût que très rarement respecté, esprit dôjin© oblige.

Pour parler un peu plus du projet, cela faisait déjà un moment que l’idée de faire quelque chose en y impliquant quelques acteurs plus ou moins importants de la blogosphère pour créer quelque chose pour Noël 2010 me trottait dans la tête. C’est un beau soir de septembre peu avant ma rentrée, au détour d’une discussion gtalk avec Lyn, une personne qui a des accès éditeur sur ce blog qui publiera des billets dans le courant de l’année prochaine (qui a déjà publié un billet sur la série d’otome games -en gros des jeux, principalement des VNs, destinés à un public féminin- Starry Sky, du moins deux d’entre eux) au sein de laquelle nous discutions de Gundam 0080 (duh!) que me vient l’idée de suggérer ces OAVs comme sujet de discussion pour ce Noël 2010. Certains doivent se demander la pertinence de ce choix alors que ef, 5cm/s et d’autres anime avaient déjà effleuré mon esprit. Pour faire court : le contexte dans lequel évolue 0080 se situe à quelques jours avant Noël et c’est tout, je sais que ça peut faire léger comme raison mais il faut savoir que cette série me tient particulièrement à coeur pour plusieurs raisons que j’évoquerai par la suite dans ce billet.
Après avoir proposé l’idée à Tetho et FFenril qui furent plus qu’enthousiasmés par cette idée, nous avons démarché plusieurs de nos confrères pour se joindre avec nous dans l’aventure, d’ailleurs on avait même pensé à cdt mais on se disait qu’on avait toujorus pas réussi à lui faire voir le film de Macross: Te souviens-tu de l’amour? du coup on a préféré lui garder la surprise parce qu’on sait à quel point il aime Gundam. Blague à part, c’est donc après avoir fait un premier tri parmi les suggestions qu’on a lancé les démarches pour rameuter plusieurs collègues bloggers pour nous épauler sur cette tâche, d’ailleurs pour les curieux la liste des invités, plus leur blog associé, est la suivante (dans un ordre totalement arbitraire) :

Encore une fois je remercie tout ce beau petit monde d’avoir été assez motivé pour participer même si on déplore quelques pertes, d’ailleurs je vais citer ceux qui sont tombés au combat pour nos pêchés d’orgueil et qui n’auront pas droit à leur burger offert. Ah oui juste avant de lister nos morts je tenais à préciser que pour récompenser ceux qui iront jusqu’au bout et ce traduit par un burger payé de ma poche. Certains se demanderont pourquoi un burger, ce à quoi je répondrai que la réponse se trouve dans les deux derniers OAV. Sur ce, la liste de ceux qui nous ont abandonné en cours de route pour diverses raisons :

Je sens déjà que certains coquins vont vouloir les huer mais non il ne faut pas leur jeter la pierre, on a jamais obligé personne à blogguer contre son gré (sinon on verrait plus souvent des billets chez cdt) et de plus l’un des points les plus importants du projet n’était pas de se prendre la tête à pondre des billets hyper analytiques, pédants et auquel personne va rien comprendre (comme ce que vous allez lire une fois que j’aurai fini mon introduction super longue comme j’aime en faire parce que ça reflète mon narcissisme et illogisme total) mais juste de prendre du plaisir à parler d’un sujet commun à l’occasion des fêtes de fin d’année et d’offrir à nos lecteurs différents points de vue et du contenu varié. S’il y avait un point sur lequel j’avais beaucoup insisté dans mes instructions c’était que chacun avait carte blanche, pas de minimum de mots à faire, pas de standard de qualité imposé, rien de tout ça, la seule règle était de respecter la deadline du 25 décembre et de faire des interliens parmi les autres participants et surtout de ne jamais se prendre la tête, comme le disent si bien nos réalisateurs de porno « du plaisir personnel avant tout ».

Pour ma part j’y ai pris un certain plaisir très malsain à rameuter et pseudo-diriger tout ce joyeux petit monde en les harcelant plus ou moins par mail (et encore… heureusement que ma première idée de demander à Exelen de poser en tenue de bunny girl et de donner les photos aux différents participants n’est jamais allée plus loin que le stade d’idée morte-née) et même si on (je) a fait preuve de beaucoup d’amateurisme dans l’organisation du bidule et surtout le gros rush de ces derniers jours où on a fini par un peu tout balancer comme ça nous venait au lieu de bien espacer les publications pour ne pas créer un effet de débordement et de saturation (de toute un billet posté sur un blog reste tant que le blog existe donc peu importe de tout balancer au même moment, on fait confiance à l’intelligence de nos lecteurs pour aller à leur rythme et pour le reste bin « tant pis » aurais-je envie de dire) mais peu importe on a pu aller jusqu’au bout et que si on arrive à créer des mini-débats, à faire en sorte que certaines personnes s’intéressent à ces OAVs et/ou nous disent simplement qu’ils ont aimé le concept et les billets, je dirai que notre objectif de départ sera rempli et que je plancherai pour trouver d’autres idées de concept pour Noël prochain… Et d’ailleurs pas que, ce serait bête de se brider à une seule date butoir par an quand on pourrait s’amuser à différentes périodes de l’année au va et vient de nos idées farfelues mais je diverge beaucoup pour rien là…

D’ailleurs je voudrais faire une mention spéciale à l’ami neokenji qui après avoir lu le billet d’Exelen a spontanément demandé s’il pouvait se joindre à l’aventure et j’avoue que cette initiative, et peu importe que le résultat soit modeste ou non, me fit dire que mes espérances furent dépassées et donc même si ça peu faire très bisounours, je m’en fiche, je le remercie parce qu’il le mérite bien rien que pour l’effort. D’ailleurs à ce propos, il ne faut pas croire qu’on avait formé ce petit comité juste parce qu’on pense être les plus grands, les plus forts, les plus beaux et les plus intelligents (quoique sur ces deux derniers points…) mais juste par soucis d’organisation et de logistique ; d’une part on avait un nombre de personnes assez conséquente et on se disait que si tout le monde allait jusqu’au bout on aurait déjà beaucoup de billets à lire  mais il n’a jamais été question d’exclure qui que ce soit, on voulait juste avoir un groupe plus ou moins hétérogène avec des personnes qu’on considérait comme capable de produire un contenu plus ou moins intéressant même si on avouera que nos e-affinités avec certaines personnes ont beaucoup joué (et on a pas pris Exelen seulement parce que c’était une fille ou parce que cdt sort en douce avec !).

Enfin bref, on me dit dans l’oreillette qu’il serait peut-être temps que je parle de Gundam parce que personne en a rien à foutre du projet et qu’ils veulent juste leur dose d’images porno volées sur pixiv donc pour conclure : on a pris du plaisir à préparer cette petite surprise, on espère qu’elle vous a plu et on espère aussi pouvoir renouveler une expérience du même type avec un sujet qui je l’espère sera tout aussi intéressant tout en produisant un contenu de bonne qualité et agréable à lire.


Une image que vous avez déjà du voir des tonnes de fois et qu’il m’est inutile d’analyser, les autres s’en chargent déjà.

Avant-propos : au fil du temps je m’aperçois de plus en plus que pour mes objectifs dans mes billets que je n’arrive pas à produire un contenu de qualité sans citer des passages d’épisodes ou du contenu avec un potentiel de spoiler plus qu’important. Vous voilà donc prévenus, de plus ce billet aura un côté très ego-blogging vu que je ne vais pas seulement me contenter de parler de 0080 parce que par excès d’orgueil je veux croire que je peux dépasser le simple stade de la critique « j’ai bien aimé, j’ai pas aimé », non que je dénonce cette façon d’écrire qui a autant sa place que mes pavés désorganisés mais juste que quand j’écris un billet, j’ai des objectifs en tête et simplement donner un avis que je considérerais comme superficiel n’en vaudrait pas la peine. Par conséquent, balançons des spoilers dans la joie et la bonne humeur.

0 – Introduction

Comme à mon habitude, j’aime beaucoup poser le contexte qui m’a fait regarder tel ou tel anime et je ne dérogerai pas à la règle. Pour ceux qui ne me connaissent pas trop, mon point d’entrée dans la franchise Gundam fût SEED et Wing en parallèle, l’une parce qu’on était en pleine diffusion du premier et de l’autre parce que j’avais regardé 3 épisodes du second sur M6 et que même si ça m’avait pas botté plus que ça (j’étais plus intéressé par la petite chasseuse de cartes qui trainait sur la même chaîne pendant mes années de collège) j’étais quand même curieux. N’en déplaise aux fans de SEED voire de Wing s’il y en a dans l’assistance, j’avais pour être poli un avis extrêmement négatif sur la franchise et bien que conscient qu’il existait un truc qui s’appelait UC dont on me chantait les louanges, que mes e-friends en fassent de même pour SEED m’avait plus que refroidi. Quelques années plus tard, rebelote aurais-je envie de dire, j’étais pépère à me masturber devant des séries pédophiles à regarder des séries dégoulinantes de moe que mes e-friends me re-harcèlent sur IRC, au détour d’une discussion sur un de nos camarades Thai qui prenait des hormones et avait prévu de changer de sexe (true story, Mereck prends en de la graine), pour que je matte, je cite « la série supra-cool avec plein de gros robots qui s’en foutent plein la tronche sur fond de  géopolitique », à savoir Gundam 00. Comme je suis quelqu’un qui sait faire preuve d’ouverture d’esprit, je décide de mettre de côté ma copie de De la guerre de Clausewitz et de redonner une seconde chance à la franchise parce que j’ai quand même de l’affection pour ces gens qui avaient su me recommander Fumoffu!, Scrapped Princess, Honey & Clover et bien d’autres séries. Malheureusement, l’expérience fût encore une fois très peu concluante, j’avais fait une fixation sur le côté militaro-politique que j’avais voulu balancer à la poubelle et qui m’a beaucoup gâché le visionnage mais quoi qu’il en soit j’étais tout sauf enthousiaste à l’idée de me plonger plus profondément dans la franchise Gundam.

Il m’aura fallu quelques années pour que, sur les conseils avisés de Tetho, je me décide enfin à regarder les trois films de la première série Gundam. Bien que cela ne m’avait pas encore complètement réconcilié avec la franchise, je dois avouer que malgré des passages d’ennuis et un second film que j’avais trouvé assez pesant (n’est pas un Empire contre attaque n’importe qui), j’étais déjà beaucoup plus ouvert à m’intéresser de plus près à cette franchise pour satisfaire ma curiosité. Quelque mois plus tard, j’ai fini par céder à un harcélement de plusieurs années d’un e-friend qui m’exhortait de regarder la série de six OAVs de Gundam 0080: War in the Pocket car selon lui, c’était ce qui allait me réconcilier définitivement avec Gundam et ce en invoquant un argument totalement imparable à mes yeux : ces OAVs furent produites pour les 10 ans de la franchise comme le fût Macross Plus, ça peut sembler léger mais je peux très vite craquer quand on touche à mes cordes (ou autres parties) sensibles. Ca et le chara-design par maître Mikimoto bien sur.

1 – Amitié, romance et prélude à la tragédie

Impossible de ne pas parler de 0080 sans parler d’Alfred, le premier du trio central à ces OAVs, qui n’est rien d’autre qu’un jeune garçon encore en train de faire ses 400 coups et très passionné par tout ce qui touche au domaine du militaire, un peu comme la plupart des garçons de son âge. Je pense que pour beaucoup le personnage d’Al se montrera extrêmement irritant au premier abord par son attitude très immature mais c’est justement là que se trouve le coeur du personnage : c’est encore un gamin et d’ailleurs, sans vouloir me montrer sexiste en excluant les filles mais je n’ai pas trop le choix, certains d’entre nous pourront y trouver un miroir de leur enfance où ils étaient eux-aussi fascinés par ce qui portait au domaine du militaire ; on s’est pour beaucoup d’entre nous amusés à jouer à la guerre de façon plus ou moins innocente dans nos cours de récré, le mercredi après-midi ou le week-end avec nos amis à l’école.

Non il ne s’agit pas de la jeunesse des héros de Honey & Clover

C’est donc à travers l’innocence et les yeux d’Al que la série débute. La guerre qui se déroule dans le contexte de la série se passe très loin de la colonie, restée neutre, dans laquelle il vit et qui plus est, elle semble tirer sur sa fin avec les forces de Zeon qui se rapprochent de plus en plus de la défaite avec chaque jour qui passe. Cela n’affectera en rien la fascination que porte le jeune garçon pour le duché et ses forces armées car si la première série nous posait Zeon comme les principaux antagonistes, avec toutes les nuances qu’il y a mais que je n’ai pas envie de détailler parce que ce n’est pas le sujet, il est important de garder en tête que 0080 se déroule dans une colonie restée neutre dans le conflit de La Guerre d’un an et que ce dernier semble très lointain pour eux donc pas de notion de bien et de mal applicable ni à la Fédération ni au duché de Zeon… Du moins au début.

Le premier évènement important, minus l’escarmouche en Arctique (ou Antarctique ?) pour tenter de capturer le prototype qui y était développé et qu’on aura l’occasion de revoir plus tard, est sans conteste la première bataille qui a lieu au sein même de la colonie et donc dans un milieu urbain et par conséquent habité. Pourquoi je tiens tellement à parler de cette colonie, insister trouzmille fois sur le fait qu’elle soit neutre et tout le tralala ? Pour la très simple et bonne raison que les affrontements Fédération vs Zeon n’ont rien à faire dans cette colonie de base  et que ses habitants doivent la subir lors de cet assaut, ce détail aura son importance tout au long de la série car malgré les dégâts provoqués sur sa propre colonie, Al et ses amis ne trouvent rien de mieux à faire que de se réjouir qu’il y ait une bataille sous leurs yeux tout en étant aux premières loges pour voir ça de près. On pourrait être horrifié de voir des gens se réjouir qu’il y ait un combat juste à côté de chez eux mais encore une fois rappelons le, on voit tout ça à travers les yeux d’un gamin pour qui la guerre reste innocente, avec les robots qui se foutent sur la gueule en guise de version échelle 1:1 de leurs jouets et cette vision de la bataille en cours fait miroir avec le spectateur installé confortablement chez lui qui regarde différentes séries de gros robots pour les voir s’en foutre plein la tronche tout en applaudissant derrière. A l’issue de ce combat, Al se met à suivre la trace d’un Zaku qui a été touché et forcé de s’écraser pour s’abriter dans une forêt en bordure de route, ceci mènera sur la rencontre avec Bernie, pilote du Zaku abattu et deuxième protagoniste clef de ce Gundam.

La première chose qui m’avait frappé était la jeunesse apparente de Bernie, Bernard Wiseman pour les non-intimes, pas que je n’étais pas habitué à voir de jeunes blancs becs totalement émo en guise de pilotes depuis plusieurs Gundam mais on avait eu un aperçu d’une équipe plus âgée lors de la première escarmouche. Quoiqu’il en soit, cette jeunesse va pouvoir le rapprocher d’Al et d’ailleurs ce sera ce lien entre les deux jeunes hommes qui sera au centre de ces OAVs, ça et la tragédie imminente qui plane au dessus de leur tête car oui tout est loin d’être rose dans ces OAVs comme à l’habituée dans Gundam.

Un point qui m’avait interpelé dans le billet de Segfault était son petit passage sur les héros de la mythologie gréco-romaine, même s’il abordait ça sous l’angle des héros et de leur capacités physiques extraordinaires pour créer le contraste avec les personnages de 0080 qui sont tous humains tout ce qu’il y’a de plus humain sans bière ni foot pouvoirs de newtype ou autre, j’aimerais reprendre cette analogie mais cette fois non pas pour créer un contraste mais plutôt pour rester dans l’analogie en abordant cette fois-ci l‘ironie tragique très présente chez certains tragédiens grecs mais j’aimerais plutôt y revenir plus tard car c’est encore un peu tôt sans toute l’exposition nécessaire pour en parler comme il faudrait. (J’aime tease les gens et pas que les filles)

Pour en revenir au duo formé par Bernie et Al, sachons que ce dernier considère Bernie comme un pilote vétéran qui a déjà eu plusieurs victoires à son actif et n’est plus qu’à une victoire pour être reconnu comme un as, assez ironique dans le sens où Bernie n’est en réalité qu’un nouveau pilote inexpérimenté et pour qui cette première sortie fût une défaite malgré le fait qu’il ait pu récupérer des informations sur la localisation du prototype précedemment cité. Avec le temps, Alfred devient à la fois une aide précieuse mais aussi un danger permanent pour la mission d’infiltration de Bernie ; cependant, leur proximité physique feront en sorte qu’ils continueront de se rapprocher l’un de l’autre avec d’un côté Al qui y trouve une figure de grand-frère mais aussi de modèle chez Bernie qui représente ses aspirations tandis que de l’autre côté ce dernier développe un attachement certain pour Al qu’il découvre être doté d’une intelligence et surtout d’une débrouillardise à toute épreuve qui lui sera bien utile à plus d’une reprise. De plus, leurs différentes interactions déboucheront sur la rencontre entre Bernie et Christina Mackenzie, ou Chris pour les intimes, une pilote d’essai pour la Fédération, donc ennemie de Bernie, qui est revenue dans cette colonie peu de temps avant le début de ces évènements.

Une première rencontre sous les étoiles.

Même sans être un grand amateur ni fin connaisseur de la franchise Gundam, j’ai pas mal été exposé à certains blagues assez courantes dans le milieu, l’une d’entre elles parle des femmes pilotes de Gundam et qui ne manqueront pas d’attirer la colère de certaines féministes. En laissant ce genre de considérations de côté et passé le premier contact plus ou moins violent, on verra très vite Bernie et Chris, étant à peu près du même age, développer et montrer les signes d’une certaine attirance l’un envers l’autre. Chris n’étant pas dénuée de charme, design de maître Mikimoto oblige, ni d’intelligence, sans tomber dans l’excès façon Lacus God Clyne, nous offre donc une présence féminine plus qu’appréciable qui manquait pour compléter ce trio de héros qui flirte avec la tragédie. J’exclus intentionnellement les autres personnages tels que les autres membres de l’équipe de Bernie car malgré leur importance pour l’histoire, ils ne serviront pas le propos que je tiens à développer par la suite.

Maintenant que j’ai fini une première introduction des pesronnages, je vais pouvoir vraiment aborder le coeur de ces OAVs.

2 – La perte de l’innocence

Revenons un moment sur le contexte de 0080 qui malgré son titre se déroule pendant l’année 0079 du calendrier de l’Universal Century et nous sommes donc toujours en pleine Guerre d’un An mais tout en étant très éloignée du centre du conflit ; Ray Amuro, Char Aznable et les autres ne sont à peine évoqués indirectement et malgré les escarmouches qui ont lieu de temps en temps, il en ressort vraiment un sentiment de paix qui règne au sein de cette colonie restée neutre. Avec mon expérience de Gundam où j’ai pu voir des conflits plus déplaisants, des personages faisant souvant preuve d’ambiguité morale et des frontières entre le bien et le mal floutées (parfois très artificiellement mais là n’est pas le débat), 0080 s’imposait comme une note très optimiste qui contraste avec le reste de la production du moins au premier abord.

Un rêve de gamin pour beaucoup d’entre nous.

Là où j’ai été habitué à entendre parler de triangles amoureux, de manipulation génétique, d’humains aux capacités surhumaines, de passé tragiques, de jeunes filles tristes dans la neige et j’en passe, la première image que j’ai eu de 0080 était celle d’un enfant qui cherchait sa dose d’adrénaline tout en rêvant d’aventures, de combats, d’explosions à échelle réelle et non plus à travers ses jeux vidéos et ceux avec ses camarades ; pour résumer : celle de l’innocence. Cette première image ne va pas bien sur perdurer longtemps car au fil de la série, Al va se retrouver exposer aux horreurs réelles de la guerre et perdre peu à peu son innocence, ses illusions et la perception qu’il avait jusque là de la guerre.

J’avais toujours eu du mal avec la franchise Gundam et en général le concept de real-robots car malgré tous les efforts et artifices que les scénaristes pouvaient déployer pour créer une atmosphère sombre, j’y ai toujours vu le rôle du pilote de mécha comme un rôle plein de glamour et surtout la narration du point de vue des pilotes comme une vision très édulcorée de la guerre. Or dans Gundam 0080 j’y retrouve cette vision glamour de la guerre dans un premier temps à travers l’innocence dans les yeux d’Alfred mais à la différence que cette vision va se retrouver être trainée dans la boue de façon la plus crude et violente possible, à l’image de l’absurdité de la guerre même.

De son côté, Bernie nous apparaît aussi comme un personnage encore relativement immature malgré son âge plus avancé par rapport à Alfred, ce qui est au début traduit par un égoisme plus ou moins apparent mais aussi une certaine naïveté par rapport au fonctionnement de sa hiérarchie militaire et des ramifications de sa mission. Tout comme Al, Bernie devra lui aussi faire face aux horreurs de la guerre, ce qui devrait être normal étant donné qu’il est militaire mais cela ne change rien au fait qu’il soit encore totalement inexpérimenté et qu’il va subir des expériences traumatisantes lorsque leur tentative de capturer le prototype du Gundam Alex va se solder par un échec plus que sanglant où il sera le seul survivant de son équipe.

Cet échec sera d’ailleurs un point tournant pour le développement du personnage de Bernie, au revoir le jeune soldat qui était impatient de faire ses preuves, au revoir le jeune pilote arrogant et encore ignorant des motivations politiques de la guerre à laquelle il participait jusque là. Ce ne sera plus un jeune pilote fougueux mais un soldat qui sera passé par son baptême du feu qui dira à Al de fuir la colonie après avoir appris que ses supérieurs avaient prévu de la détruire par une frappe nucléaire si jamais l’Alex restait dans les mains de la Fédération. D’ailleurs lui aussi tentera de fuir la colonie, certes par lâcheté mais totalement justifiée par le fait que ses chances de détruire le prototype sont proches du néant absolu, quelque chose qu’Al encore immature n’arrivera pas à comprendre pleinement avant une discussion avec Chris qui marquera un premier pas vers sa maturation.

Malgré sa tentative de fuir la colonie, Bernie trouvera quand même le courage de revenir sur ses pas pour tenter de détruire le prototype et ainsi épargner la colonie d’un désastre imminent. C’est en mettant de côté la peur qui est naturellement présente et ses doutes pour se battre pour une cause qu’il pense juste qu’il atteint vraiment un stade de maturité, là où il était encore une jeune recrue qui se contentait plus ou moins de suivre des ordres, il devient un soldat prêt à mettre sa vie en jeu pour se battre et défendre des causes qui lui sont juste et surtout plus que tout ça, il devient un homme.

En plus de devenir un homme, il se met au cosplay anachronique.

Certains se diront que j’ai laissé Chris de côté et à juste titre car malgré sa contribution très loin d’être triviale dans la tragédie qui est en train de se jouer, elle reste relativement épargnée par cette dernière, son rôle correspondrait plus à celui d’un catalyseur.

3 – Tragédie et Ironie

J’avais mentionné plus haut le concept d’ironie tragique que certains grecs semblaient apprécier entre deux viols de jeunes femmes par des dieux car s’il y a bien un point qui m’avait énormément touché dans 0080 c’était bien celui du drame à l’échelle humaine. Comme il a déjà été dit maintes fois, notre trio n’est pas composé de super héros, de newtypes ou autres êtres extraordinaires, au contraire même ils sont bien plus humains que n’importe quel personnage de Gundam ne l’a été jusqu’à présent avec leurs qualités et leurs imperfections, ce qui les rend d’ailleurs terriblement attachants car sans attachement, pas de tragédie possible.

Il ne sera pas nécessaire de rappeler combien les évènements de la série restent anecdotiques dans la guerre en cours carcelle-ci est déjà perdue dans l’absolue pour Zeon (ce qui ne semble ne pas être un secret pour certains personnages) mais du coup rend cette mission très loin d’être nécessaire (même si on imagine bien les conséquences désastreuses pour Zeon si l’Alex était parvenu en bon état à la Fédération) et par extension les morts des personnages tout aussi inutiles. Bien sûr, le fait que cette mission était superflue n’est pas le seul élément tragique de cette intrigue ; si j’avais autant insisté sur le trio principal c’est bien parce que le vrai drame se déroule à un niveau humain et surtout à l’échelle de ces trois personnages à qui on a fini par grandement s’attacher au fil des épisodes. Pour mieux comprendre ce qui rend ces OAVs aussi poignantes, analysons de plus près la bataille finale.

Avant de parler de la bataille en elle-même, rappelons que propre au concept d’ironie tragique, les personnages subissent le jeu du destin en suivant ce qui leur semble juste mais tout en ignorant certaines informations importantes qui pourraient éviter justement certains évènements dramatiques, or c’est justement ce qui se passe à la fin de 0080 quand Al apprend par son père, qui revient dans le foyer familial pour Noël après s’être réconcilié avec sa femme, que la flotte de Zeon qiu devait effectuer la frappe nucléaire a été interceptée par les forces de la Fédération et que par conséquent le danger de la catastrophe nucléaire qui pesait au dessus de la colonie n’a plus de raison d’être. Malheureusement il ne l’apprend que trop tard et malgré tous ses efforts, ne pourra en informer Bernie à temps. C’est donc ainsi que la bataille entre Bernie et Chris débute avec les deux pilotes totalement ignorant de l’identité de leur adversaire.

S’il y a bien quelque chose de poignant dans ce combat, c’est bien sa présentation : les hostilités débutent avec l’image du Zaku de Bernie en train de scruter les dangers éventuels avec son oeil unique, une image qui a toujours eu quelque chose de menaçant jusque là à cause du rôle d’antagonistes des forces de Zeon mais bien sur cette image négative n’a plus de raison d’être maintenant ; en face, nous avons le Gundam de Chris qui effectue son atterissage et se prepare au combat. En somme, des images qui nous sont familières car à moins que ma mémoire me joue des tours, il me semble que beaucoup d’affrontements terrestres débutent ainsi dans Gundam. Pour rappel, l’Alex de Chris n’est pas non plus en parfaite condition à cause de la bataille avec les membres de l’équipe de Bernie lors de la tentative de capture du prototype, du coup c’est donc avec un robot endommagé et surtout non-réarmé que Chris se lance dans le combat.

Le début de l’engagement se poursuit dans un environnement boisé où Bernie avait préparé quelques « pièges » avec le peu de moyens à sa disposition car sa seule arme est une arme de contact et face à la mitrailleuse intégrée dans le bras de l’Alex, il était en claire position d’infériorité. C’est donc avec en faisant preuve de tactiques qu’il arrivera à attirer Chris, qui on le rappelle est pilote d’essai et surtout manque cruellement d’expérience de terrain, à un niveau suffisamment rapproché pour détruire le bras armé de l’Alex au prix de dégâts sur son unité et surtout de blessures personnelles non négligeables.

Aïe ça fait mal -Marie Antoinette, 16 octobre 1793

S’il y’avait quelque chose qui m’avait toujours dérangé dans les affrontements de robots, c’était la « déshumanisation » du combat qui s’effectuait à chaque fois. Ayant été nourri à Hokuto no Ken, JoJo’s Bizarre Adventures, Shigurui et autres gros manga de baston où les affrontements mano-a-mano étaient légions et surtout d’une grande violence, je n’ai jamais retrouvé cette intensité dans les affrontements de mécha car lorsqu’un personnage humain se fait arracher un bras dans un combat, on éprouve souvent une certaine empathie qui renforce le choc et l’émotion qui en résulte est extrêmement forte, chose que je ne retrouve que très rarement dans un combat de machines car quand un robot perd son bras que fait un spectacteur lambda ? Il applaudit car les conséquences sur le pilote ne sont pas généralement mise en avance car il est encore en sécurité dans son cockpit (bien sur il existe nombre d’exceptions mais là n’est pas la question), or dans 0080 grâce à l’échelle plus réduite de ces OAVs on a une vraie « vue d’intérieur » du combat oserais-je dire ; tout y est intense dans l’imagerie du combat, on vibre suite à la violence qui prend lieu sous nos yeux le tout saupoudré d’images d’Al toujours résolu à arrêter cet affrontement qui ne devrait pas avoir lieu et ce désespérement.

En parlant de désespoir, ce serait l’un des termes qui qualifierait le mieux ce combat où l’improvisation est maître mot jusqu’à la phase ultime : un face à face où Chris dégaine le beam saber de son mécha avec les deux pilotes en train de charger l’un vers l’autre. Cet ultime échange se conclut sur la décaptitation de l’Alex tandis que le Zaku se fait transpercer au niveau du torse, là où se trouve le cockpit.

Je suis extrêmement tenté de faire une blague faisant référence à Umineko.

La série portant Gundam dans son titre, il n’est donc pas étonnant de voir Bernie perdre la vie dans ce combat et ce d’une façon peu enviable : on entendra en fond un des soldats dire qu’ils n’ont rien retrouvé dans le cockpit du Zaku si ce n’est un tas de viande hachée. On peut donc s’imaginer que Bernie a été littéralement vaporisé et a vu ses restes désintégé par le sabre du Gundam, par chance on nous épargne la vue du cockpit mais le pauvre Al qui a vu la bataille se dérouler sous ses yeux ne sera pas à l’abri de ce commentaire qui sonne pour lui le glas pour l’ami et le grand frère qu’il venait de trouver. Comme si ce n’était pas suffisant, tandis qu’un des soldats lui demande s’il va bien (question stupide duh), le voilà qui aperçoit le pilote de l’Alex grièvement blessé et ne réalise que maintenant qu’il s’agissait de Chris tout du long ; douce ironie quand tu nous tiens…

Comme on vient de le voir, 0080 ne se contente pas de nous montrer des images fortes ou de nous narrer une histoire tragique, il nous met, nous en tant que spectateur, directement dans l’action en nous donnant les informations clefs qui auraient pu éviter toute tragédie si tous les personnages les partageaient mais aussi en nous forçant à assister à la bataille comme dans n’importe quelle série de robots. Cela aurait pu s’arrêter au simple stade d’affrontements de mécha comme on a souvent été habitué mais là où War in the Pocket va plus loin vient du fait que tout a été fait pour qu’on s’attache aux personnages tout au long de ces 6 OAVs de 20 minutes. Le combat final n’est pas juste un affrontement entre un protagoniste et un antagoniste mais entre deux « héros » et en tant que spectateur, nous nous retrouvons « forcés » à regarder ce combat se dérouler sous nos yeux, impuissants tout comme Alfred.

Certains pourront y trouver de la sur-analyse mais je me plais à penser qu’il s’agit d’un gros doigt d’honneur et une grosse baffe que la série nous inflige en nous présentant ce combat final comme n’importe quel autre combat de robots : un divertissement auquel on a toujours été habitués en tant que spectateur, un divertissement qui trouve sa source dans la souffrance des personnages. D’ailleurs on y retrouve un écho avec le personnage d’Alfred qui a toujours glamorisé la guerre et se retrouve à la vivre avec une place au premier rang ; le désir de voir des affrontements de robots géants des amateurs de séries de mécha est ici traduit par le désir enfantin d’Al et qui se retrouve encore une fois trainé dans la boue. La série récompense Al, et par extension le spectateur, pour leur patience et leur offre ce qu’il(s) cherche(nt) : un affrontement entre un Gundam et un Zaku mais ce dernier est à l’image de la guerre : futile.

Pour ceux qui se demandaient encore pourquoi j’offrais un burger aux participants du projet.

4 – Contraste

Je dois avouer que beaucoup d’éléments dans cette série d’OAVs semblent être en dissonance avec le reste, je parle ici des différents contrastes qui ont été disséminés ici et là.

Le premier d’entre eux est sans conteste le contexte temporel et le décor : nous sommes à l’approche de Noël, dans une colonie neutre loin du centre de la guerre et dans un environnement urbain, surement pas un endroit où on pourrait s’attendre à voir des affrontements entre les forces de la Fédération et le duché de Zeon (je sais je radote énormément mais on ne rappelle jamais assez certaines choses). Encore une fois ce que je dis n’engage que moi mais rien que lors de la première escarmouche, la présence de GMs de la fédération avait quelque chose de dissonant avec l’environnement urbain de la colonie comme si dès le départ on nous disait qu’ils n’avaient rien à faire ici et pas seulement à cause de la neutralité de la colonie mais simplement que graphiquement ils « n’ont rien à faire ici ». J’évoque ici un paradoxe graphique car à mes yeux, le design des GMs de la fédération, à la fois au niveau des couleurs mais aussi de leurs formes les faisait ressortir grandement du paysage urbain dans lequel se livrent les affrontements.

De plus pour en revenir à la bataille finale où Bernie utilise des décorations de Noël gonflables pour créer des leurres pour à la fois divertir l’attention de son adversaire mais aussi épuiser ses munitions pour forcer le corps-à-corps, on se retrouve encore une fois avec une imagerie à la fois en décalage avec le combat mais qui porte une symbolique assez forte pour le peu qu’on accepte de voir dans ce Père Noël gonflable, un symbole de l’enfance, qui éclate suite aux balles qui lui sont tirées dessus une métaphore de la perte de l’innocence de chacun de nos protagonistes.

On peut bien sur trouver d’autres exemples de contrastes présents dans ces six épisodes mais comme je ne suis pas là pour créer une liste exhaustive d’exemples je vais plutôt en citer un qui n’est non pas imagé mais plus dans l’interprétation qu’on veut bien faire de ces OAVs. Si j’avais beaucoup insisté sur la nature très superficielle de la mission et la distance physique de la colonie Side-6 par rapport aux grands évènements de la série c’était bien pour parler de l’échelle très réduite appliquée à 0080, j’entends par là qu’il s’agit d’un évènement totalement anecdotique et des personnages qui ont une importance très mineure dans l’absolu pour l’Universal Century et pourtant malgré tout c’est ici que j’y ai trouvé mes moments d’émotions les plus forts. Pas besoin de faire mourir dix pilotes bishônen ou cinq jeunes filles moe à la suite pour susciter de l’émotion chez un spectateur, ici le travail de la tragédie et le traitement très humain des personnages suffit pour créer un drame authentique sans gros artifices ou pathos abusif, mais plus important que tout : un drame humain.

(En fait l’un des plus gros contraste vient de la présence d’un article sur Gundam sur ce blog écrit par moi-même… orz)

5 – De la futilité de la guerre

L’un des derniers points que je compte aborder et pour conclure ce billet réside dans le discours final de Bernie, pré-enregistré pour Al au cas où il perdrait la vie au combat. On pourrait s’attendre à y trouver un message moralisateur et manichéen de la part des scénaristes et du réalisateur qui viendrait noircir le tableau mais, heureusement, il n’en est rien. Cet enregistrement est à la fois extrêmement fort par le message qu’il porte, on y voit un Bernie qui a atteint pleinement sa maturité et qui nous dispense d’un message optimiste sans tomber dans une morale démagogue et forcée mais qui sonne aussi comme vraiment authentique et surtout personnel car en contraste de ce discours très mature on y retrouve aussi la trace de la jeunesse de Bernie, qui nous permet d’accepter ses mots comme non pas ceux venant d’une figure d’autorité mais bien d’un être humain à notre niveau. L’ultime phrase de l’enregistrement, « passe le bonjour à Chris de ma part » bien qu’hautement ironiquement tragique nous laisse sur une fin plus qu’optimiste et, vous allez penser que j’abuse de ce terme mais je m’en fiche, authentiquement humaine.

La mort de Bernie ne fait bien sur que renforcer la force de son discours car non seulement il meurt pour ses idéaux mais en plus mis à part Alfred, il n’aura personne pour se souvenir de lui et de son héroisme. Sa mort fait partie de celles en anime qui ont un vrai sens, il est facile d’éliminer un personnage important dans une série pour tenter de créer de l’émotion mais très souvent passé le choc du moment, l’émotion retombe car le personnage n’avait pas eu un traitement suffisamment important pour que le lecteur ou spectateur se sente réellement affecté et à ce titre, Bernie aura beau mourir de façon « inutile » dans l’absolu, il rejoint mon panthéon de ces héros qui ont une mort qui a vraiment un sens car elle nous apporte plus que du rebondissement scénaristique, un panthéon où on y retrouve des figures emblématiques de Hokuto no Ken pour ne citer que ceux-là (et ceux qui me connaissent comprennent à quel point je peux avoir du respect pour Bernie).

Je pourrais m’étendre longuement sur ce discours mais je pense que rien ne pourra remplacer le discours de Bernie placé dans son contexte et je m’arrêterai là dans l’analyse.

Pour ma part j’ai trouvé dans ces OAVs le Gundam qui m’aura réconcilié avec la franchise, celui qui me donnera le courage de découvrir le reste de la franchise, un Gundam qui m’a touché profondément et de façon véritable. Plus qu’un simple divertissement de 6×20 minutes, j’y ai trouvé une oeuvre authentique qui cherche à aller plus loin que le simple duel de gros robots, non seulement Gundam 0080 fait office de magnifique hommage aux 10 ans de la franchise de laquelle il est tiré comme Macross Plus le fera 4 ans plus tard pour Macross, ces OAVs font office de d’exemples de pourquoi Gundam peut fédérer autant de fidèles.

J’espère avoir su transmettre mon affection pour Gundam 0080: War in the Pocket et y faire hommage.

A un héros, mort pour nos pêchés.

Concluons donc ce billet, en espérant qu’il vous a plu, sur quelques mots de Ron Perlman.

I’m thankful to be breathing, on this side of the grass. Whatever comes, comes.

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